英國藝術之路是什麼

A. 藝術之路到底該如何去追求

藝術是真善美的體現，是人們精神世界的需求和追求，藝術在人們眼裡一向是高大上的。相信很多的人都熱愛藝術，很多的人都有過從事藝術事業當藝術家的理想夢想，很多人都曾經走過或正在走著或准備走向通往藝術成功彼岸的路。

無疑，藝術是一項偉大的事業，但藝術之路並不是坦途。而且因為藝術是比較高端的文化技藝，學習掌握運用乃至創造藝術甚至要比做其它工作付出更多的辛苦、堅持和努力！

藝術之路應該如何去追求呢？

多學多看多練多悟的意思大家都懂，不須多講。比如巴洛克油畫藝術重要代表魯本斯12歲進入教堂學畫，天賦加勤奮，幾年時間魯本斯已成為當地首席畫師和為數很少的政府命名的畫家，但魯本斯並不滿足這些，他認為自己的畫藝還不到家。這時他開始了長達6年的義大利游歷學習。在義大利，他臨摹了很多文藝復興時期繪畫大師的經典之作，邊看邊學邊畫邊悟，後來形成自己獨樹一幟的油畫藝術風格，被譽為西方十七世紀最偉大的畫家之一。

法國十九世紀繪畫大師學院派首席代表安格爾很早就因《大宮女》等畫作聲名赫赫。但他一生勤奮不怠，活到老畫到老。76歲時還創作了經典油畫《泉》。據說安格爾為畫好《泉》，僅素描稿就畫了8幅。

B. 英國的達勒姆城堡和大教堂是怎樣的建築

達勒姆堡和大教堂位於英國達勒姆郡，聳立在威爾河灣陡峭的石坡頂上。大教堂及附屬建築位於南面，城堡位於北面。大教堂的大部分建築擁有900多年的歷史，內部供奉有諾森伯利亞的福音傳道者聖庫什伯特和聖彼德的遺物，顯示了早期本篤會修道士的顯赫地位。達勒姆大教堂被認為是英國最大、最傑出的諾曼式建築遺產，其拱頂的大膽革新已預示著哥特式建築的誕生。達勒姆堡始建於1072年，其後數經變化，但整體建築仍體現出其諾曼式風格。內有為數眾多的具有歷史與建築價值的遺跡。1986年作為文化遺產列入《世界遺產名錄》。達勒姆位於英格蘭東北部，北距紐卡斯爾不到30公里。這一帶山丘廣布，韋爾河在山丘之間沖出一道"U"字型急轉彎，留下一個三面環河的小半島。這座小小的山城只有三萬人口，而大學生卻有六千多。它是牛津、劍橋之外的又一座大學城。中世紀以來，達勒姆曾長期作為主教駐地。那時，達勒姆主教身兼諸侯，宗教和世俗大權一把抓，甚至還統帥軍隊，這在英國是絕無僅有的一例。不過，主教們對該城的教育事業倒也出力不少。15世紀時這里就辦起了第一所文法學校，即今天的達勒姆學校。1832年，達勒姆創辦了一所大學。論資格，這所大學在英格蘭僅晚於牛津、劍橋，比著名的倫敦大學要早四年。達勒姆大學有十二個學院，校舍分布在全城各處，甚至已發展到郊外。特別值得一提的是這所大學東方學院的中文系，它在英國眾多的大學中文系中，頗有聲望。就是這個中文系的學生，曾用漢語演出過中國著名作家曹禺先生的話劇《雷雨》。東方學院還擁有一座對外開放的東方藝術博物館。它是英國唯一的一座專門收藏東方藝術品的博物館。

C. 歐洲藝術發展史的開端到現在的歷程是什麼

14—16世紀的文藝復興運動拉開了西方近代美術史的開端。任何事物的發生都不是獨立存在的個體，既不會突然出現，也不會瞬間消失。在整個文藝復興背後的推手是歐洲封建社會內部出現了資本主義經濟的萌芽，城市工商業的繁榮及其政治上的相對獨立或自治。經濟基礎決定上層建築，人們在滿足了物質需求後必然會追求更高層次——精神需求。

文藝復興期間湧出了眾多著名的藝術家，代表人物有.達·芬奇、 米開朗琪羅、拉斐爾、安吉利特、尼德蘭等，他們的藝術手法深深地影響了後世的藝術愛好者們。

二十世紀雖然不及文藝復興來的精絕，可在整個藝術史中也是一個活躍的年代，短短百年間，涌現出眾多的藝術流派，從野獸派開始，經歷了表現主義、立體主義、未來主義、抽象主義、達達主義、風格派、形而上畫派、包豪斯、超現實主義、巴黎畫派、抽象表現主義、新現實主義、波普藝術、歐普藝術、地境藝術、觀念藝術、行為表演藝術、照相寫實、激浪派、極少主義、女性主義、塗鴉主義、裝置藝術、影像藝術、新媒介藝術、全球化時期、象徵主義、俄國前衛藝術、構成藝術、八人畫派、現代雕塑、後現代名詞解釋，直至世界現代設計。

20世紀初工業文明、機器時代的到來，年輕的藝術家們普遍關注的是如何革新形式，來表現在迅猛變革的工業社會里人們的內在情緒和心理。立體主義的產生時期和表現主義差不多，不同的是表現主義宣洩的是藝術家們對戰爭、社會現實的不滿，而立體主義起源於塞尚的理論和創作實踐，藝術家們把塞尚的「要用圓柱體、圓球體、圓椎體來表現自然」這句話當著自己藝術追求的理想。立體主義更多是在折射工業文明、機器時代的社會現實。代表人物就是全民偶像的畢加索，他熱衷於前衛藝術創新，也不放棄對現實的表現。《亞維農的少女》這幅不可思議的巨幅油畫，不僅標志著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，它引發了立體主義運動的誕生。

隨著社會的逐漸穩定，社會環境有了很大的提高，這一期間出現的畫派大都沒有太多革新，受著前面一些流派影響。值得一提的是包豪斯，1919年在德國成立的一所設計學院，世界上第一所完全為發展設計教育而建立的學院。雖然只經歷了短短的十四年，但在藝術史上卻有著重要的地位，包豪斯優越嚴謹的教學體系更是沿用至今。它本身就是一件藝術品，無論是外在還是內涵，都值得人們學習欣賞。一直被稱為20世紀最具影響力也最具有爭議的藝術院校，在當時它是烏托邦思想和精神的中心。它創建了現代設計的教育理念，取得了在藝術教育理論和實踐中無可辯駁的卓越成就。包豪斯的歷程就是現代設計誕生的歷程，也是在藝術和機械技術這兩個相去甚遠的門類見搭建橋梁的歷程。設計在藝術史上始終不能像繪畫那麼受人關注，而正是包豪斯，引發了人們對設計的重視，這也順應了工業高度發展的社會需求。

在此之後的藝術流派中不得不提的是抽象表現主義，在藝術內容上它沒有什麼巨大的創舉，但卻是第一個由美國興起的藝術運動。美國興起此藝術運動跟當時紐約想要取代巴黎成為世界藝術中心是有影響的。也是二戰之後西方藝術的第一個重要的運動，享有的地位無與倫比。它是戰後漫長風格實驗的開端，標志著一個新的時代的到來，自此之後的一段時期里，西方現代藝術的中心從巴黎轉移到了紐約。研究中國美術史也會發現，藝術中心往往代表著經濟中心，這也從側面的反映，隨著藝術中心的轉移，世界的經濟中心也發生了變化。

正像波普藝術，雖然起源於英國，真正發展至鼎盛卻是在美國，文化的傳承拋開不說，經濟在無形中猶如一張大手暗自操控著。美國波普藝術家聲稱他們所從事的大眾化藝術與美洲的原始藝術和印第安人的藝術類似，是美國文化傳統的延續和發展。波普藝術也是一個探討通俗文化與藝術之間關連的藝術運動。它試圖推翻抽象藝術並轉向符號，商標等具象的大眾文化主題。簡單來說，波普藝術是當今較底層藝術市場的前身。60年代，波普藝術的影響力量開始在英國和美國流傳，造就了許多當代的藝術家。後期的波普藝術幾乎都在探討美國的大眾文化。波普藝術特殊的地方在於它對於流行時尚有相當特別而且長久的影響力，不少服裝設計，平面設計師都直接或間接的從波普藝術中取得或剽竊靈感。 可以這樣說，在藝術精神上波普雖沒有深造，卻發展了藝術的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍爾，他成了惡搞、前衛、瘋狂、流行、經典的代名詞。

17世紀：巴羅克藝術
巴洛克藝術產生於16世紀下半期，它的盛期是17世紀，進入18世紀，除北歐和中歐地區外，它逐漸衰落。
巴洛克建築是17～18世紀在義大利文藝復興建築基礎上發展起來的一種建築和裝飾風格。其特點是外形自由，追求動態，喜好富麗的裝飾和雕刻、強烈的色彩，常用穿插的曲面和橢圓形空間。
手法主義是16世紀晚期歐洲的一種藝術風格。其主要特點是追求怪異和不尋常的效果，如以變形和不協調的方式表現空間，以誇張的細長比例表現人物等。建築史中則用以指1530～1600年間義大利某些建築師的作品中體現前期巴洛克風格的傾向。
從17世紀30年代起，義大利教會財富日益增加，各個教區先後建造自己的巴洛克風格的教堂。由於規模小，不宜採用拉丁十字形平面，因此多改為圓形、橢圓形、梅花形、圓瓣十字形等單一空間的殿堂，在造型上大量使用曲面。
18世紀上半葉，德國巴洛克建築藝術成為歐洲建築史上一朵奇花。
巴洛克藝術在各方面的表現：
建築方面：柱子特別粗大，屋頂布滿雕刻。滿足霸者心態，如路 易十四時期所建築凡爾賽宮雕刻方面：皺折陰影誇大濃烈，使得姿態誇張。 繪畫方面：然雖同為中世紀之宗教畫，但由於立足於自由主義之 上，因此也在技術上充份的發揮洗練的功夫。構圖雄 偉豪邁、色彩豪壯華麗富變化、明暗的陰暗對比深刻 、線條極盡曲折，使人有極度誇張之感。其它方面：畫人物豐滿健壯，且視女性化的柔弱藝術為禁物。西班牙十字軍東征的失敗和好望角、新大陸的相繼發現促使西、葡兩國取代了義大利的地位，使得到了十七世紀，西班牙由文藝復興運動轉變成巴洛克藝術。 西班牙深受信奉「舊教」的影響，使得王室、教會仍持強大的勢力，此異於義大利和法蘭德斯，而在此對宗教的神秘感情與專制 . 君主的強大勢力之下，所誕生的庄嚴的藝術便為「巴洛克藝術].

18世紀：洛可可藝術
洛可可藝術，發端於路易十四時代晚期的法國，盛行於路易十五時代。其風格是精緻纖巧、色彩柔和艷麗。洛可可藝術的興起與法國貴族階層的衰落和資產階級的興盛有關。18世紀的法國，封建制度的危機越來越明顯，封建統治階級已經感到「夕陽無限好，只是近黃昏」，於是及時行樂之風盛行。在封建統治階級沒落的同時，資產階級正在興起，洛可可藝術風格正好也適應他們的審美需求。
洛可可藝術(Rococo art)發端於路易十四（1643～1715）時代晚期，流行於路易十五（1715～1774）時代，風格纖巧、精美、浮華、繁瑣，又稱「路易十五式」,十八世紀被看成是「理性的時代」或「啟蒙運動」的時代，哲學家從過去假設上帝存在進而推論所有事物的工作，轉換為依據實驗和觀察的理性方法去推論世間的萬象，幾乎將神學從哲學中剔除，選擇傾向世俗的路線，趣味從注重高尚的教化轉向尋求輕浮的快感。藝術的風格，在音樂家莫札特、海頓，文學家蒲伯、艾狄生、福爾泰，畫家華鐸、康斯博羅中，貫穿著一種共同主題，它把理性與優美趣味同輕松、明晰、秩序井然的材料相互配合起來。路易十四常在凡爾賽宮開各種舞會，藉著繁瑣的禮儀與無意義的職務折騰貴族們，再以富麗堂皇的宮廷裝飾營造悠閑的環境，有利搞風流韻事，以便消耗貴族們的精力，使他們無暇去策劃造反。因此藝術家授命編造一種理想生活的極樂世界情景，其唯一的目的是塑造出一個悠閑的、實際上是懶惰的社會快樂洛可可是相對於路易十四時代那種盛大、庄嚴的古典主義藝術的，這種變化和法國貴族階層的衰落，與啟蒙運動的自由探索精神（幾乎取代宗教信仰），及中產階級的日漸興盛有關 洛可可在形成過程中還受到中國藝術的影響，特別是在庭園設計、室內設計、絲織品、瓷器、漆器等方面（如《中國人物小陶瓷》，麥爾，德國，1768）。由於當時法國藝術取得歐洲的中心地位，所以洛可可藝術的影響也遍及歐洲各國。

18世紀末期：古典主義/浪漫主義
（英語∶Neoclassicism），興起於18世紀的羅馬，並迅速在歐美地區擴展的藝術運動。新古典主義，一方面起於對巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）藝術的反動，另一方面則是希望以重振古希臘、古羅馬的藝術為信念。新古典主義的藝術家刻意從風格與題材模仿古代藝術，並且知曉所模仿的內容為何。新古典主義在雕刻藝術上以淺浮雕（bas relief）圖式表現，因此截然不同於巴洛克風格的深度雕刻。
以復興古希臘羅馬藝術為旗號的古典主義藝術,早在17世紀的法國就已出現。在法國大革命及其政治和社會改革之前,有一場純粹的藝術革命,這就是新古典主義美術運動。這一時期的法國美術既不是古希臘和羅馬美術的再現,也非17世紀法國古典主義的重復。它是適應資產階級革命形勢需要在美術上一場借古開今的潮流。 所謂新古典主義也就是相對於17世紀的古典主義而言的。同時,因為這場新古典主 義美術運動與法國大革命緊密相關,所以也有人稱之為"革命的古典主義"。
新古典主義美術的特徵是：選擇嚴峻的重大題材(古代歷史和現實的重大事件),在藝術形式上,強調理性而非感性的表現；在構圖上強調完整性；在造型上 重視素描和輪廓,注重雕塑般的人物形象,而對色彩不夠重視。法國新古典主義美術從維安、達維德到安格爾,取得了最優秀的成就,並達到高峰。

浪漫主義
19世紀浪漫主義的誕生是對當時新古典主義、學院派美術的一次革命。浪漫主義以追求自由、平等、博愛和個性解放為思想基礎。追求幻想的美、注重感情的傳達，喜歡熱情奔放的性情抒發。浪漫主義藝術以動態對抗靜止，以強烈的主觀性對抗過分的客觀性。浪漫主義在題材上，多描寫獨特的性格，異國的情調，生活的悲劇，異常的事件，還往往從一些文學作品中尋找創作的題材。
這一畫派擺脫了當時學院派和古典主義的羈絆，偏重於發揮藝術家自己的想像和創造，創作題材取自現實生活，中世紀傳說和文學名著（如莎士比亞、但丁、歌德、拜倫的作品）等，有一定的進步性。代表作品有*籍里柯的《梅杜薩之筏》、*德拉克洛瓦的《自由領導人民》。畫面色彩熱烈，筆觸奔放，富有運動感。
浪漫主義畫派以肯定、頌揚人的精神價值，爭取個性解放和人權為思想原則。在繪畫上主張有個性、有特徵的描繪和情感的表達。構圖變化豐富，色彩對比強烈，筆觸奔放流暢，使畫面具有強烈的感情色彩和激動人心的藝術魅力。

19世紀：現實主義
現實主義是 19 世紀在西歐出現的與浪漫主義相對立的一種藝術思潮。由於現實主義藝術家的作品大多對所處的社會的陰暗面進行揭露和批判，所以又被稱為批判的現實主義.

印象派繪畫：又稱印象主義畫派。是19世紀下半期至20世紀初流行於歐洲的藝術創作思潮。印象派繪畫出現於1874年，這一年一群無名的年輕畫家舉辦藝術展覽會，其中有莫奈的《日出·印象》，被一保守派記者用來在文章中藉以諷刺此畫派，稱之為「印象主義畫家的展覽會」，畫派因此而得名。印象主義以創新姿態登上法國畫壇，反對古典主義、反對浪漫主義。主張畫家到室外，根據眼睛在陽光下直接觀察事物的感受來作畫，表現物體在陽光的照耀下色彩的微妙變化，開辟了繪畫的新領域。印象派畫家從各個方面以新的視角真實地、科學地描繪客觀世界，描繪畫家身邊的現實，表達自己的感性和理性的認識，但是卻舍棄了通過藝術來表達崇高理想的藝術家的社會職責，表現出頹廢的一面。在世界繪畫發展史上，印象主義具有革新意義，開辟了繪畫語言的新天地，為展示客觀世界和人的主觀世界提供了新的技巧，為藝術家發揮自己的藝術個性提供了新的可能，也拓展了藝術審美的新領域。為20世紀現代主義藝術的出現，奠定了基礎。

20世紀：
1.超現實派 首次超現實主義畫展於1925年在巴黎舉辦，翌年舉辦了第二次。此後，在巴黎、哥本哈根和特納里夫、倫敦、紐約等地有過多次重要展覽。第二次世界大戰的爆發中斷了該運動的蓬勃狀態，不過由於其成員分散到了世界各地，戰爭倒也間接地擴大了它的國際影響。戰後，在巴黎、紐約等地先後舉辦了國際性展覽會。除了組織各種活動外，超現實主義團體還充分運用雜志、報刊等媒體及傳單、小冊子等手法來傳播其觀念。1966年9月28日，超現實主義運動的核心人物布雷東去世，這使團體失去了極其重要的凝聚力量。1969年10月4日，許斯特在《世界報》發表最後一個超現實主義宣言《第四章》，指出「超現實主義運動已經沒有任何內部的一致，我的一些朋友和我本人於二月份決定將它放棄，它和我們再也沒有關系。」曾經轟轟烈烈的一場運動至此結束。不過，其影響力絕不會因此而煙消雲散。事實上，超現實主義運動對20世紀美學觀念有著重要影響
2.荷蘭風格派 一戰期間，荷蘭作為中立國而與捲入戰爭的其他國家在政治上和文化上相互隔離。在極少外來影響的情況下，一些接受了野獸主義、立體主義、未來主義等現代觀念啟迪的藝術家們開始在荷蘭本土努力探索前衛藝術的發展之路，且取得了卓爾不凡的獨特成就，形成著名的風格派（DeStijl，荷蘭文，即風格之意）。風格派正式成立於1917年，其核心人物是蒙德里安和凡杜斯堡，其他合作者包括畫家列克（BartvanderLeck）、胡札（VilmosHuszar）、雕塑家萬東格洛（CeorgesVantongerllo）、建築師歐德（J．J．P．Oud）、里特維爾德（GerritRietveld）等人。顯然，風格派作為一個運動，廣泛涉及到繪畫、雕塑、設計、建築等諸多領域，其影響是全方位的。
3.抽象表現主義畫派 漢斯霍夫曼（HansHofmann，1883—1966）是抽象表現主義藝術的先驅
4.波普及其之後的畫派 20世紀產生於美國畫壇上的抽象表現主義，標志著西方現代藝術中心從巴黎轉移到了紐約。如果說，這個畫派其實是歐洲現代派繪畫在美國的延續，那麼此後在美國所產生的種種繪畫流派，則全然是美國人自己的創造。波普藝術，便是最早的一個具有美國特點的畫派。
5.至上派 走向純抽象——俄國前衛藝術
6.未來派 未來主義（Futurism）首先是一場文學運動，它最初由義大利詩人馬里內蒂（FilippoTommasoMarinetti，1878—1944）一手炮製。在1909年2月20日的《費加羅日報》上，馬里內蒂以浮誇煽情的文辭推出了「未來主義宣言」，號召掃盪一切傳統藝術、創建能與機器時代的生活節奏相合拍的全新藝術形式。未來主義自此誕生，並迅速由文學界蔓延滲透至美術、音樂、戲劇、電影、攝影等各個領域。
7.表現派 表現主義（Exprisseonism）一詞，是德國藝術評論家威廉沃林格（WillemWorringer）在其發表於1911年8月號《狂飈》雜志的一篇文章中首次採用的；他把這個詞，與塞尚、梵谷和馬蒂斯等人的藝術聯系在一起。1912年在狂飈美術館舉行的「青騎士」畫展，再次被冠以這個名詞。從此，該詞便成為德國藝術中諸多偏於情感抒發的傾向的名稱。從廣義上說，表現主義可用於所有強調以色彩及形式要素進行「自我表現」的畫家，但其特指的含義，則是基於二十世紀初葉德國的三大藝術運動，即「橋社」（DieBrucke）、「青騎士派」（DerBlaueReiter）和「新客觀派」（DieNeueSachlichkeit）。
8.野獸派 野獸主義（Fauvism）是自1898至1908年在法國盛行一時的一個現代繪畫潮流。它雖然沒有明確的理論和綱領，但卻是一定數量的畫家在一段時期里聚合起來積極活動的結果，因而也可以被視為一個畫派。野獸派畫家熱衷於運用鮮艷、濃重的色彩，往往用直接從顏料管中擠出的顏料，以直率、粗放的筆法，創造強烈的畫面效果，充分顯示出追求情感表達的表現主義傾向。
9.立體派 分解與重構——立體主義畫派 1908年，在巴黎秋季沙龍的展覽上，當野獸派畫家馬蒂斯看到畢加索和布拉克的那些風格新奇獨特的作品時，不由得驚嘆道：「這不過是一些立方體呀！」同年，評論家沃塞爾在《吉爾布拉斯》雜志上，借馬蒂斯的這一說法，對布拉克展於卡思維勒畫廊的作品評論說：「布拉克將一切都縮減在立方體之中。」他首先採用了「立體主義」這個字眼。後來，作為對畢加索和布拉克所創的畫風及畫派的指稱，「立體主義」（Cubism）的名字便約定俗成了。
10.後印象派 「後印象主義」（Post—Impresionsm）一詞，是由英國美術批評家羅傑弗萊（RogerFry）發明的。據說，1910年在倫敦准備舉辦一個「現代」法國畫展，但是臨近開幕，畫展的名稱還沒有確定下來。作為展覽組織者的羅傑弗萊事急無奈，便不耐煩地說：「權且把它稱作後印象主義吧」。這一偶然而得的名稱，畢竟還切合實際，因為參展者都是印象派之後的畫家。以後，「後印象主義」便被用來泛指那些曾經追隨印象主義，後來又極力反對印象主義的束縛，從而形成獨特藝術風格的畫家，其中傑出者有塞尚、梵谷、高更和勞特累克等。實際上，後印象主義並不是一個社團或派別，也沒有共同的美學綱領和宣言，而且畫家們的藝術風格也是千差萬別。之所以稱之為「後印象主義」，主要是美術史論家為了從風格上將其與印象主義明確區別開來。

D. 求西方藝術史感受

發現雕塑中的塞尚、杜尚 當我們了解學習那個紛雜繁復、新舊更迭、顛覆動盪，而又具有驚人的探索追求精神的現代藝術的時候，總有些力不從心、渾沌、茫然。都說任何事物都會有它的發展根源和脈絡。通過對現代藝術的深入學習，我們找到了現代藝術的「源」——塞尚和杜尚。更主要的是在那個時期雕塑中也有它獨特的「源」，是雕塑中的塞尚和杜尚。 一被稱為「現代藝術之父」的塞尚特別注重對象共同的作為形體的物理學價值，透過它們的外表，揭示出對象內在的帶有普遍性的永恆性的結構形體，即他所說的圓柱體、球體、和錐體。他的出現使得西方傳統寫實主義繪畫體系徹底地土蹦瓦解。對於塞尚來說，內容就是形式，他的這種形式主義藝術被成為「為藝術而藝術」。是他打開了形式主義藝術之路，從他開始，經由立體主義、未來主義到至上主義、風格派、構成主義、旋渦主義、輻射主義、精確主義、光效應藝術、極簡主義等，形形色色的抽象藝術的不斷嬗變，通過一步步將客觀物象分解、重構和簡化，塞尚的繼承者和發展者們創造了一種完全獨立於客觀世界的純抽象藝術。當然在文化的創造和實踐中，從來沒有按單一的方向前進，並且同樣存在著相對立的兩面性。在以塞尚為代表的理性主義不斷發展，日益走向抽象的同時，杜尚出現了！1913年杜尚創作了第一件「現成品」藝術《自行車輪》，從此，一種於塞尚的「為藝術而藝術」相反的「人人都是藝術家，什麼都是藝術品」的反藝術而藝術登上歷史舞台。沿著杜尚開創的這條觀念化的藝術之路，西方藝術家創造了達達主義、超現實主義、波普藝術、新現實主義、集成藝術、裝置藝術、大地藝術、行為藝術、偶發藝術、觀念藝術等五花八門的非架上藝術。塞尚和杜尚的藝術追求好像是一枚硬幣的兩面，共同組成了一個完整的相反相成的現實主義。二 以上簡單介紹了現代藝術的兩大脈絡，那麼，在塞尚和杜尚引領的現代藝術的大背景下，雕塑領域中是誰起到了他們的作用，成為新一代雕塑史上的轉折呢？我認為是羅丹和布朗庫西。首先，我們就先介紹一下雕塑界的「塞尚」----羅丹。提到羅丹，我會有一種特殊的親切感，因為在閱讀《羅丹藝術論》後，我明白了一個雕塑家對自然和美的追求，在學習過程中應該注意的問題，還有以怎樣的心態去面對生活。羅丹是繼米開朗基羅之後最具影響的雕塑大師。它的探索即沖破古典主義的樊籬脫出學院派的桎梏，樹立現實主義的創作方法，以雕塑家個人的認識和深切的感受作為創作的基點，用豐富多彩的繪畫手法塑造有生命力的藝術形象。由此我們發現，羅丹和塞尚都是變革者，是雕塑和繪畫發展的轉折。藝術革命有一個永遠不變的公式：當一種藝術漸趨呆滯死板，不能再行表現時代趨向的時候，必得要回返自然，向其汲取新的藝術的靈感。這一點他們有著相同之處。塞尚的藝術既不表現神話和宗教主題，也不表現社會和政治內容，而是將探索自然的奧秘作為自己的中心主題，這正是時代精神的體現。羅丹是將「自然」奉為「女神」。在《羅丹藝術論》中有一段他與葛塞爾關於藝術和自然的討論，他們雖然用了同一個詞「自然」，但對它的理解卻大相徑庭。葛塞爾的「自然」似乎是排除了人的參與的一個獨立體。他所用的標准也是他與常人一樣的邏輯推理的根源，是機械的翻制、模仿，好像就是孤立的自然沒有人類的存在只是有一台人遺留下的機器在作純客觀的觀察和記錄。而羅丹所說的「自然」確實包含著人的，他還反復用了真實，「就是透入外形，觸到它內在的真」。從羅丹的作品中我們可以感受到模特因肢體的扭動、擠壓，筋骨牽拉的疼痛感，也許就是這種感覺是他要表現的，也是要向我們展示的。從羅丹起雕塑開始進入了表面自覺的新時代。表面被獨立出來，成為一層淋漓酣暢的情感外膜。前面我們說到了因為塞尚的變革，之後的各種主義藝術如雨後春筍般出現了。同樣，羅丹是雕塑史上新起的一座高峰，他的影響也是巨大的。比如：馬約爾、馬里尼、亨利.摩爾、賈科梅蒂等等，每一位雕塑家彷彿是大樹上一根根獨立的枝條，都致力於探索屬於自己的藝術語言，並開放出奪目的藝術之花。馬約爾是19世紀與20世紀相交時代最富個性的雕塑家。無論什麼主題他都通過女人體來表達，而且表現得貼切、真實。《山》堪稱馬約爾關於露天紀念性雕塑的一篇宣言。概括起來，紀念型雕刻的宏偉性應來自：體積與靜穆。這是雕塑藝術最古老的概念：實體才能佔有空間，靜守可以抗拒時間。馬約爾在回到雕塑傳統起點的同時，以其建築性和抽象化，又是雕塑向新的方向演變，建立了屬於自己的象徵主義風格。馬里諾.馬里尼也使用單一的馬與人作為表現的對象，他更突出的是表現人們的精神世界，人類在殘酷的戰爭下所表現的驚恐、不安孤獨的內心世界。馬里尼熱愛中國古代藝術，他把漢的干硬和唐的豐潤結合起來，雕塑上的鑿痕顯出了質料的硬，色彩使之有飽經滄桑的感覺，更好的體現了主題。亨利.摩爾時我喜歡的雕塑家之一，他本人和他的雕塑作品都流露出一種英國紳士特有的魅力。摩爾最傑出的創造是讓雕塑從人造空間走到自然空間，是把「孔洞技術」運用得最成功、最完美的雕塑家。他打破了「雕塑是被空間所包圍著的實體」的傳統觀念，而是使空間成為實體的一部分，讓雕塑與空間融為一體。摩爾的雕塑粗獷、凝重而古樸，對形體的大膽變形和誇張，顯示了材料本身的質感。他說：「一件藝術品不應該老是讓人覺得甜膩、漂亮，或者使人冷靜，而是應當有使人震懾的力量。」從1935年起，他有意識地將自然風景與雕塑作為一個整體來構思，開始致力於環境雕塑的探索，讓他的作品和大自然和諧，讓大自然的風吹、日曬、雨淋來風化表面，使之和遠山、樹林、大地、建築相配。2000年的十月，亨利·摩爾的雕塑大展在北京舉行，除了中國美術館室內展出之外，還在北海公園開辟了室外展區。這是以前所沒有的。於是現代西方雕塑藝術與古代東方園林藝術在那時融為一體，更重要的是它向我們展示出摩爾雕塑的獨特魅力，讓我們感悟到與自然和諧之美的真諦。賈科梅蒂是布德爾的學生，在二戰後推出了結合觀察、想像、體驗於一體的火柴桿似的，細、瘦、干、獨立或急行，焦灼而又緊張的人物形象。法國存在主義哲學家薩特曾指出他的作品的兩大要素：絕對的自由和存在的恐懼。賈科梅蒂的雕塑風格，被認為是「反對學院派的學院派」，那些奇特怪誕的人物造型並不能掩蓋他觀察方式上的學院主義本質，但這種觀察方式所導致的造型又是一種新的視覺與知覺的對話關系。他總是用整體的環境來為他的人物提供一種活動場所，通過對他的擺布來控制觀眾的比例感。他所營造的人物和空間的關系，改變了19世紀以來紀念碑的空間觀念。他對性的獨特理解與處理是一種有修養的創新，引發了人們對人的存在、人的本質等方面的思考。較之羅丹更深刻，也許和雕塑家本身的經歷有關系。之所以把這幾位雕塑家歸為一「類」，是因為他們的作品主要是以「人」為表現對象，利用雕塑本身的實體來豐富作品的表現力，使雕塑形象在單一和靜止中呈現出現對的變化，從而達到單純與豐富的統一。他們在繼承傳統雕塑的同時，並不滿足，努力向外延伸開拓。精神獨立、情感跌盪的卡密爾；追求幻夢式風格的亨利·馬蒂斯；輕紗般浮動柔和的賈克摩·曼祖；多病而敏感的天才莫迪里阿尼等等，他們都是探索者。 康斯坦丁·布朗庫西---雕塑領域的「杜尚」。藝術家在相同的道路上互有失敗，在相反的道路上各自成功。杜尚是這樣，布朗庫西也是如此。他不是沿伸而真正是完完全全地走在「相反的路上」，這種顛覆好似由架上藝術到非架上藝術的反叛。布朗庫西有一句名言「在大樹底下長不出好草」。（這里大樹指的是羅丹）他拋棄了羅丹的雕塑用手捏、塑的膠泥感，他強調用刀鑿才是雕刻的根本途徑。他把原始面具的五官設計和蛋形融合，細膩精緻但絲毫不破壞整體的蛋圓形。他善於把自然中生物體只屬於這個生物的形、體積，也就是他所說的Essence---形的精華---可以叫做「形母」，提取出來，同時又保留了形體內在的生命感。布朗庫西已經把走向外表紛繁的19世紀末裝飾性雕塑，重又帶回完整簡潔的單純形體----蛋形。他純化了塑造體積的語言，重建了基本語匯。他注意到：在地板和雕塑之間的空間比雕塑本身所佔的大，卻容易被忽視。他的每一個雕塑底座都是他親手設計製造的。我們可以從他工作室一角的照片看出作為一位雕塑大家的純正形感。布朗庫西作品不多，一生不斷回到「吻」、「柱」等幾個主題反復重塑，但他卻影響了整個20世紀的現代雕塑。他較羅丹最大的「創舉」就是把性從人體擴展到整個生物界，從自然萬物中發現多種多樣的形，動物、植物、無機物，包括雲、浪、河…屬於自己而不同於其他物體的形，而不僅僅局限於人體的形。這種「擴展」彷彿是強大的地震，它改變了雕塑發展的結構，岡薩雷斯開創的組合藝術，畢加索神奇的廢品創造，是雕塑活動起來的考爾德等等。通過自己淺顯的認識，卻發現了現代雕塑中的「塞尚」和「杜尚」，心中不免有些驚喜，但由於學習研究的深度有限對有些問題的准確性還需推敲。每一個雕塑家就是一個星座，他們閃耀著藝術之光，共同組成雕塑世界浩瀚璀璨的星空。他們顯示人類的智慧和信心，傳遞著各自震撼人心的藝術魅力，建構起一座又一座的人性和美的豐碑。面對這一座座的高峰我們不會因崇敬而畏懼，因他們的成功執法就是顛覆、創造、探索、革新！這也將是我們所要做的！ 參考書目 《西方現代藝術批判》 王天兵 著 《從現代到後現代---西方藝術論說》 王瑞延 著 《美術概論》

E. 我想想知道

買了一年多，只中過三次，不過是組選的3D，每次也不多買，一般是一注，最多的時候三注。

F. 藝術這碗「飯」不是誰都可以吃的，是這樣子嗎

藝術在人們的心裡是很高大上的，藝術家是倍受人們尊重的。無數人喜歡藝術，很多人都想成為藝術家。

但是，說老實話，藝術這碗「飯」真的不是誰都可以吃的。可能有人會說，搞藝術不也是一門職業嗎，只要用心學用心做，憑誰都可以吃這碗飯的。然而，實際情況卻遠非人們想像的那麼簡單。

不錯，藝術是一門職業，而且絕大部分的藝術家是靠從事藝術維持生活養家糊口的。但是藝術創作並不像想像的那麼優雅，那麼浪漫。藝術之路高尚而又充滿艱辛，浪漫而又飽含苦澀。藝術職業是一項靠長期堅持堅守厚積薄發才有可能換取回報的職業。

後印象主義油畫大師梵高在世時畫作得不到人們賞識，生活貧困，顛沛流離，但他始終不肯放下畫筆，並且不斷探索，創新改變油畫創作技法和表現手法，終於在他去世若干年後，其作品巨大的藝術價值彰顯出來。

英國十八世紀偉大畫家透納多次跟自己的學生們講，「藝術創作沒有捷徑，年輕人如果不能夠吃苦，不能夠堅持，我勸你趁早選擇放棄」。

G. 經濟對英國的藝術設計教育的影響

摘要 1.經濟導致工業革命最先在英國發生的原因：

H. 藝術生留學必看—解讀各國藝術教育特點

濃郁的藝術氛圍，世界級別的大師，琳琅滿目的高端展覽，這些國外優質的藝術資源深深吸引著國內藝術學生，奔赴海外開辟藝術之路。但是每個國家的藝術各具特點，如何根據各國的藝術教育情況及特色，選擇適合自己的國家和專業，更好地挖掘藝術潛力，這是每個藝術留學生考慮的首要問題。

美國 專業背景要求不太高

在美國，藝術范疇很廣，包括雕刻、編制、繪畫、設計、插畫、室內設計、平面設計、動畫、攝影、電影、珠寶設計、媒體設計等。比較知名的院校包括加州藝術學院、紐約大學、帕森斯設計學院、薩凡納藝術與設計學院、羅德島設計學院、視覺藝術學院、舊金山藝術大學。

優勢專業：視覺藝術、工業設計、媒體藝術、電影藝術、攝影技術、美術設計、數碼藝術設計、動漫設計等。

美國前500名的藝術名校錄取比例大約為100∶1，且多數院校只要求托福成績，並不要求GRE。若要申請以上院校，除了GPA要保持在3.0以上，還一定要提前准備好作品，申請時要附上作品集，這是學校考核的關鍵，其次才是GPA和托福成績。申請材料中作品集的選擇、整理和准備是最重要的。值得提醒的是，不是同一個作品集可以申請所有的學校，有的院校要求學生有跨學科的能力，有的則要求術科有專攻，哪幅作品應該出現在申請材料中，以及編排的順序如何，都會影響到申請的結果。

Artist Statement(創作自述)也是申請材料中非常重要的環節。如何給自己的作品找一個理論的落腳點對於美國藝術類院校的申請來說至關重要，這也是中國學生最薄弱的環節之一。如何拔高自己作品集的理論高度，是申請成功的另一個重要因素。

有的學生專業條件很好，只是英語不過關，這在藝術類學生中並不少見。美國有個別的藝術院校提供有條件錄取，可以到美國之後進行英語培訓，考試合格，成績達到上課的要求再正式開始上專業課。前提是其他所有資料都達到錄取要求，專業成績優良。

英國 應用藝術類專業就業前景好

在英國，培養藝術人才在高等教育中佔有重要的地位。英國有多所優秀院校提供各種類型的藝術與設計課程，英國藝術設計類課程分職業課程、本科課程和研究生課程三大類，學生可以按自身水平選擇不同種類的學院，從普通的延續教育學院一直到獨樹一幟的皇家藝術學院。比較好的藝術類院校有倫敦藝術大學、愛丁堡藝術學院、格拉斯哥藝術學院和皇家藝術學院。

赴英修讀藝術類專業的學生主要是修讀時裝設計、室內設計、景觀設計和平面設計等，其中展覽策劃成為新亮點。英國的藝術設計專業學習重點不是如何地注重設計的創意，而是教授學生如何將創意表現出來，轉化為商業用途。

藝術類留學大致分為應用類和傳統類兩類，前者包括各種設計和製作類專業，後者則指傳統意義上的聲樂、舞蹈、美術類專業。與純藝術類相比，應用藝術類的適應性更廣，就業競爭力更強。與就業市場緊密結合的設計和製作類藝術課程，著重對動手能力的培養，更加順應社會需求的潮流，現在已經吸引了越來越多學生、家長的注意力。此類專業主要有環境設計、建築設計、服裝設計、軟體設計、工業設計、廣告設計等。

英國院校要求申請者有扎實的功底和專業知識、技巧。首屈一指的公立藝術類院校，如倫敦藝術大學，對藝術生的基本要求是科班出身，且側重於學術性的教學，而一些新興的大學如謝菲爾德哈勒姆大學在實用類的課程方面非常優秀。英國藝術類院校對語言要求較高，一般雅思成績要求在6.5分以上。

加拿大 數字媒體人才將高薪受聘

加拿大擁有最完整的數字媒體藝術系科設置，包括影視創作;3D動畫;游戲設計;電影VFX數字特效製作;虛擬現實;互動傳媒等。此外，加拿大還擁有全球最好、最便捷的留學、移民政策，獲得本科學位，即可得到加拿大楓葉卡，成為加拿大永久居民，享受加拿大社會的福利，和享有跟加拿大居民相同的工作機會。

魁北克是全球第一的數字媒體技術及藝術的研發中心和製作中心。各類專業公司每年為來自全球各地的學生提供著數以萬計高薪工作崗位。5年的平均工資的總和，就可以讓年輕人獨立購買一所當地平均價位的房子或公寓。

法國 招生名額少，就業競爭力強

法國是藝術家的天堂，它的藝術專業在歐洲乃至世界領先，在服裝設計、空間設計和純藝術設計領域的專業水平在業界舉足輕重，無論在專業教學水平還是藝術氛圍上都是最好的留學選擇。

正是因為精英教育，法國院校的招生名額很少，而且考試嚴格。學生每升一個年級都要拿出自己的作品進行考核，只有通過了考核才能進入下一個年級。另外，法國大學一年一般有兩次開學時間，1月、2月和9月、10月。國內學生如要申請法國藝術專業，要巧妙規避時間，做好准備。

雖然法國藝術專業申請較難，但學生一旦錄取，經過留學期間的綜合培養和高端指導，就業基本就不用愁了。

義大利 「圖蘭朵計劃」免學費，高考分數380分

義大利是「文藝復興」的發源地，一直以來就是藝術薈萃的殿堂，這里大師雲集、珍寶無數。近年來，以文化、藝術、歷史、建築等聞名世界的義大利逐漸成為留學生的熱土。而義大利的圖蘭朵計劃更是吸引了越來越多的藝術生赴意學習。

圖蘭朵計劃，主要針對藝術、音樂和設計專業的中國學生，為其提供在義大利藝術和音樂類院校學習機會的政府計劃。學生取得該項目資格，在義大利六個月的語言課程結束之後，通過課程考試，即可在其選擇的藝術或音樂類學院注冊學習。同時，還可申請羅馬三大、但丁學院這樣的一流藝術大學。

學生高考分數達到380分，即可申請圖蘭朵計劃，且在公立大學學習期間免學費，同時可申請多種獎學金和助學金。

日韓 無需高考成績，講究實用性

藝術生的文化成績不佔優勢，而恰恰國外學校對文化課的成績要求不高。在日本、韓國，學生甚至無需高考分數，只要有了一定的語言成績，並通過了入學考試，就可以申請喜歡的藝術專業。

日韓的藝術類專業不局限於傳統的繪畫、雕塑，增加了越來越多偏向於實踐的新興類別。韓劇、動漫的流行正從側面說明這些新興專業設立的成功，以及大眾對於這些專業的需求的擴大。比如，服裝設計、平面設計、視覺媒體等，一度成為申請的熱門專業。

同時，日本、韓國都屬於小語種國家，留學生在學好一門藝術專業的同時還可以掌握一門語言，這為回國後的就業也增加了砝碼。同時，雙語環境、費用低廉等優勢，讓日韓成為很多藝術生的首選。

德國 工業設計發達

德國是世界上工業設計最發達的國家，同時也是音樂家之鄉。在這方面感興趣的學生可以選擇德國，德國的很多公立大學免費或者只收取少量的學費，但是對德語水平有要求，一年所有花費在8萬-9萬元。知名的藝術院校有：柏林藝術大學、斯圖加特國立造型藝術學院、魏瑪李斯特音樂學院、柏林音樂學院、漢堡音樂學院，專業有產品設計、鋼琴、藝術造型等。