英國文化歌手暗喻什麼

❹ 如何評價英國著名歌手Adele

我個人認為阿黛爾(Adele)是一個很有靈魂的女歌手,於2007年12月10日，阿黛爾被授予與第一次全英音樂獎評論家選擇獎。在2016年04月21日 -據國外媒體報道,年輕的英國女歌手阿黛爾(Adele)已經成為了英國有史以來最富有的女歌手。

總結一下吧。Adele很成功，逆天的銷量，數不清的獎項，格萊美批發專業戶，都是她足以輝煌一生的資本。但是作為一名藝術家而言，長期沒有創新沒有變革的她無疑是平庸的是無為的。我們不能強行要求她做出改變，但我們真切希望她能夠隨著這個時代前行下去，做一個真正在音樂上開疆拓土的藝術先鋒，不論成功與否，她都有既得成就做保險，更有作為聽眾甚至是粉絲的我們默默支持她祝福她。只有這樣她才能夠跳出成人抒情的圈子，真正成為名留樂史的藝術家。

❺ 老鷹樂隊的《加州旅館》是否暗喻著加州的監獄呢

記得最後一句嗎？
「你隨時可以結帳，但你永遠無法離開」
要是這首歌僅僅只是講述一個監獄的故事，那麼他就不可能成為經典
我認為他要表達的是美國的中產階級的精神困境，在這個物質文明高度發達的國家如同困獸一般無法解脫，社會如同監獄

引用一些內容：
我認為，這個Hotel California其實就是：Hotel U.S.A。因為當時的很多事物都是在美國西海岸發展起來的，比如HIPPIE，比如年輕人狂熱的思潮。這就使得加利福尼亞在那時成了年輕人嚮往的地方。同時，在設個時代所誕生的描寫加利福尼亞的歌曲也不少，就說明了這一點。六七十年代的加州是美國社會、文化等諸多問題最為典型的地方。所以，在一定程度上，這個時代的加州也代表了美國社會的縮影。歌曲想反映美國社會，所以起名叫加州旅館，在美國人看來一提起加州思緒就回到了那個時代。打個比方，就像我們中國人一提起大慶，大家就會想到那個建設時期的中國，提起深宴脊圳，就想到改革開放一樣。加州就是那個時期美國的代戚猛名詞。

再接下來的正文中，剛到第三行就有麻煩了。"Warm smell of Colitas rising up through the air"。What is COLITAS？網上的文章大多數就是在爭這個問題，雖然解釋五花八門，但最終觀點統一：Colitas並非英文，而是西班牙語。是大麻（可以製作興奮劑的尖端嫩葉）的意思。為什麼在歌曲里會出現西班牙文？這個不難理解，因為加州和墨西哥接壤，墨西哥人講西班牙語。加州的墨西哥人也不少，引用幾個西班牙語是可以理解的。（是不是北部的歌曲會有法語出現呢？呵呵，推測而已）知道了這一個詞的意思，整個歌曲就好理高祥橋解了。"My head grew heavy and my sight grew dim"，不難理解，毒癮犯了。而隨後的那些光怪陸離的景象,應該可以解釋為毒癮發作時的幻像。而這種幻像並不但只描寫feeling groovy。而且暗指當時的美國就是這樣的一個看起來光怪陸離，物慾橫流，精神空虛的社會。

看看這幾句歌詞："Her mind is Tiffany-twisted, she got the Mercedes bends. She got a lot of pretty, pretty boys, that she calls friends. How they dance in the courtyard, sweet summer sweat. Some dance to remember, some dance to forget."還有"Mirrors on the ceiling, The pink champagne on ice"

Tiffany-twisted到底是什麼意思呢？先暫時不看，後面的Mercedes bend不用過多地解釋，見到Mercedes就應該想到德國名車——梅塞德斯•賓士。但是，眾所周知，賓士的英文名稱是:Benz，為什麼用bends? Bend這個詞是扭曲的意思。再看看前面的兩個詞，根據一些網上評論的提示，我比較傾向於認為Tiffany並不是紗的意思，金山詞霸上這樣解釋："蒂凡尼，路易斯•康福特1848-1933美國藝術家，他發展了一種用於彩色玻璃窗、燈罩和其它裝飾品的乳白色玻璃"而網上的評論說，這種玻璃製品很昂貴。而twist也有扭曲的意思，這樣就知道為什麼作者把Benz錯拼成bends了。名車，名貴玻璃飾品，加上兩個扭曲。是指當時扭曲的奢華物質生活。我們想像一下這樣的情景，用慢鏡頭表現，很多人在里跳舞，很瘋狂，暗淡光線透過名貴的有色玻璃，把各種顏色的光線投射在人們身上。粉紅的香檳酒被冰鎮著，大廳天花板是那種鑲嵌有豪華的鏡子的那種，折射出外面院子里紛亂的人影。院外停著紅色的梅塞德斯•賓士。人們就在慢鏡頭中扭動著身體，光線被扭曲了，空氣也被扭曲了……這就是我對上述歌詞中破碎的場景的理解。也是我認為Tiffany應該解釋成有色玻璃的原因。這段歌詞既可以理解成為是對吸毒感受的描寫，也可以理解為是含沙射影的寫實。

接下來的一段更加令人費解的歌詞是："They gathered for the feast. They stab it with their steely knives, But they just can't kill the beast. "聚餐？聚什麼餐，就是在吸毒。而那些飛舞的刀叉就是指吸毒的工具。那頭他們不能殺死的野獸就是指他們無法擺脫的毒癮。這也表明了這些癮君子在過癮時，心中的那種痛苦、恐懼與無助。而這種感覺正像當時美國始終無法擺脫它天空上的陰霾的感覺一樣。人們想把經濟搞上去，想極力扭轉社會風氣，但是，很困難。這種感覺是不是很相似呢？

在歌曲的最後，"我"終於反應過來我進了"黑店"。"我"想跑出去，但是，不可能了。Night man告訴我"You can checkout any time you like, but you can never leave!"的確，到這里，是些吸毒最為明白的一部分了。你要不停的買，不能停，直到——死！同時我還覺得，這段話反映出了baby boomers進入七十年代後，開始了冷靜與成熟的思考，可這時的美國社會卻毫無起色，直線下降，他們覺得自己陷入了漩渦，到處是灰濛蒙的，看不到前途。對自己的毫無所為有一種極大的失望，甚至是絕望的感覺。因為最後一句話就是在寫吸毒，所以這么想有一點牽強，當我想，這種感覺在他們當時是肯定有的。

下面就我就結合當時的歷史背景來分析一下為什麼這首歌這樣受歡迎。Eagles於1977推出了第五張專輯《加洲旅店》，剛一問世便贏得了一片叫好聲，這張專輯被譽為七十年代美國最重要的專輯。在這張專輯里雄鷹以一種極為頹廢的方式反映了七十年代美國那種世風日下，混沌與散漫的社會風氣。

從1964年開始，已經成為青年的人數眾多的baby boomers開始走上了歷史的舞台。隨著Ken Kesey的LSD 的推廣；隨著Hippie的出現；隨著越南戰爭的升級……，年輕人用自己的激情在社會中激盪著。對父輩的憎恨，與社會傳統觀念的摩擦，與政府持有的不同政見，使得他們不停的在爆發爆發……在1969年，Woodstock的搖滾音樂節，這是一個讓一切對音樂有過奢望和理想的人一想起來就熱淚盈眶的盛會。有一篇文章上這樣描寫："想一想吧，45萬人如蟻群一樣站在泥地里，站在瓢潑大雨中，他們包括來自全美各地的憤怒青年、搖滾樂手擁躉、行吟詩人、自由藝術家和亞文化代表。"這種狂風暴雨式的文化變革，思想變革影響了六七十年代的西方世界。有人這樣評價："這種翻天覆地的斷裂式的思想變革隨著各種社會矛盾的劇化帶動了一代人在廣闊區域內（西歐、北美、日本）的離經叛道之舉。參加者數量之巨，聲勢之壯，在人類直立行走以來的文化史中都屬罕見。它和歐洲文藝復興自上而下的保守的啟蒙過程不同，它的發生發展過程有如脫籠猛虎挾風雷之勢踐踏每一片不合理的存在。"（我總以為，六七十年代在我們國家有"文化大革命"，不穩定。這樣看來在資本主義國家也是這樣的呀，不穩定too，呵呵）。

進入七十年代以後，baby boomers逐漸進入了而立之年，正向老師所講的那樣：生兒育女的重擔使他們在政治和文化上的熱情減退。就正在此時，美國社會正在經歷前所未有的困難，從政治到經濟，沒有一項盡如人意。水門事件，能源危機，通貨膨脹，越南兵敗……。這些社會危機讓整個美國的國家自信像自由落體運動似的，直線下降。在社會深層，這些危機連同高漲的犯罪率，社會動盪。使得整個美國烏煙瘴氣。也是在這時，一場全球規模的經濟危機爆發了。人們恐懼的面對著這場經濟蕭條，在此期間，通貨膨脹率一度達到11％。這意味著，如果你把你的工資存在一個特定的帳戶中，隨著美元貶值，你的100美元一年後就剩下89美元了。美國人學會了如何在價格高漲之前就把東西趕緊預訂了，等到通貨膨脹時再付錢。"隨著成倍的通貨膨脹，"波士頓大學的斯庫曼教授說："勤儉節約只能吃啞巴虧。"也就是在這時，美國人荒淫奢侈的生活開始了。沒有人再關心政治了，只有世風日下，只有混沌與散漫的社會風氣。人們吸毒，然後瘋狂或是想回憶過去，或是為了忘記現實，"Some dance to remember, some dance to forget"正是表達的這個意思，其中的some不是修飾dance的，而是代詞，指某些人。這些人想超脫於現實生活，但是又陷入毒癮與物慾中無法解脫。大家在陰霾的七十年代痛苦的掙扎著。各種還有一個細節是："So I called up the Captain,'Please bring me my wine'He said, 'We haven't had that spirit here since nineteen sixty nine'" 當時不理解這一句話，後來差了金山詞霸才知道spirit還有烈酒的意思，比如，spirit-lamp是酒精燈的意思。但是，此處作者肯定是利用一詞多義，spirit是精神的意思，是什麼精神呢？從1969年以後就沒有了，1969年發生了什麼事？Woodstock。是的，在那個時代人們的那種激情在七十年代已經盪然無存了。這就是為什麼We haven't had that spirit here since nineteen sixty nine。

至此，這首歌在凌亂的歌詞下反映美國社會的目的就已經很清晰了。在七十年代，已經有許多歌手們覺得不能再這樣下去了，他們開始反毒品，反對人們的碌碌無為，反對荒淫無度的生活。他們希望這個深深中毒的社會能夠擺脫出來。Hotel California在七十年代中後期推出，我不知道當時eagles是否想以這樣反映社會的手法喚醒社會，是不是他們也是那些糾正風氣的人們中的一員。但是至少他們的歌在人數眾多的baby boomers中引起了強烈的共鳴，並深深的刺痛了人們的心靈深處，使得人們反思。這也就是，這首歌在七十年代才有那麼高的地位，並且廣受歡迎知道今日的原因。

❻ 為什麼稱呼英國歌手詹姆斯.布朗特為【上尉詩人】

詹姆斯·布朗特（James Blunt）自出道來就得一美譽，「上尉詩人」。上尉是說他之前當過兵，詩人是說他唱歌很妖嬈。歌壇里有詩人之稱的不在少數，但能夠得上上尉級別的還真不多，詹姆斯·布朗特，這個英國男人，一入道就比其他人名聲大。但稱呼就只是個符號，更多時候就是張空頭支票，兌現不能，叫保羅·麥卡特尼（Paul McCartney）都得叫「爵士（Sir）」，提邁克爾·傑克遜（Michael Jackson）都得提「天王（King）」悔做。這多半是出於尊重，與肯定其成就與否無關。「上尉詩人」 詹姆斯·布朗特，有時候甚至是一種調侃。事實上，他也並不是明星坯子，因為沒有偶像氣質，硬體條件太過於欠缺，既沒有美到讓男人想搞基，也沒有丑到女人想罵娘。如果當初不是在歌曲《You Are Beautiful》的MV里連脫掉上衣鞋襪，真看不出他能單靠身形有何吸引大眾的魅力。《You Are Beautiful》是火了，火到即使現在大多數人也都能將它隨口就唱出來，這與《老鼠愛大米》在國內走紅的道理是一樣，一首簡單到不能再簡單的歌曲突然一下像病毒般傳播開來。時機佔了一半功勞，就是鑽了流行歌壇的空子，因為與其它流行曲子不一樣，所以讓人覺得新鮮。但，這種奇跡只能發生一次，《You Are Beautiful》2.0版未有出現，從後來的幾張專輯來看，詹姆斯·布朗特也的確未能再創狂銷奇跡。《You Are Beautiful》對於詹姆斯·布朗特來說就是頭頂上一高懸的光環，有一圈足以，再多幾圈也就那麼大的敬前棚亮光。詹姆斯·布朗特不適合走完全主流的道路，他跟戴米安·萊斯（Damien Rice）才是同胞兄弟，兩人都可以寫出沁人心脾的好歌，但這些歌不應該成為完全的流行口水歌，這對於歌手本人是屈才且完全不合適的，歌手都有各自成長的土壤，此二人就該是獨立歌手的范兒。由於《You Are Beautiful》的大熱，詹姆斯·布朗特的處女作《Back to Bedlam》不小心就成了主流專輯，而後的《All the Lost Souls》卻證明，他並非主流歌手的範式，而是小眾歌手的料子。好事的媒體將《All the Lost Souls》猛批一頓，因為他們再也找不到《You Are Beautiful》。其實歌手寫歌就是揭傷疤，揭一次可以，要次次都揭同一塊傷疤，那結果只能是麻木不仁。詹姆斯·布朗特沒有揭開同一塊傷疤，這其實是自我救贖，他無法為了成就大名而去專職寫口水歌。《Some Kind of Trouble》就是最好證明，他早就將百萬銷量的成績拋到腦後，安心做一獨立小眾歌手。現實地想，以《Back to Bedlam》的銷量成績足以讓他過好後半輩子，既然衣食無憂了何不做點自己喜歡的事情？唱慢情歌，不僅僅是他喜歡做的，而且是適合他做的事情，只有這樣，大眾對他的評判才能離開主流標准，不要再以《You Are Beautiful》的標准來衡量他現在的作品，因為那首歌本來就是一個假象。《Some Kind of Trouble》里沒有一夜爆紅的單曲，但卻有美妙的旋律，《Best Laid Plans》、《Superstar》這些都是聽歌的人想聽到，寫歌的想寫出的好歌。整張專輯可以毫無障礙的聽下來。因為，你不是在以一張流行專輯的標准來衡量它，而是以音樂本身。好音樂不是銷量冠軍，不是排行榜首位，應該是耳朵的潤滑劑，舒服舒暢舒心。排行榜上詹姆斯·布朗特拼不過X Factor的選秀冠軍，但他可以輕易地征服一隻只耳朵。自埃爾·頓約翰（Elton John）、菲爾·柯林斯（Phil Collins）、喬治·哈里森（George Harrison）之後英國又多一唱情歌到隨心所欲境界的好歌手。我曾說對於詹姆斯·布朗特而言，「溫柔是瓶頸」，這是對於主流標准來說的，主流界不需要太多的重復，急需的是突破，就像是《You Are Beautiful》一夜之間的爆紅。主流大眾就喜歡這樣的刺激，他們不在乎每天吃一樣的東西，但在乎每一天不能聽一樣的歌曲，做流行歌手最難的不是唱歌，而是唱不出新鮮的歌，對於完全不能靠臉蛋以及賣萌賣騷吃飯的詹姆斯·布朗特來說，做個低調的小眾歌手才是明路。做不了大明星不可怕，可怕的是做不了還想做。詹姆斯·布朗特做不了大明星，索性他也沒有這個念頭，他不需要成為大體育場的賣座明星，亮則發張專輯，唱幾首感動人的歌曲，足矣。「今晚我們能做回自己嗎？（Tonight can we be free to be who we really are？）」詹姆斯·布朗特在《Superstar》是這么唱的，他做回了自己

❼ 英國歌手唱歌為什麼用美國腔

英國歌手阿黛爾為最新的邦德電影《007：大破天幕殺機》錄制了一首同名主題曲。盡管阿黛爾說話帶著濃重的倫敦腔，可當她唱起歌來，聽上去卻更像美國人而不是英國人。為什麼英國歌手總是在演唱時有美國腔呢？ 因為人們覺得流行歌手聽起來就應該是那樣。英國流行歌手從上世紀60年代克里夫·理查德（英國演員、歌手、商人，被譽為「英國貓王」）、甲殼蟲和滾石樂隊時，就開始效仿美式發音。這些音樂人很大程度上受到了非洲裔美國人方言的影響，而這種影響來自於美國黑人布魯斯和搖滾歌手，比如查克·貝利。這些英國歌手的「冒牌」美國方言，通常由幾種美國方言構成。 效仿美式的發音包括採用美式的母音和R的發音：無論R在哪裡出現，都發出聲音來。作為對比，多數英國方言中，音節最後的R都不發聲。有時英國人為「偽造」美國口音，而過度強調了R的發音，比如甲殼蟲樂隊的保羅·麥卡特尼在他的歌曲《Till there was you》中，竟然將「saw」都讀成了「sawr」。 語言學家皮特·特魯基爾多年研究英國搖滾音樂中R的發音，他發現，在上世紀60年代中期，甲殼蟲樂隊唱歌時強調R的發音逐漸減少，最終形成了一種橫跨大西洋的口音：將英式英語和美式英語結合了起來。 隨著更多新流派的出現，這個趨勢的反方向也在發展：美國流行音樂歌手比如比利·喬·阿姆斯特朗就採用了英式發音，以便聽起來更像喬·斯特拉莫（編者註：英國朋克搖滾的旗幟——沖撞樂隊的創建者及領袖）。 當代歌手一直在根據他們的流派選擇發音。凱斯·厄本是澳大利亞人，在唱鄉村音樂的時，卻有著明顯的美國南部口音。最近的一個研究表明，紐西蘭流行歌手習慣用美國口音唱歌，即使他們不是故意這樣做的。也許這是因為，現在的流行歌手都是聽著美國流行音樂成長起來。 即使歌手們並沒有因為所在流派而採用固定發音，方言仍在歌曲中逐漸消失了：語調被曲調取代，母音長度被每個音節的長度控制，而聲音的韻律則服從曲子的節奏。這就讓母音的發聲和R的發音，變成了歌曲中最能體現口音的細節。

❽ 英國民謠的相關資料

也許正如大多數學者所認為的：整整兩個世紀（18和19世紀)英倫缺乏「登堂雅樂」。然而自然流暢的民歌之聲卻一直流傳下來，直到塞西爾·夏普及助手毛德·卡皮利斯成為19世紀末最著名的民歌發掘者。由此，這些源自16世紀中葉的牧歌，以及比牧歌更古老的田園歌曲和中世紀以來宗教音樂的傳統，開始進入艾爾加、霍斯特、沃思·威廉姆斯等英國作曲家的創作視野，英國民歌成為他們手中最自覺和最擅長使用的音樂素材。音樂史家通常給這些民風濃郁的創作者們一個詞；叫古典音樂的民族樂派。
而夏普也格先前由作曲家帕里和斯坦福組織的英國民歌協會擴展成了英國民間舞蹈和歌曲協會；從1900到1910年；塞西爾·夏普和沃思·威廉姆斯分別搜集了上千首民歌，—其中有些歌曲甚至包括了大約100種以上的不同版本。這兩位卓有成效的民歌搜集者，對各歌曲的發祥地、起源流傳等方方面面都進行了考證，他們試圖通過對民歌的搜集整理說明：民歌何物。的確，他們的工作界定了古代民歌與現代民謠的承接關系，界定了純正民謠的范疇。但隨著這些作曲家作曲地位的國際化及現代音樂創作手法的更新，被「純凈」過的民歌也很快變成「藝術歌曲」了。這其中的大部分作品漸漸遠離大眾，除了那些不斷被演唱不斷被改編的名曲，學院方式的英倫民歌研究已停滯下來。
英國流行音樂工業的建立是從模仿美國開始的。從三四十年代開始，不斷有船員從大洋彼岸走私唱片到英國。這些稀有的唱片盡皆成為後來60年代英國流行文化的啟蒙物。一些酒吧、咖啡館里開始出現美國化的小型樂隊，它們為民歌進行伴奏，逐漸取代了此前人們對學院式民歌的期待。在數十年理論研究和市並接納的雙重促進下，英倫民間音樂極迅速地適櫻喚應城市需求發展開來，並廣泛散布到了各類城市。
來自曼徹斯特鄉間的艾文·麥考爾是民間出身的第一代著名民歌手。30年代韌，年僅15歲的艾文·麥考爾加入了薩爾福特嘹亮者樂團。麥考爾早年從父親那裡學來的傳統曲目，成為樂團一。系列街頭露天演出的重頭戲，而他自己的創作曲目《骯臟破舊的小鎮》，後來則被都柏林人樂隊翻唱。麥考爾的共產主義信仰，令其熱衷於各類政治集會；唱歌的同時，他還導演電影、戲劇，這種創作傾向產生了非常大的影響，使得後輩民謠歌手大多以關注社會、批判現實為已任。50年代，麥考爾創作了廣播音樂劇《約翰·艾德遜的敘事曲》，因此而被視為英國民謠的卓越先驅，格外受到民歌界的敬重。麥考爾還與美國民謠學者艾倫·盧馬克思合作，聯合考察英美兩地民謠，促成肋年代「批評小組」成立。批評小組專事進行民歌分析和民歌演唱技巧的研究，並創作「歌曲載體」系列節目。不久節目名稱革新為「廣播敘事曲」，它們以普通勞動人民的口吻結合新舊民謠播出，彤響了當時的無數年輕人。艾文·麥考爾的三任妻子瓊·利特爾伍德、金·紐拉芙、佩姬·西格及子女哈米什、柯斯蒂、內爾、卡盧姆，都是傳統民歌的知名演繹者。在同一領域，A·L·洛伊德和「批評小組」成員弗蘭奇·阿姆斯特朗，也全力傳播純正民謠。阿姆斯特朗與佩姬·西格和桑德拉·柯爾一起，錄制了專輯《女性嬉戲》，將筆觸運於女權和核威脅，當然，專輯中那些17世紀的古老歌謠顯得同樣重要。另外，畢業於藝術學院的咐蔽彼得·貝拉美與羅伊斯頓·伍德、海瑟爾·伍德合作組成樂隊「年輕的傳統」，在蘇格蘭民謠歌手哈里·考克斯、薩姆·拉那和庫柏一家影響下，大量演唱傳統曲目。樂隊解散後，彼得·貝拉美獨立發展，他根據詩人吉林的詩所譜寫的歌曲，曾受到社會廣泛的歡迎。70年代末期，貝拉美自導民謠歌劇《運輸》，眾多民謠鼓吹者如尼克·瓊斯、瓊·泰博、塞西爾·陶尼、A·L·洛伊德、水之子樂隊參與了演出。《運輸》喚起了人們對這些純正民謠歌唱者的美好期待。然而時至90年代，貝拉美發行新作《撲克牌戲法》後撒手而去，推測認為是自殺。他所留下的空白，一時之間競無人可以填補。
經過40和50年代的傳播和沉積，60年代英國民謠得以以流行音樂的形式為世界矚目。大量樂隊如甲殼蟲、滾石、動物、奇想、誰人、搜尋者、戴夫·克拉克五人樂隊，遠涉重洋征服美利堅，進而征服了整個世界，這即是人們熟知的「英國文化入侵」。這場運動在一定程度上可視為英國民謠發展的分水嶺，原因不單單是上述樂衡頌州隊在學習美國黑人布魯斯期間，對英國民謠成分進行了提煉並將之引入布魯斯，從而形成英式搖滾的特有格調；而且，這一事件同時成為那些純正民謠藝人分化實驗的發端，從而產生了以倫敦、利物浦、曼徹斯特等多個城市為中心的多元化民謠發展的格局，運用電聲替代純正民謠原聲樂器伴奏，此後成為全球化的趨勢。幾乎與美國的鮑勃·迪倫同步，英倫眾多團體也紛紛在傳統歌謠演唱中將樂器通上電。這些團體中最為著名的，屬「難以置信的弦樂樂隊」和「貿易港大會」，這兩個團體的活動，直接或間接地影響帶動了許多團體和藝人。
「難以置信的弦樂樂隊」是將音樂風格建立在蘇格蘭民謠基礎上的多樂器實驗場。1966年，該樂隊發表第一張專輯《難以置信的弦樂樂隊》運用了大約30種不同地方的民族樂器，從蘇格蘭民間的風笛，到印度、巴基斯坦、非洲、美洲的打擊樂，每一種樂器他們都運用得得心應手。在隨後的專輯《洋蔥的5000種精神或表層》中，樂隊更加強化多樂器配器的特點，引發了人們對世界范圍的民謠概念的討論，這也是西方關於世界音樂的最早探討。1968年，樂隊發行雙唱片集《絞刑吏的漂亮女兒》《小小和大大》，嘗試創作超長歌曲，《非常稀疏的歌》公認是其中的經典。在「難以置信的弦樂樂隊」影響下，80年代的「集市勝處」樂隊及其主唱艾迪·里德，90年代的戴夫·馬修斯樂隊，都力圖融合爵士、布魯斯、中東和印度音樂，從一個奇特的角度進入英國民謠。它們靈動的節奏、美妙的旋律、飄浮不定的嗓音，像在描述種種甜蜜而苦澀的情感。「難以置信的弦樂樂隊」後來又推出過三套專輯，分別是《變馬》，搖滾風味的《遙望》，和電影配樂《U》。其後，樂隊成員邁克·何倫和羅賓·威廉姆森分別推出個人專輯。後期作品因為過分強調融合風格與多樂器組合，有時反而喪失了部分歌曲的優雅，但這並沒有減弱「難以置信的弦樂樂隊」的影響力。
「貿易港大會」樂隊是以民謠搖滾風格引起美國唱片製作人重視的。第一張專輯《貿易港大會》充滿激情卻缺乏銷量，向世人介紹了來自加拿大的傑出歌曲作者——瓊尼·米契爾。隨後樂隊成員更替，新的專輯帶來更傳統的民謠感覺。這張叫《我們在假日里都做些什麼》的專輯，包含了一系列的出色歌曲，如《她穿過集市入》、《書之歌》、《我要保有它》、《相遇於邊緣》等。這使樂隊擺脫了美國樂隊如傑弗遜飛機樂團的陰影。「貿易港大會」後來衍化為一系列的分支性隊伍，都是以該樂隊骨幹成員為中心組織起來的，如鋼眼斯潘(1970)、福澤林蓋(1970)、阿爾賓樂隊(1972j、酸葡萄(1974)、馬休茲南方安慰(1970)、理查和琳達、湯普森們；而樂隊的所有成員，包括領導人桑迪·丹尼、朱莉·大寶，主唱伊安·馬修斯、貝司手阿什利·哈金斯，吉他手理查·湯普森、西蒙·尼科爾，鼓手馬丁·蘭姆博，人人都有出色的個人發展。這其中要說誰最耀眼，可能就要數理查·湯普森——這位保持了30年聲名的傑出吉他手了。由「貿易港大會」向外伸展出的團體和個人，無可爭議地成為英國民謠的核心部分，林林總總出版發行了不下一百張專輯唱片，這些唱片同時成為傳統民謠向民謠搖滾過渡發展的佐證。而衍生團體中的一些成員，如馬丁·卡西、彼得·耐特、鮑勃·約翰遜、梯姆·哈特等，也都贏得了極高的聲譽。
英國民謠的核心層里，極為著名的人物，論樂隊還有「五角星」，論個人還有比利·布拉格；五角星的靈魂人物是人稱「英國最佳民歌吉他手」的波特·簡奇，齊柏林飛艇的超級吉他手吉米·佩奇，曾公開承認簡奇是自己最欣賞的吉他手。五角星1968年推出首張同名大碟。由於獲得一致好評，同年稍後更推出一套雙張唱片《甜甜的孩子》。雖是一張錄音室加一張現場的錄音，但全部都是新歌，絕無重復作品的弊病。它現場演奏了爵士樂大師查爾斯·明格斯的名作——《海地戰歌》和《再見派哈特港》，音樂最吸引人處，是原聲吉他點綴下主音歌手高昂的演唱，和共鳴感極強的貝司烘托。因此有評論認為：《甜甜的孩子》乃民謠折衷主義。其實五角星除簡奇和倫本，其他三位成員都來自英國布魯斯先驅阿歷克斯·科納的布魯斯聯盟樂隊，本來就有非常深厚的布魯斯和爵士樂根基。之後，五角星於1969推出《光之籃》，1970年推出《殘酷姐妹》(其實是1966年的錄音)，1972年推出《所羅門的錫封》——這是樂隊水準最高的唱片，他們卻於此時宣布分手，直到20年後的90年代才又重新聚合。比利·布拉格出生在盛產苦行游吟詩人的巴金地區(Barking)，起初參加一個名為里夫·拉菲的車庫樂隊，但最終選擇民謠為其事業。布拉格像古代游吟詩人那樣，在大地上行走、歌唱，所不同的是，木吉他換成了電吉他。一段時期內，他身背蓄電池，手握電吉他，兩個擴音器用鋼條像觸角般支起，以此走遍整個英國。布拉格稱此為「一人抵抗主義」(One Man Clach)。他以個人性的義無反顧的行為，孤獨地發起對現代工業音樂的沖擊。
冷戰中的生活，誘發布拉格一系列政治題材作品的誕生。典型作品為《生活是一場騷亂入對於普通人的生活，布拉格同樣顯得敏感而細致。他曾寫下《對黑發新女士的問候》一歌，唱：我聚集對你的愛，合著新的紋身，和一些啤酒……據深圳作者Ned說，布拉格曾到過中國，他有多張唱片採用了紅色波普的封面。布拉格很關注社會主義國家的狀況，1987年到過蘇聯，舉辦過演唱會。表面上，他給人左派歌手的印象，事實上，他的音樂是超越政治的，洋溢在他樂聲中的是一種濃烈的人道主義情懷：不分國家，不分種族，不分政見；他相信人生來是自由的，不依賴於任何政體或商業組織，不受任何觀點和信念的擺布，他的音樂正是企圖還人類以這個面目。
Ned進一步評論道：布拉格慣於重新演繹一些流傳已久、深入人心的經典歌曲。《國際歌》作為工人運動的聖樂，所蘊合的自由觀念和批判精神深得布拉格的喜愛。在皮特·西格的鼓勵下，布拉格在原英譯歌詞的基礎上作了一些改動，使其更符合世界大同的普遍理想，更易被傳唱。布拉格的聲音寬宏質朴，深具號召力，合唱的跟進顯示了對自由一呼百應的波瀾壯闊的豪情。布拉格人一直致力於挖掘民歌遺產，他相信真正表達了人的窘迫處境和光明理想的歌曲雖然簡單淺白，但必能深入民間，傳唱千古：而由現代唱片工業的雄厚財力所吹捧出來的明星歌曲，雖然復雜唯美卻只會是黃花短命過眼雲煙。布拉格翻唱過很多民歌，並大量取用鋼琴、口琴、木吉他、清唱等形式，較少取用失真吉他這類現代樂器，以保存原曲天然的韻味。
這些民歌或揭露資本主義對人的剝削，或控告戰爭對生命的殺戮，或傳達無產者對自由、民主、解放的嚮往，或反映普羅大眾對古老美好生活的迫念。對於布拉格來說，音樂的思想傳承功能和文化批判功能遠比其娛樂功能更重要，所以他選擇了民歌。在布拉格所翻唱的民歌中，有不少歌曲曾被社會主義者引為戰斗音樂，但布拉格卻並非一個傳統意義上的社會主義者。
1965—1968年形成的英國迷幻音樂，其相當一部分屬於民謠的范疇。英國第一個迷幻歌手多諾文，最早就是一位典型的傳統民謠歌手。多諾文來自蘇格蘭，1965年發表首張專輯《抓住風》，表現出與鮑勃·迪倫相映照的氣質。其後，多諾文改用電聲樂器伴奏，單曲《燦爛超人》和《淡黃》，由吉米·佩奇出任吉他手，細致地描寫了致幻葯物的作用，因而招致批評界的批評；但它卻影響了吉米·佩奇時期的庭鳥樂隊，使其推出迷幻專輯《小把戲》，內含以LSD(一種可引起通感的迷幻葯)為名的歌曲。而庭鳥的另一成員吉姆·麥卡蒂也因此發生對民謠改革的熱衷，加入文藝復興樂團，組織迷幻組合「一起」。多諾文以《詹尼弗·張尼坡》和《那裡有座山》贏得商業上的成功，專輯《奏搖弦琴的男人》受到印度冥想師的啟示，帶有童話氣質，被迷幻樂迷奉為經典之作。此時，多諾文一心痴迷於嬉皮活動，開了不少露天的，青年男女席地散坐、聽歌吃葯、談情說愛的演唱會，還跑到美國內華達的沙漠上去修悟禪佛。1968年，多諾文發表限於美國發行的專輯《巴拉巴加蓋爾》由傑夫·貝克任吉他伴奏，由於未在本土發行，唱片在英國沒有多少反響。但從此以後，與多諾文想法一致的藝人越來越多了，冬青樂隊，好極了樂隊團員格雷厄姆·納什，平克·弗洛伊德主唱希德·巴里特，他們都試圖擴展民謠的語匯；極力將全球的嬉皮文化特徵反映在民謠式的作品中。
希德·巴里特60年代早期以吉奧夫幕待箴言樂團的一員，在家鄉劍橋小有名氣。經過節奏布魯斯樂團「尖叫布魯斯」的洗禮後，巴里特在倫敦坎伯威爾藝術學院組建了平克·弗洛伊德樂隊，創作出《阿諾德·雷恩》和《看艾米莉游戲》兩首作品。
隨後，平克·弗洛伊德的首張專輯《拂曉之門前的吹風笛者》，展現出隨機模糊不定的吉他音色和回饋、滑音及回聲的特殊效果，這成為平克·弗洛伊德標志性的音樂氛圍。在整個平克·弗洛伊德歷史上，《拂曉之門前的吹風笛者》是最具有實驗性的一張，個中的嘗試擴展了人們新的聽覺。由於葯物的副作用，希德·巴里特不久就去了健康，並永遠地離開了平克·弗洛伊鎔。復出時推出的專輯《莽撞人的笑》和《巴里特隊》顯示出罕見的冷淡和克已。這兩張專輯再現了陰暗的心理世界，幾乎僅僅由吉他和低吟構成，卻深入到個人意識近乎無限的底層，其自閉和內省的程度，抵達了流行音樂再無法抵達的深淵。毫無疑問，巴里持的專輯，乃是後來英國民謠中的上上精品。
60年代中後期的英國迷幻樂潮，席捲了全英國幾乎所有的知名音樂團體。滾石樂團的《魔鬼陛卞的乞求》、甲殼蟲的白色專輯和《佩珀軍士的傷心俱樂部樂隊》，都是在這一時期出現的。葯物作用下的樂器及人的思緒的超常體驗，為70年代的藝術搖滾樂團提供了經驗。其後，交通、E．L．P、克里姆森國王，以及中期的平克·弗洛伊德，皆毋須再嘗試葯物，也能創造充滿幻覺效果的音樂。通過上古名曲的改編，藝術搖滾的一部分事實上成為繼承英國民謠衣缽的重要發展方向之一。通過迷幻的實驗，英國民謠更深地同古典樂和二戰後開始的電子音樂的實驗結合到了一起。
當我們回顧這段歷史時，不難發現：迷幻音樂的實質，並不是表面所表現的那樣是「葯物音樂」。從音樂形態上看，它非常清楚——是民謠的一種深化形式。它的一翼是英國民謠與古典音樂的結合，另一翼是英國民謠與印度音樂的結合。這種結合中產生了最早的、非常接近於氛圍音樂(Abient)的因素。古典管弦的恍若隔世，印度音樂的靜態冥想，成就了音樂的超現實的空間；在其間娓妮而談的民謠，此時呈現出安詳、久遠或者自省的氣質。
從迷幻搖滾的平克·弗洛伊德，古典搖滾的憂郁布魯斯，到藝術搖滾的克里姆森國王，他們共同的東西是什麼呢?是民謠，這點再清楚不過了。E．L．P的第一張專輯《愛默生、雷克和帕爾默》不就是曾盛傳於維多利亞時代的田園牧歌嗎?稍微不同的是，迷幻音樂的民謠歌唱，此時不再單純用吉他，它的器樂通常有四層：最近一層是民謠吉他；稍遠是管弦——迷幻音樂家最鍾愛的是長笛和弦樂這兩種音色，它們經常帶來如真如幻的感覺；再遠是印度民間樂器——如錫塔，或如中國雷琴般能模仿人聲的一種拉弦樂器；最遠是吉他噪音、電風琴效果——從印度音樂貫串全曲的和聲性的嗡嗡聲發展來的、繼承了歐洲電子樂實驗成果的一種樂音。所謂遠和近，『不是指樂境上的遠和近——雖然有時候它體現了這點——而是指這些音樂語言與民謠傳統的親繞關系。
從某種意義上說，英國60年代的流行音樂家，從來就都是一些民謠的歌手，只是在世界化的大背景——比如最顯著的美國黑人布魯斯——的影響中，變得雜揉、斑駁、難以辨認。在迷幻乃至後來的藝術搖滾音樂中，東方民間音樂是第一個推動力——從，印度一阿拉伯音樂循環的、綿延的、冥想色彩的和聲結構中獲得語匯，甚至從印度教、佛教和東方哲學中獲取意念和靈感；但它很快就嫁接到英國人自己的傳統——古典音樂上去了。電子音樂和電聲樂器又使這兩個東西轉化、變型、通過新實驗迅速向未知領域擴展。最早用吉他模仿印度錫塔琴演奏的是喬治·哈里森，從1964年開始，他將這種音色帶入甲殼蟲的《我覺得挺好》、《挪威木屋》、《愛你》等一系列歌曲中；到《佩珀軍士的傷心俱樂部樂隊》，印度音樂的冥想和夢幻意境很多時候已變成電子噪音式的表現。憂郁布魯斯樂隊表現了與之近似的發展歷程，其最鼎盛時期利用國家管弦樂團、東方民間樂器的演奏；後來，樂隊自己的噪音吉他的發展，已能取代管弦音樂和印度、阿拉伯和聲的作用；樂隊成員專業音樂的出身，更使他們能自如插入長笛、弦樂重奏等樂器，而這些東西，從根源上看原本就是和民謠親近的同源音樂。像憂郁布魯斯一樣，60年代最著名的迷幻樂隊和藝術搖滾樂隊，他們都堅持了民謠式的歌唱，同時承受印度音樂的啟發，從古典音樂中汲取營養。超越凡塵、如同仙樂的早期「好極了「，和優美開闊、古雅靜穆的早期普羅科·哈羅姆的音樂，就都是用管弦化出東方意境的典型案例。另外，交通、傑斯魯·圖，都喜歡使用長笛的效果，前者用布魯斯音樂交合，後者更陷於傳統的民謠，同時加入響亮的模糊的風琴音色。E．L．P喜用電子琴模仿管弦樂，冬青愛好寬闊的人聲和聲和樂器回響。在這個民謠的深化、復雜化過程中，除了英國民歌的曲式、口吻和腔調，我們從器樂上也可以找到共同之處——持續的背景嗡鳴，或回聲般的效果。從這里出發，彷彿長途汽車的起點站，待60年代的最後一個五年過去後，這些樂隊便一個個走遠了。
80年代出現了水鬼、世界黨、肥女唱歌、傑克·弗羅斯特、桑蒂爾、水牛湯姆、迪倫們，他們都參與了一場叫「新迷幻」的運動。雖然這個名字多少屬於商業用語，但沉浮其間的樂隊多多少少都表現出紮根民謠的跡象。通過他們的音樂實踐，民謠傳統與60年代的英國迷幻連接起來。民謠在他們手中變得精緻化、個人化了，並充滿了後現代藝術的疏離、冷漠氣息。
而英國民謠，也在這種流行化的藝術中，成為反映英國民族生活的連貫的河流。當然，那些基於傳統方式的創作者們，如保羅·邁馳利斯、馬利·凱姆拜爾、戴夫·弗蘭西斯，則以一種似曾相識的清新樸素的風格打動每一個人。商業上把這些藝人概括為新世紀音樂(New Age)。作為新世紀音樂的一部分，英國，或是愛爾蘭、加拿大甚至美國的這類藝術家，都試圖保存數百年來流傳下來的歌謠，那些器樂曲似乎仍講述著伊麗莎白時期的牧民生活：寧靜鄉村，廣闊田野，庄嚴的教堂里傳出了陣陣樂聲。

❾ 英國傑出歌手有那些為什麼好聽的英文歌幾乎都是美國的英國為何如此低調

英國女子組合wonderland，扒掘山羊皮樂隊，Kanye West ，Hilary Duff ，James.Blunt,其實英國還有很多很春灶核多傑出的歌手，不是說幾乎都是美國，因為美國的媒體力量很強大，而且又是世界時尚，先進的焦點，所以才多人去關注，英國實力也不俗，在歐洲就有很大影響力，難道你不知道嗎？美國有搖滾，歐洲就有電子舞曲~~一樣的道理，各個地方都有自己的實力歌手~~只辯歲是很多人關注美國而已