1. 通過對《貓》《歌劇魅影》《雨中曲》的欣賞,簡述英國和美國音樂劇的風格區別.
估計現在回答已經過了你交作業的時間了吧。
英國West
End風格古典，注重唱腔，力求通過對聲音的處理表達感情。美國Broadway更有創造性，很多發源於英國的音樂劇到美國賦予了新的表演方式，而後又對英國的表演產生了反作用。區別還是很多的，分別找找West
End
Cast和Broadway
Cast的劇看一下就可以總結出來，還是蠻有意思的。
2. 美英法三國音樂劇在形式上的差別
音樂劇首先在美國興起、繁榮。「西方文化重視戲劇藝術，但基督教對戲劇的限制頗多。遠涉新大陸的北美清教徒也照舊如此，而這種敵視恰恰促成了音樂劇在美國的出現。因為敵視戲劇，清教徒對音樂便較寬容，音樂不僅是教堂之必需，也被他們認為是陶冶性情的需要。由於音樂受到重視，許多劇場為免遭查禁，常宣稱自己上演的不是戲劇，而是『道德對話』。 北美清教徒們繼承了基督教對戲劇的成見，卻沒有繼承歐洲的歌劇傳統。19世紀30、40年代，宗教寬容逐漸成為共識，新教戒律對人們的日常生活不再過分約束，加之美國工業與城市的繁榮，市民愈加需求各種娛樂形式以滿足自己的精神需要。」[4]如此，音樂劇，一種側重音樂的表演藝術形式，勢在必行。
目前，音樂劇在世界各地都有上演，但最代表性的地方是美國紐約的百老匯和英國的倫敦西區。音樂劇的發展歷史可分為兩個大的時期：1、傳統音樂劇時期；2、現代音樂劇時期。
（一）傳統音樂劇時期（19世紀中葉至20世紀中葉）
1、早期音樂劇。此時的音樂劇主要從宗教音樂、歐洲歌劇與黑人音樂吸收藝術元素。它積極從民間歌劇（如1728首演的民間歌劇《乞丐歌劇》The Begger』s Opera。最初民間歌劇以對白取代宣敘調，偶爾穿插舞蹈，情節為喜劇而非悲劇，音樂曲調取自流傳於街頭巷尾的歌曲，音樂與劇情關聯不緊。）喜歌劇，小歌劇（創立者——亞克斯?奧芬巴赫Jacques Offenbach,1819-1880），以及黑人音樂①（包括黑人劇、黑人靈歌與布魯斯、拉格泰姆和爵士樂）中吸納養分。筆者以為此時的音樂劇還非真正的音樂劇，而是歌劇。但這卻證實了音樂劇脫胎於歌劇的歷史事實。早期音樂劇如《乞丐歌劇》雖只是現代音樂劇的雛形，但它的大膽變化已經為後世音樂劇的登場做了積極意義上的開拓性鋪墊。
3. 法國音樂劇與英國音樂劇在音樂特點上有什 么區別 例如英國的"貓","歌...
首先糾正一點，現在一般意義上的音樂劇悲慘世界是指以1985年倫敦版本為原型的英語版本和其他語言版本。雖然1981年的法語版本是最早的雛形，但是85年的版本基本等於完全二次創作，所以悲慘世界基本可以當成英語劇范疇。
至於法語劇比較有代表性的應該是巴黎聖母院一類的戲。。。
這樣特點就比較鮮明了，法語劇一般歌舞分離，也就是說演員的分工非常明確，負責唱的只負責唱，負責跳舞的只負責跳舞，而且舞蹈多半和具體劇情沒有關系。。。。。
而英語劇則是演員身兼數職，唱跳演都要做，而且大部分舞蹈都是和劇情發展有關的。。。。。當然還有很大一部分根本不跳舞（比如說悲慘世界）
4. 美，英，法音樂劇在形式上的差異
音樂劇、戲劇和影視劇的區別： 音樂劇簡介音樂劇（Musical theater，簡稱Musicals），又稱為歌舞劇，是音樂、歌曲、舞蹈和對白結合的一種戲劇表演，劇中的幽默、諷刺、感傷、愛情、憤怒作為動人的組成部分，與劇情本身通過演員的語言，音樂和動作以及固定的演繹傳達給觀眾。音樂劇熔戲劇、音樂、歌舞等於一爐，富於幽默情趣和喜劇色彩。它的音樂通俗易懂，因此很受大眾的歡迎。 音樂劇是20世紀出現的一門新興的綜合舞台藝術，集歌、舞、劇為一體，廣泛地採用了高科技的舞美技術，不斷追求視覺效果和聽覺效果的完美結合。同時，西方的音樂劇在百年多的商業表演經驗中總結出了一套成功的市場運作手段，並且創作出一系列老少皆宜的優秀劇目，使這一藝術形式突破年齡、階層等客觀因素的局限，廣受觀眾的喜愛。一些著名的音樂劇包括：奧克拉荷馬、音樂之聲、西區故事、悲慘世界、貓以及歌劇魅影等。 音樂劇在全世界各地都有上演，但演出最頻密的地方是美國紐約市的百老匯和英國的倫敦西區。因此百老匯音樂劇這個稱謂可以指在百老匯地區上演的音樂劇，又往往可是泛指所有近似百老匯風格的音樂劇。 隨著我國經濟的健康快速發展，人民群眾對文化娛樂的需求也出現了多元變化，音樂劇這種新的藝術樣式很快以其視聽兼備、雅俗共賞的特質吸引了一批固定的並且正在不斷擴大的受眾人群。 音樂劇結構音樂劇的文本由以下幾個部份組成：音樂的部份稱為樂譜（score）、歌唱的字句稱為句詩（lyrics）、對白的字句稱為劇本（book/script）。有時音樂劇也會沿用歌劇裡面的稱謂，將歌詞和劇本統稱為曲本（libretto）。音樂劇的長度並沒有固定標准，但大多數音樂劇的長度都介乎兩小時至三小時之間。通常分為兩幕，間以中場休息。如果將歌曲的重復和背景音樂計算在內，一出完整的音樂劇通常包含二十至三十首曲。 音樂劇特點音樂劇和歌劇的區別是：音樂劇經常運用一些不同類型的流行音樂以及流行音樂的樂器編制;在音樂劇裡面可以容許出現沒有音樂伴奏的對白；而音樂劇裡面亦沒有運用歌劇的一些傳統，例如沒有了宣敘調和詠嘆調的區分，歌唱的方法也不一定是美聲唱法。但音樂劇和歌劇的區分界線仍然有不少學者爭議，例如格什溫（Gershwin）作曲的《波吉與貝絲》（台灣翻譯「乞丐與盪婦」）（Porgy and Bess）就曾同時被人稱作歌劇、民謠歌劇（Folk Opera）和音樂劇。一些音樂劇如悲慘世界是從頭到尾都有音樂伴奏，而一些輕歌劇如卡門卻有對白。音樂劇普遍比歌劇有更多舞蹈的成份，早期的音樂劇甚至是沒有劇本的歌舞表演。雖然著名的歌劇作曲家華格納（Richard Wagner）在十九世紀中期已經提出總體藝術（Gesamtkunstwerk），認為音樂和戲劇應融合為一。但在華格納的樂劇（music drama）裡面音樂依然是主導，相比之下，音樂劇里戲劇、舞蹈的成份更重要。 音樂劇與歌舞片音樂劇與歌舞片的區別是：很多音樂劇後來又被移植為歌舞片，而劇場版本和電影版本並不一定完全相同，因為劇場擅長於場面調度和較為抽象的表達形式，利用觀眾的想像去幻想故事發生的環境，而電影則擇長於實景的拍攝和鏡頭剪接的運用。《西城故事》（West Side Story）是其中一個將舞台版本成功移植為電影版本的音樂劇，在橫街小巷取景，開創了後來很多音樂電影的先河。亦有歌舞片移植為音樂劇的例子，例如《雨中曲》（Singing in the Rain）是先有歌舞片，後來才被移植成音樂劇。音樂劇擅於以音樂和舞蹈表達人物的情感、故事的發展和戲劇的沖突，有時語言無法表達的強烈情感，可以利用音樂和舞蹈表達。在戲劇表達的形式上，音樂劇是屬於表現主義的。在一首曲之中，時空可以被壓縮或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的過程之中由相識變成墮入愛河，這是一般寫實主義的戲劇中不容許的。音樂劇簡介戲劇指以語言、動作、舞蹈、音樂、木偶等形式達到敘事目的的舞台表演藝術的總稱。文學上的戲劇概念是指為戲劇表演所創作的腳本，即劇本。戲劇的表演形式多種多樣，常見的包括話劇、歌劇、舞劇、音樂劇、木偶戲等。是由演員扮演角色在舞台上當眾表演故事情節的一種綜合藝術。 戲劇舊時專指戲曲。後為話劇、歌劇、舞劇、詩劇等的總稱。現今在台灣地區也指電視劇。綜合藝術有兩種含義：狹義專指以古希臘悲劇和喜劇為開端，首先在歐洲各國發展起來繼而在世界廣泛流行的舞台演出形式 ，英文為drama，中國稱之為話劇。廣義還包括東方一些國家、民族的傳統舞台演出形式，如中國的戲曲、日本的歌舞伎、印度的古典戲劇、朝鮮的唱劇等。 戲劇形態在古代希臘 ，藝術被劃分為音樂、繪畫、雕塑 、建築與詩，戲劇被劃歸詩的范疇。但是，真正的戲劇藝術應該包容詩（文學）、音樂、繪畫、雕塑、建築以及舞蹈等多種藝術成分，因而被稱為綜合藝術。 每一種藝術都有特殊的表現手段，從而構成形象的外在形態。作為一種綜合藝術，戲劇融化了多種藝術的表現手段，它們在綜合體中直接的、外在的表現是：①文學。主要指劇本。②造型藝術。主要指布景、燈光、道具、服裝、化妝 。③音樂。主要指戲劇演出中的音響、插曲、配樂等，在戲曲、歌劇中，還包括曲調、演唱等。④舞蹈。主要指舞劇、戲曲藝術中包含的舞蹈成分，在話劇中轉化為演員的表演藝術——動作藝術。 戲劇中的多種藝術因素分別起著不同的作用，它們在綜合整體中的地位不是對等的。在戲劇綜合體中，演員的表演藝術居於中心、主導地位，它是戲劇藝術的本體。表演藝術的手段——形體動作和台詞，是戲劇藝術的基本手段。其他藝術因素，都被本體所融化。劇本是戲劇演出的基礎，直接決定了戲劇的藝術性和思想性,它作為一種文學形式，雖然可以像小說那樣供人閱讀，但它的基本價值在於可演性，不能演出的劇本，不是好的戲劇作品 。戲劇演出中的音樂成分，無論是插曲、配樂還是音響，其價值主要在於對演員塑造舞台形象的協同作用。戲劇演出中的造型藝術成分，如布景、燈光、道具、服裝、化妝，也是從不同的角度為演員塑造舞台形象起特定輔助作用的。以演員表演藝術為本體，對多種藝術成分進行吸收與融化，構成了戲劇藝術的外在形態。 西方戲劇的誕生西方戲劇的曙光，普遍認為是古希臘悲劇，而古希臘悲劇則是源於古希臘城邦的 蒂厄尼索斯（Dionysus）的崇拜儀式。在祭典中，人們扮演蒂厄尼索斯,唱「戴神頌」，跳「羊人舞」（羊是代表蒂厄尼索斯的動物）。古希臘悲劇都是詩劇，嚴謹古雅、莊重大氣。表演時有歌隊伴唱，史實表明歌隊先於演員存在。關於這個起源，也可以參考德國哲學家尼採的早期哲學著作《悲劇的誕生》。 中國戲劇的誕生中國戲曲的根源在可以追溯到先秦到漢代的巫祇儀式，但是宋代南戲的發展才有了完備的戲劇文本創作，現存最早的中國古代戲劇劇本是南宋時的《張協狀元》。元代時以大都、平陽和杭州為中心，元雜劇大放異彩。後世形成了諸多戲曲形式，也就是各劇種。明代的崑曲經過發展，首先得到士族大夫的追捧和喜愛，他們大量創造劇本，不斷修改曲譜，同時修正崑曲的戲劇理論，並使得傳奇劇本成為一種新的主流文學形式。隨後崑曲又得到晚明和清代宮廷皇室的喜愛，成為貴族生活的一部分，成為獲得官方肯定的戲劇藝術，故稱「雅」；而以各地方言為基礎的地方戲，廣受民間喜愛，則稱「花」。於是在清代形成了「花雅之爭」，實際上是戲曲共同繁榮的局面。這豐富了戲曲藝術的門類，也形成了各自的藝術特色。 近年來台灣的戲劇研究學者曾永義提出一套說法，認為在討論中國戲劇起源時，應該要區分「大戲」與「小戲」，大戲是成熟的戲曲，而小戲則是戲劇的雛型。大戲是在到了金元雜劇之後才發展完成，而之前的宋雜劇、唐代的代面、踏搖娘、缽頭、參軍戲、樊噲排君難等，都可列入小戲的行列，而中國在非常早之前，就有小戲。 中國在與近代西方有文化接觸前，沒有西方意義上的「戲劇」（主要指話劇）傳統。中國傳統的戲劇為一種有劇情的，「以歌舞演故事」的，綜合音樂、歌唱、舞蹈、武術和雜技等的綜合藝術形式，也就是戲曲曲藝。 戲劇的種類按容量大小，戲劇文學可分為多幕劇、獨幕劇和小品； 按表現形式，可分為話劇、歌劇、詩劇、舞劇、戲曲等； 按題材，可分為神話劇、歷史劇、傳奇劇、市民劇、社會劇、家庭劇、科學幻想劇等； 按戲劇沖突的性質及效果，可分為悲劇、喜劇和正劇。 不過最基本、使用最多的分類是悲劇、喜劇和正劇，其中悲劇出現的時間早於喜劇，正劇也稱為悲喜劇。 悲劇：沖突的實質：「歷史的必然要求和這個要求的實際上不可能實現」。悲劇的審美價值：「將人生的有價值的東西毀滅給人看」。 喜劇：審美價值：「將那無價值的撕破給人看」。 正劇：將悲劇和喜劇「調解成為一個新的整體的較深刻的方式」。 戲劇演出場所在中國古代，所謂的舞台最早是用在歌舞儀式上，舞者進行儀式時所站的一塊以土推成的高台，隨著戲劇發展逐漸成熟，而出現了戲棚、戲台、戲亭、勾欄等演出場所。 西方戲劇的演出從希臘的露天劇場、古羅馬的圓形劇場（即「角斗場」），發展到近世的「鏡框式舞台」，適合先鋒實驗戲劇演出的「黑匣子」（Black Box,或作黑盒、黑箱）、「小劇場」（Experimental Theater） 戲劇組織中國：中國國家話劇院、北京人民藝術劇院、上海話劇藝術中心、表演工作坊、台灣現代戲劇表演團體列表、台灣傳統戲劇表演團體列表、香港話劇團。 歐洲、北美：美國百老匯、英國皇家莎士比亞劇團、英國倫敦西區。 藝術院校：中央戲劇學院、上海戲劇學院、中國戲曲學院。 戲劇的代表人物京劇名家：梅蘭芳、評劇：新鳳霞、越劇：袁雪芬、黃梅戲：嚴鳳英、豫劇：常香玉 影視劇敘事藝術上世紀八九十年代，中國影視從美學觀念、藝術語言等領域率先邁出了走向現代化的第一步，那麼今天這一步伐，將在影視制度體系、經濟體系、科技體系等縱深領域邁進。20世紀五六十年代，美、英、法、意、日等國的電影電視教育開始在大學中得到普及，使設有相關專業的高校成為這些國家電影電視發展的人才庫和智囊團。以美國電影為例，60年代後半期至70年代崛起的「新好萊塢」代表人物，如喬治·盧卡斯、弗朗西斯·科波拉、馬丁·斯科塞斯、史帝汶·斯皮爾伯格、奧立弗·斯通等，大多畢業於著名大學的電影系科或專業。 21世紀的中國影視業，影視教育是電影電視產業發展到相當程度時的產物。作為一種觀念形態，它反映著影視產業的發展實踐，而作為一種制度形態，它又以源源不斷的人才供應，支撐乃至影視業的進步。 lt;/SPAN;lt;/p;
5. 英國和美國音樂劇的區別普西尼的創作特點
英國和美國音樂劇的區別？
西音樂劇的起源方
音樂劇是以具有吸引力的情節為支撐，以演員的戲劇性表演為根基，使音樂、舞蹈得以充分發揮其潛能，並把這些因素融合為有機統一體的藝術。英國和美國是音樂劇的全盛國度，從音樂劇發展的角度來看，倫敦西區和紐約百老匯可稱作為音樂劇的發源地。然而音樂劇在英、美兩國也有著不同的歷史背景：在美國，它較多地受爵士樂、踢踏舞、戲劇性的話劇和含歌唱的喜劇的影響；在英國，音樂劇更多的與輕歌劇、話劇，特別是莎士比亞、莫里哀、易卜生的戲劇背景相關，舞蹈方面則更接近芭蕾。但英國音樂劇自吉爾伯特（Arthur Sullivan）和蘇利溫(William Gilbert)之後，便繼續著小歌劇傳統，一直難以與百老匯的作品抗衡，直到70年代局面才開始扭轉；而在美國雖然最初上演的多是英國的舶來品，但不久以後，美國藝術家便創造出完全美國化的音樂劇作品，並使其不斷發展和完善。因此，從歷史的角度來看，是英國啟迪了美國創造出音樂劇這種融合通俗戲劇、音樂、歌舞的新型戲劇形式。在這里本文將進一步探究美國是如何把來自歐洲的各種音樂娛樂傳統融合發展成為音樂劇。
1、英國的音樂喜劇
「音樂喜劇」（Musical Comedy）這一名稱最早應用於英國，在19世紀末，社會生活節奏和公眾心理節奏逐漸加快，人們對慢條斯理的輕喜劇風格漸漸失去熱情，導致劇場票房收入慘淡，劇院老闆虧本。在英國倫敦，一位劇院經理喬治·愛德華茲（George Edwardes）於1892年10月嘗試性地在自己經營的劇院推出一部「音樂滑稽劇」《城裡》，其中充滿了插科打諢的滑稽表演和新鮮活潑的歌舞節目。該劇出台後大受青睞，大喜之餘，愛德華茲於次年又推出一部融戲劇、音樂、歌舞於一體的《快活姑娘》（A Gaiety Girl）,並且第一次使用了「音樂喜劇」 （Musical Comedy）這一稱謂。該劇富有幽默情趣和戲劇色彩，加之其通俗易懂的音樂，引起了轟動，取得了可觀的票房業績。愛德華茲的空前成功，引得倫敦不少劇院老闆的群起效法，爭相推出形形色色的音樂喜劇。從此，音樂喜劇便成為倫敦乃至整個英國最為走紅的舞台藝術，其後不久，它們便登上美國舞台。
2、美國的音樂喜劇
早在19世紀70年代，美國就有類似英國音樂喜劇這一舞台藝術形式流行於紐約社會中下層，只是當時美國稱之為「音樂鬧劇」（Musical Farce-Comedy）。使音樂鬧劇進一步發展的是愛德華·哈里剛（Edward Harrigan）和托尼·哈特（Tony Hart），他們於1879年到1884年在百老匯合力創作了一系列的音樂鬧劇，其中《衛隊之舞》（The Mulligan Guards Ball 1879）和《熱望》（Cordelia』s Aspirations 1883）在中下層社會極為流行。表演既保留了滑稽秀和雜耍秀的一些幽默形式，又在劇情方面有所發展，深入關注社會，但卻總以詼諧的形式來表現，在這里更多的是對各種人生狀況的同情而不是尖刻的批評。歌曲創作也有鮮明的美國色彩，但歌曲和情節總是很難對應，採用舊曲子填入新詞是常事。到了1896年，英國愛德華茲製作的《藝伎》（The Geisha）以「音樂喜劇」之名進入美國並引起轟動後，美國人便用這一術語來指稱疏離歐洲歌劇傳統，具有美國特色的美國歌舞劇，它也包括上面提到的音樂鬧劇。
這時期美國音樂喜劇已具備了基本的劇情，不只是片段式的歌舞與鬧劇，但其情節與人物多不夠深刻。在此類作品裡「敘事」並非歌舞的目的，只是歌舞的借口，用「男生配女生」（boy meets girl）的公式，並將美國夢、灰姑娘神話的各種元素交錯運用，在簡單的劇情中穿插各種歌舞花招，形成一種固定的類型典範。就其內容和形式而言，表面看起來似乎與愛德華茲的《快活姑娘》如出一轍，甚至連名稱也直接照抄英國人發明的「音樂喜劇」。實際上，就其內在精神而言,由於在藝術結構內包容了大量美國本土文化的基因，故而較之美國音樂喜劇更顯其熱烈火爆朝氣蓬勃，尤其是它的音樂和舞蹈，充滿了野性和活力、動感十足。這種文化精神蘊含的沖擊力和內在氣韻的震撼力正是美國音樂喜劇異於英國音樂喜劇的根本標志。
3、柯漢的美國風格
當音樂喜劇發展到喬治·M·柯漢（George M Cohan）就不再過多專注於笑鬧夢幻劇情，而有了更嚴肅的主題。他選擇了一條更戲劇化和平民化的探索路線，強調戲劇發展線索的完整性和連貫性，強調故事有頭有尾，在內容上摒棄童話的劇情，而將戲劇主人公定位於普通平民和日常生活的小人物，以更貼近一般老百姓的生活情趣。同時，他的劇作又具有強烈的愛國主義，堅持要用美國式的音樂表現美國人、美國生活和美國社會。1904年柯漢給百老匯自編自導自演《小約翰·瓊斯》（Little Johnny Jones），並憑此劇一舉成名，進而橫掃整個紐約，此後二十年間，共寫出21部劇作，近500首歌曲。柯漢的作品形式是19世紀的歌舞雜劇和真正的美國音樂劇之間連接的橋梁，是音樂劇現代化進程的重要環節。在他的作品中，去除了基於英國和德國古老模式中的優雅情調，順利地創造出符合快速運動變化的紐約生活的現代形式，柯漢的歌曲，雖然傳唱到今天的並不多，但他在當時啟迪了一代音樂劇作者，他對美國精神的藝術闡發和頌揚也感染了一代觀眾。越來越多藝術家意識到美國精神業已成熟，正迫切尋求它自身獨特的表達方式。
五、音樂劇的成形
在20世紀第一個25年中，經過一批藝術家們的努力，美國音樂劇已逐步擺脫英國音樂喜劇的影響，完成從歌舞雜劇向真正美國式音樂劇的轉變。美國音樂劇一方面接受歐洲不同風格的輕喜歌劇，甚至是在歌廳舞榭表演的歌舞雜劇的影響；另一方面也吸收了當時新興的流行音樂和拉格泰姆、布魯斯等因素。經過數十年的摸索和本土實踐，正反兩方面的經驗積累已到相當程度，無論是社會公眾、文化商人還是藝術家和音樂劇自身，都是在等待和呼喚著音樂劇大師與著作的出現。
1927年由小哈默斯坦（Oscar Hammerstein II）編劇、作詞，吉羅姆·科恩（Jerome Kern）作曲的《演藝船》(Show Boat)在紐約百老匯首演，該劇被認為是美國音樂劇史上第一座里程碑。從音樂劇的角度來說，《演藝船》是上面提到的各種音樂舞台形式的融合。《演藝船》的故事產生於充滿神秘與浪漫色彩的密西西比河，遠離百老匯觀眾的生活經驗，多少有小歌劇的味道；歌舞大王齊格飛爾德參與全劇製作也使該劇透露出富麗秀的雍容華貴；拉格泰姆和爵士樂的運用說明黑人音樂已經是傑出劇作不可缺少的成分；最後，從女主角成為明星並與男主角團圓等情節中不難發現音樂喜劇的影響。各種音樂舞台形式和各種音樂元素一起登上《演藝船》，這代表著以往的道路告一段落，並預示著新航程即將展開。
以上回顧早期音樂劇的發展歷程，這是一個身份曖昧難明的時期，來自歐洲的各種音樂傳統、娛樂雜劇和一些歌舞元素，它們相互影響、纏繞並融合生長。但大致說來這些娛樂傳統可分為兩大類：一類重劇情，一類重歌舞。重劇情的有產生於歐洲歌劇傳統和在歐美都廣泛流行的音樂喜劇。歌劇傳統給後來的音樂劇帶來了莊重典雅、浪漫主義化的成分，其內容多是表現古典神話或異域風味，而音樂喜劇則使音樂劇針對當前時事設計劇情，或針砭諷刺或插科打諢。重歌舞表演的一類音樂劇，則受包括歐美都流行的雜耍秀、綜藝秀、時事秀以及富麗秀的影響，在表演形式上不斷推陳出新。或重劇情、或重歌舞，在後來的音樂劇發展中，這兩種傾向也始終可見，當然，兩者融合也是自然而然。音樂劇自《演藝船》開始，其製作逐漸接納了將戲劇文本與音樂整合為一體的美學標准，試圖建議不斷發展音樂劇的台詞、旋律、戲劇和背景音樂水乳交融的創作技巧，它是嚴肅音樂劇的開始，它標志著「音樂戲劇」將取代插科打諢的「音樂喜劇」。因此，科恩成為第一位真正的美國音樂劇作曲家，而《演藝船》被認為是碑界式的作品，從這里開始，美國音樂劇作為藝術體裁開始走上了正軌。
http://www.musicalchina.com/bb/printpage.asp?BoardID=88&ID=802
6. 漫談音樂劇
20年代以前的音樂劇在英、美兩國有著不同的歷史背景：在美國，它較多地受爵士樂、踢跳舞、喜劇性話劇和含有歌唱的喜劇的影響，另外美國一直有像"齊格菲"一類的輕歌舞劇（故事不重要，但歌舞製作得非常華麗），還有歌舞廳的小型娛樂性歌舞（多數在高檔餐廳和賓館演出，在現在的拉斯維加斯仍能看到）；在英國，音樂劇更多地與輕歌劇、話劇，特別是莎士比亞、莫里哀易卜生的戲劇背景相關，舞蹈方面則更貼近芭蕾舞。
20年代以後，
以典型劇目的創新和突破為代表，美國和倫敦西區都有不同程度的長足進展。 它們是：《演出船》是真正把美國鄉土的劇本故事與歌曲、舞蹈組織在一起的成功劇目，並首次在腳本和表演上都突破了種族歧視。
《波吉與貝絲》是把爵士樂與靈魂音樂以及全部關於黑人生活的故事搬上了舞台，並盡力維持了歌劇傳統。
《俄克拉荷馬》使音樂、舞蹈緊密地與故事進程結合，特別是舞蹈。
《長發》爵士音樂劇的代表作。真正體現了創新和不拘一格，不論是腳本、音樂還是登台方式，都讓人充分體會到音樂劇的高度自由。
《平步青雲》在音樂、舞蹈、表演三者的協同與整合上登上了新的高峰，創作過程也發生了根本變化。
《奧立弗》是古典的故事加上優秀的歌曲及創新布景技術。
音樂劇被認為是音樂、舞蹈和表演的大綜合，《俄克拉荷馬》（Oklahoma）一劇是具有典範作用、里程碑式的劇目。此劇中，舞蹈設計德米爾創新地使用了民族式芭蕾，而不是簡單地照搬傳統的踢腿舞或踢踏舞。它通過音樂、唱歌和舞蹈三種形式的融合，從而使音樂劇成為一種近乎完美的藝術形式。而聽音樂劇也逐漸變成一種從屬性文化，這把音樂劇中的舞蹈提到一個更高的境界。
《長發》（Hair）是搖滾音樂劇的代表作。它先在外百老匯的先鋒劇場登台，劇情的發展並不緊湊，有明顯而強烈的反越戰內容。高特·麥可德莫（Galt Mcdermott）創作了極富感染力的現代音樂；歌詞與劇情發展關系不大，而是一種情緒的表達，更象是嬉皮士的吟詩。它恰恰契合了當時英國的反叛年代和美國強大的反政府運動，因而一再走紅。創造了各地巡演、大棚車演出公司及當地"土著"演出公司等商業運作的先例，為百老匯戲劇界帶來了不少的活力和經驗。使低成本音樂劇成為可能。
《平步青雲》（A Chorus Line）是一部關於百老匯音樂劇的百老匯音樂劇，它的創意源於九位音樂劇舞蹈演員與他們的舞蹈老師一起展開的一次個人情感經歷的討論。1975年5月21日在外百老匯演出成功。從概念到演出，從實驗發展為最終製作的成功，這在音樂劇史上是史無前例的。該劇把一組組序列演出拼在一起，讓演員們共同分享他們每一個人自己的故事。而導演試圖發現他們究竟是什麼人。觀演之間的距離被拉得那麼近。創下了當時百老匯歷史上連續演出時間最長的音樂劇（6137場）。該劇在1976年獲9項托尼獎；1984年的托尼特別獎；1975年獲紐約劇評獎及最佳音樂劇；1975年的普利策最佳戲劇獎；1976年戲劇界獎的五個獎項；1977年倫敦晚間標准獎的最佳音樂劇獎。
1916年，演員兼作家出身的奧斯卡·阿舍（Oscar Ashe）創作了歐洲輕歌劇模式的音樂劇《Chu Chin Chow》，該劇極具異國情調，劇情類似天方夜譚，成為英國現代音樂劇史上的突出傑作。再加上史無前例的大量廣告宣傳，該劇連演了2238場，時間比一戰還長。從宣傳攻勢來講，它創了紀錄，直到卡麥隆·麥金托什的出現。
1953年，愛情音樂劇《男朋友》（The Boy Friend）再創佳績，連演了2000多場之後轉戰百老匯。該劇以精確的傳統風格、嶄新的製作著稱。同年，倫敦西區演出時間最長的音樂劇《沙拉日》（Salad Days）公演，在百老匯卻慘遭失敗。
1960年，《奧立弗》（Oliver）上演，該劇根據英國小說《霧都孤兒》改編而成，是倫敦西區的代表作，至今仍在重演。它創造了一個嶄新的布景概念，以後的人確實接受了這一創新。
音樂劇的出台還導致對其它文化作品的討論和了解庇隆時代的熱情，舞蹈風格也就走入了音樂劇史上的第三階段，第一階段是以踢踏舞和踢腿舞風格為代表的二三十年代，第二階段是以芭蕾舞和為主的40年代，第三階段是《西區故事》所開創的更具有民族舞蹈和爵士舞蹈風格的五六十年代，他的研究產生了現實主義舞蹈語匯。
參考資料
http://culture.qianlong.com/6931/2004/03/02/[email protected]
7. 比較英法美三國音樂劇發展的差異
音樂劇首先在美國興起、繁榮。「西方文化重視戲劇藝術，但基督教對戲劇的限制頗多。遠涉新大陸的北美清教徒也照舊如此，而這種敵視恰恰促成了音樂劇在美國的出現。因為敵視戲劇，清教徒對音樂便較寬容，音樂不僅是教堂之必需，也被他們認為是陶冶性情的需要。由於音樂受到重視，許多劇場為免遭查禁，常宣稱自己上演的不是戲劇，而是『道德對話』。 北美清教徒們繼承了基督教對戲劇的成見，卻沒有繼承歐洲的歌劇傳統。19世紀30、40年代，宗教寬容逐漸成為共識，新教戒律對人們的日常生活不再過分約束，加之美國工業與城市的繁榮，市民愈加需求各種娛樂形式以滿足自己的精神需要。」[4]如此，音樂劇，一種側重音樂的表演藝術形式，勢在必行。
目前，音樂劇在世界各地都有上演，但最代表性的地方是美國紐約的百老匯和英國的倫敦西區。音樂劇的發展歷史可分為兩個大的時期：1、傳統音樂劇時期；2、現代音樂劇時期。
（一）傳統音樂劇時期（19世紀中葉至20世紀中葉）
1、早期音樂劇。此時的音樂劇主要從宗教音樂、歐洲歌劇與黑人音樂吸收藝術元素。它積極從民間歌劇（如1728首演的民間歌劇《乞丐歌劇》The Begger』s Opera。最初民間歌劇以對白取代宣敘調，偶爾穿插舞蹈，情節為喜劇而非悲劇，音樂曲調取自流傳於街頭巷尾的歌曲，音樂與劇情關聯不緊。）喜歌劇，小歌劇（創立者——亞克斯?奧芬巴赫Jacques Offenbach,1819-1880），以及黑人音樂①（包括黑人劇、黑人靈歌與布魯斯、拉格泰姆和爵士樂）中吸納養分。筆者以為此時的音樂劇還非真正的音樂劇，而是歌劇。但這卻證實了音樂劇脫胎於歌劇的歷史事實。早期音樂劇如《乞丐歌劇》雖只是現代音樂劇的雛形，但它的大膽變化已經為後世音樂劇的登場做了積極意義上的開拓性鋪墊。
這段時期的音樂劇風格與程式不明確，大致可分為側重劇情與側重歌舞這兩類。
2、古典音樂劇（19世紀10、20年代）。1927年11月15日試演於華盛頓國家劇院，由傑羅姆?科恩（「現代美國音樂劇之父」）作曲，小哈姆斯坦撰寫腳本與歌詞的《演藝船》是音樂劇史上里程碑作品。《演藝船》「不再是『那些小丑從樓梯上摔下來，或者公主假扮侍女尋找情人的俗套』，而是以嚴肅的態度觸及了音樂喜劇從未涉足的許多美國社會的重大問題，例如黑人問題，婦女地位問題等等。」[5]大蕭條時期的音樂劇（19世紀30年代），有喬治?格什溫、埃拉?格什溫兄弟發端的諷刺時事音樂劇，喬治?格什溫的「美國民間歌劇」（代表作《波吉與貝絲》）。
3、黃金時期（19世紀40、50年代）。首先提及的是理查德?羅傑斯和奧斯卡?哈姆斯坦。《俄克拉荷馬》、《天上人間》、《南太平洋》、《國王與我》、《音樂之聲》是他們的五大音樂劇作；其次科特?維爾的運用歌劇手法創作音樂劇的探索，歐文?柏林的《安妮，拿起你的槍》（Anni,Get Your Gun），科爾?波特的《吻我，凱特》（Kiss me,Kate），小歌劇的完美之作——曲作家佛雷德里克?洛依與詞作家阿倫?傑依?勒納合作的《窈窕淑女》（My Fair Lady）以及列昂納德?伯恩斯坦和傑羅姆?羅賓斯合作的、於1957年9 月26日在百老匯冬園劇場上演的現代版《羅米歐與朱麗葉》——《西區故事》。
（二）現代音樂劇時期（20世紀中葉至今）
1、流行音樂時期(20世紀50、70年代)。搖滾樂出現並融入音樂劇。搖滾樂（rock and roll），1951由艾倫?佛里德首用，源自節奏布魯斯（Rhythm and Blues）。代表人物是「貓王」艾爾維斯?普萊斯利以及甲克蟲樂隊。這個時期的音樂劇作品有傑里?赫爾曼的《你好，多麗》，傑羅姆?羅賓斯編導、傑瑞?鮑克和歇爾登?哈尼克作曲作詞的《屋頂上的提琴手》（Fiddler on the Roof）。
2、概念音樂劇時期（20世紀70年代）。概念音樂劇又稱「反音樂劇」，「它徹底打破傳統音樂劇線性敘事（Liinear narrative）的模式，全劇以一個或多個概念（主題）為核心，一些非線性（nonlinear）的、零散的甚至是破碎的故事圍繞這個概念展開；與此同時，音樂劇的導演、詞曲創作、舞檯布景、服裝道具、演員表演等各種元素也都互相融合為這些『概念』服務」。[6]概念音樂劇的開山之作是斯蒂芬?桑坦詞曲、哈羅德?普林斯導演的《夥伴們》。之後他們繼續開拓，於1971、1973年分別上演了《富麗秀》、《小夜曲》兩部音樂劇。
3、國際化、多元化時期（20世紀80、90年代）。以英國音樂劇興起為標志，其主要表現為：（1）倫敦西區成為與美國百老匯即交相輝映，又分庭抗爭的音樂劇聖地。（2）以金牌音樂劇製作人麥金托什與音樂劇大師韋伯為代表的英國音樂劇巨匠的出現。麥金托什有「當代音樂劇沙皇」之美譽。現在我們耳熟能詳的四大音樂劇：《貓》（Cats，1981）、《歌劇魅影》(The Phantom of the Opera，1986)、《悲慘世界》(Les Miseradles，1985)、《西貢小姐》(Miss Saigon，1989)。安德魯?羅依德?韋伯被譽為「現代派音樂劇大師」。代表作有：《耶穌基督巨星》（Jesus Christ Superstar）、《艾薇塔》（1978）、《貓》、《歌聲舞影》（Song and Dance，1986）、《歌劇魅影》、《愛的觀點》（Aspects of Love，1989）、《落日大道》(Sunset Boulevard，1993)《微風輕哨》（Whistle Down With The Wind，1996）。除此之外，還有鮑伯利和勛伯格的史詩派音樂劇創作。作品有《悲慘世界》(Les Miseradles)、《西貢小姐》(Miss Saigon)。以及20世紀末的後現代音樂劇（「後現代」是20世紀後半葉的思潮，表現為批判性與反對傳統和一切權威）。隨後音樂劇帶著輝煌的藝術成就走入了21世紀。三、縱觀音樂劇的歷史進程，可以得出音樂劇是生發在西方工業文明與西方人文主義文化共同作用的產物。現代工業文化給予音樂劇時尚多樣的藝術表現手段，而人文主義文化賦予音樂劇深刻廣泛的人性精神，二者合力把音樂劇一步步推向音樂藝術的顛峰。
8. 歐洲和美國音樂劇發展的歷史,脈絡和特點
在十七世紀——十八世紀的歐洲，在那些進步思想活躍的國家裡。音樂成了人們用來表達思想和感情的有力工具。義大利人找到了用聲音概括情感的方式；德國人找到了用聲音概括哲理和刻畫心理的方式；另外，在法國和英國也發展了富麗堂皇的音樂劇和英雄氣概的清唱劇。這是進步的藝術家由於受到文藝復興思想的啟發，有意識地追求一種新的表現方法——最富於戲劇力量的表現方法的結果。歌劇在藝術上的用意是把崇高的情緒貫注給觀眾，使他們變得豐富而高貴。然而這種華麗的義大利式歌劇並不能完全滿足觀眾興趣和情感，於是一種被稱之為「居於雜要和歌劇兩端當中地帶」的藝術形式得以產生。歷史上第一部「音樂劇」是約翰·凱的《乞丐的歌劇》首演於1728年倫敦，當時被稱為「民間歌劇」，它採用了當時流傳甚廣的歌曲作為穿插故事情節的主，在一定程度上諷刺了統治者和華麗的義大利式歌劇。1750年，一個巡迴演出團在美國北部首次上演了《乞丐的歌劇》，這便是美國人親身體驗音樂劇的開端。之後英國喜歌劇、潔國歌劇和維也納輕歌劇也進行了一些類型嘗試，可謂旱期音樂劇的雛形。但是直到1866年，由於音樂劇《黑魔鬼》的沖擊才使紐約的觀眾真正為音樂劇的鏈力所祈服。《黑魔鬼》也因此被公認為第一部美國的音樂劇。那壯麗的場面及一群赤膊的美麗少女給觀眾圈下了極為深刻的印象。從那時候起欣賞用歌曲進行潤飾的劇目成為最具吸引力的娛樂方式。事實上，第一次使用「音樂喜劇」這一名稱要追溯到19世紀後期，製作人喬治·愛德華在倫敦蓋伊特劇院上演的作品。1893年英國人S·瓊斯創作了一部熔戲劇、音樂、歌舞於一爐的作品《快樂的姑娘》，該劇富有幽默情趣和戲劇色彩，加之通俗易懂的音樂，引起了極大的反響，特別是喬治，愛德華把《快樂的姑娘》帶到紐約時，不但很快被約人接受了，還促進了音樂劇在美國的發展。（二）音樂劇的發展經過十九世紀中葉之後半個多世紀的多方位的探索期，音樂劇逐步求得了音樂、舞蹈。戲劇的結合，到二十世紀中期它已成為一種獨具魁力的戲劇演出形式。概括他說，它是以簡單的有獨特性的有吸引力的情節為支撐，以演員的戲劇性表演為根基，使音樂舞蹈得以充分發揮其潛能，並把這些因素融合為有機的同一體的藝術。正如《簡明不列顛網路全韋》對音樂劇的界定所示：它乃是能「激發情感而又給人娛樂」的「戲劇表演的作品」。如果說，戲劇本身是一種綜合藝術，那麼與話劇相比，音樂劇則是「綜合性」充分發揮的戲劇形式。憑其滌盪心胸的律動節奏，光怪陸離的藝術效果，令人陶醉的戲劇故事，百老匯音樂劇己成為一種與眾不同的「日用商品」，被全世界的人們認同著，喜愛看。縱然它的形式本身派生於其它門類，但是它依然成為了一枝盛開的藝術奇葩。美國人自豪地說「美國已給了全世界一種新的形式！」。美國人對音樂劇的興奮和擁護「就象當年米蘭人等待普契尼的新歌劇，或維也納人等待勃拉姆斯的新作交響曲一般」。他們不僅願意花很多錢去看音樂劇，並在早餐或聚會中熱烈地討論著他們，而且還執著地期待著羅吉斯的下一部作品。雖然音樂劇是在美國誕生成長的，但其極富時代感的藝術形式和強烈的娛樂性使它正成為世界上所有國家的觀眾都喜歡的表演藝術。到今天。在美國。歐洲各國以及亞洲的日本，韓國等，音樂劇正以巨大的生命力在文化消費市場爭奇斗妍。成為大眾文化的一顆名珠。（三）音樂劇的探索期美國的歷史雖短，但為使人類賞心悅目卻貢獻了種類繁多的娛樂。十九世紀，城市如雨後春筍在全美各地建立起來，於是應運而產生兩種以城市觀眾為對象的娛樂形式：輕歌舞劇（Vandevi11c）及其更為粗俗的姐妹劇種---滑稽表演（Burlesque）。輕歌舞劇適合每個人的口味，每周的節目單上有雜技，魔術，舞蹈、動物表演。單口相聲（monologist）唱歌和滑稽戲等等。輕歌舞劇的來源很多：合法劇院的幕間特別節目、黑人歌曲表演、賣野葯的玩意兒，英國音樂廳的表演和只供男觀眾欣賞的下流，見不得人的「音樂沙龍」。
音樂劇（Musical theater）是由喜歌劇及輕歌劇（或稱「小歌劇」）演變而成的，早期稱作「音樂喜劇」，後來簡稱為「音樂劇」，是19世紀末起源於英國的一種歌劇體裁，是由對白和歌唱相結合而演出的戲劇形式。音樂劇熔戲劇、音樂、歌舞等於一爐，富於幽默情趣和喜劇色彩。它的音樂通俗易懂，因此很受大眾的歡迎。音樂劇在全世界各地都有上演，但演出最頻密的地方是美國紐約市的百老匯和英國的倫敦西區。因此百老匯音樂劇這個稱謂可以指在百老匯地區上演的音樂劇，又往往可是泛指所有近似百老匯風格的音樂劇。 音樂劇起源可以追溯到十九世紀的輕歌劇(Operetta)、喜劇(Comedy)和黑人劇(Minstrel Shows)。初期的音樂劇並沒有固定劇本，甚至包含了雜技、馬戲等等元素。自從1927年演藝船(畫舫璇宮)開始著重文本之後，音樂劇開始踏入它的黃金歲月。這時期的音樂劇多宣揚樂觀思想，並經常以大團圓的喜劇結局。直至1960年代搖滾樂和電視普及之前，音樂劇一直是最受美國人歡迎的娛樂和演藝形式。1980年代以後，英國 倫敦西區(West End)的音樂劇演出蓬勃，已經追上百老匯的盛況。而隨著英國和美國的音樂劇經常在世界各地巡迴演出，音樂劇也開始在日本、中國、台灣、香港、新加坡等亞洲地區流行。 1893年曾經活躍一時的英國人瓊斯完成了一部後來載入史冊的音樂劇《快樂的少女》，在倫敦王子劇院首演時激起觀眾狂熱反響。劇情故事生動連貫，舞蹈演員即是劇中人物，採用相關的舞蹈動作和話劇式的丑角說白，清晰敘述了這些演員如何千方百計躋身於貴族社會的故事。劇情、音樂、舞蹈、喜劇表演等諸多因素自然組合，令人耳目為之一新。這種初顯形態的音樂戲劇，吸取了18世紀民謠歌劇和19世紀喜歌劇、輕歌劇的表現成分，融人古典舞、民間舞、話劇表演等多種因素，成為獨具風採的新型舞台藝術門類。 第一次世界大戰後，音樂劇後來傳播到美國，並在美國得到高度冶煉和發展。美國紐約的百老匯，視其為音樂劇中心，甚至將音樂劇統稱為百老匯音樂劇。美國音樂劇的內容，偏重於談情說愛及幽默風趣，音樂輕松愉快，演出方式往往比較富麗堂皇，但仍不失其主要風格。其典型代表人物科恩人稱「百老匯音樂劇之父」。 20世紀同樣引人注目的還有格什溫的《開始奏樂》(1927年)、《瘋狂的女郎》(1930年)、《我為你歌唱》(1931年)以及1935年創作的黑人民間音樂劇《波吉與貝絲》，其中的《我為你歌唱》因為劇中諷刺了美國總統選舉中的弊病，受到觀眾的熱烈歡迎，並成為第一部獲得「普利策獎」的音樂劇。 自20世紀20年代起，百老匯名家輩出，經典佳作頻頻登台，商業操作生意興隆，持續鑄造數十年的輝煌。百老匯音樂劇發展史上，除科恩、格什溫兄弟等風雲人物外，在40、50年代有過密切合作的作曲家羅傑斯和劇作家哈默斯坦也為音樂劇事業做出過巨大貢獻。他倆合作的《俄克拉荷馬》於1943年3月在紐約聖詹姆斯劇院首演，獲得空前成功。這是一部反映農村青年愛情生活的故事。其中女主人公勞芮做夢的場景，描寫夢幻中與戀人克萊的綿綿情語——僱工加德與克萊斗毆，勞芮相阻——勞芮在加德追逐下奔跑、掙扎……最後從夢中驚醒。德蜜爾在這里巧妙運用雙人舞、三人舞，與劇情和諧巧妙的結合，舞姿舞步做了民俗化、美國化的改革，以區別古典概念的芭蕾舞。《俄克拉荷馬》是一部里程碑式的作品，成功實踐了多種要素的完美綜合。此後，羅傑斯和哈默斯坦又合作完成了《旋轉木馬》、《南太平洋》、《國王與我》。還有一部中國觀眾十分熟悉的音樂劇。這就是《音樂之聲》。這部音樂劇後來被搬上了銀幕，作品中的許多歌曲，可謂膾炙人口，流傳甚廣。 美國百老匯音樂劇的形成具有多元化的音樂內容,它從18世紀30年代出現的民謠歌劇開始,又不斷匯融了歐洲其它歌舞的表演特徵,加之黑人早期的黑面人游藝表演藝術,到19世紀末為音樂劇演藝藝術的成型奠定了基礎.在整個20世紀,美國音樂劇發展的千姿百態,大眾化的娛樂性和商業化的盈利性是百老匯音樂劇的具體表現.
9. 如何欣賞音樂劇（２）
市場化（商業運營）
歐美音樂劇文化產業是成熟的產業。在美國的音樂劇界有很成熟音樂劇專業機構，每個相關協會、公會、聯盟都有特殊的職能和功用。另外還有健全的演出經營管理機制。如果沒有一個健全的音樂劇演出經營管理機制，音樂劇市場營銷的諸多措施都是無法實施的。這其中有公會演員施行聘用制，演員中有明星制，創作者們遵循版稅制等。
在百老匯一般都不是以固定劇團體制來進行其創作和演出，而是活動劇組。演出人、製作人或者導演，只要有兩個條件就可以成立音樂劇創作和演出劇組。其一是自信心；其二是有資金。這自信心是建立在獨到創意基礎上的。認定自己所選擇的題材和藝術構思可以有觀眾，便可以聚攏各方面的人才。當劇本、音樂和舞蹈創作完畢，就可以和劇場簽訂租用合同了，這時，也到了在演員公會里招募演員的時候了。這種藝術生產的方式已經存在了許多年，成為藝術市場的基本運作模式，也是促進藝術繁榮的最根本動力。在這個市場中，不僅提供給眾多的演員、樂手、舞台美術人員和演出經紀人工作的機會，也賺取了巨額的利潤。所有工作人員，無論歌舞演員、樂隊成員或是舞美設計都必須一絲不苟的工作，因為在聘任制度下，任何一個參與工作的人員都隨時面臨著被解僱的危險。聘任制雖有些無情，但也確保了演出質量的藝術水準。
版稅制是指著作者權益的分配製度，這個制度對於繁榮文化創作，提高編導的精品意識是有積極意義的。在百老匯音樂劇的發展歷史上，由於對作曲家音樂版權的尊重使音樂劇得到了根本性的發展。
1924年美國作曲家、劇作家和發行人協會在長期爭取作曲家權利的斗爭中贏得了勝利，那些未經作者許可的音樂隨便使用的不尊重作者的做法已經從此成為歷史。音樂劇也取得了前所未有的發展勢頭。
在百老匯「版稅制」和「利潤分成制」都已經很成熟了。如果一首歌曲能幸運地在一部成功的音樂劇中被唱紅，如果這部音樂劇同樣具有票房號召力，那將意味著巨額財富的到來。這樣從現場表演的票房、唱片、單曲、電影版權、巡迴演出、家庭錄象製品、活頁樂譜、業余演出的版權等各種收入便會源源不斷地揣進歌曲創作者和出版者的腰包。尤其是那些多年來仍經久不衰的劇目，如《貓》、《合唱班》、《西區故事》、《歌劇院的幽靈》等似乎都已經成為了「賺錢的機器」。
好萊塢的明星制與百老匯的明星制都是娛樂業發展到一定階段的產物。所謂明星制就是以明星為中心，劇本創作、詞曲創作、服裝設計、營銷推廣、傳播宣傳等都圍繞著明星進行，讓明星成為大眾關注的焦點，運用明星的影響力吸引更多的消費者，以獲取更大的商業利潤。美國戲劇界盛傳這樣一句話「在百老匯，如果你能拿到任何一個角色，你就已經成為中產階級了。」全世界的音樂劇演員，最大的夢想就是在百老匯演出第一主角，也就是最後一個出來謝幕的人。不過耀眼的明星實質上是由製作人或製作企業進行操縱的，在明星們口袋飽飽的時候，更多的金錢流入了製作人或製作企業的錢袋。
操縱市場營銷的音樂劇製作人的重要地位早已無可置疑，甚至可以說，現在是製作人的天下。許多音樂劇炒作的錦囊妙計都是出自他們之手。製作人充分考慮到市場的因素，結合當時人們的消費心理，來引導音樂劇的潮流走向。
不同的年代，都會出現出色的製作人。製作是由製作人籌集、組建劇組進行演出，編劇、作曲、作詞都不一定具體參與製作，而往往是由版權代理公司將製作權以某種形式賣給製作人。製作人本身或許並不是作曲家、編舞家、劇作家或是明星演員，然而他們卻能靠自己敏銳的市場觸角來協調所有創作者和表演者、甚至觀眾。
目前音樂劇發達國家的傑出製作人都是多家劇院的擁有者。演出經營管理運作機制的健全體現在走「劇場策劃」的路，使劇院除了傳統的職能外，還是一個可以融資的實體，一個各種專業人才聚集的實體。也可以說，定點劇場是成功音樂劇的經驗之一。
看「熱鬧」與看「門道」
「熱鬧」當然可以看，觀眾在欣賞音樂劇的時候，真是沒有必要帶上很沉重的理性包袱，只需用來自生活、五光十色的感性經驗來參與即可。看音樂劇實際上是尋求一種體驗，不用刻意去想挖掘隱藏在後面的東西。看戲本身也成為游戲。在這里，藝術與生活的界限消失，距離消失。看戲強調視覺與聽覺的享受，強調參與。雅與俗的對立觀念在此也發生了轉變。它不是單純的雅，也不是單純的俗，而是雅俗共賞的。在俗的基礎上追求雅的品位，在雅的目標下去尋找俗的輕松。在看「熱鬧」的娛樂中，也許你會情不自禁地被藝術感染。
如果你對這種隨遇而安的欣賞方法不滿足，你可以盡可能地先找到一些關於這部劇目的劇情及有關介紹和評論，對某位明星的表演、某首歌曲的旋律、某些著名段落做一下預習，這樣當你在現場觀看的時候，便會有與眾不同的欣賞體會。你還可以有你自己的審美標准，而不是跟著評論家們的意見跑。如果你欣賞的是英文音樂劇，懂得英文就是最優越的條件了。因為無論譯文怎麼好，地方語言仍是無法真正表達出來。
對一部優秀的音樂劇作品，應該爭取多看幾遍。一部經得起時間考驗的作品能夠使你百看不厭，常看常新，每遍都有一些新的感受和理解。一般來說，在欣賞一部具體的音樂劇時，可以觀察它的三個方面：一、對生活的揭示性；二、藝術獨創性；三、娛樂價值。
其實，在實際欣賞的時候，不同的觀眾會從不同的角度欣賞，也會看出不同的「門道」來。而且欣賞的方法也會隨著欣賞的對象而發生變化。由於音樂劇的類型是多樣的，所以觀眾的群體也是多樣的。
最傳統的輕歌舞劇型的音樂劇主要能吸引對流行歌舞、流行時尚比較感興趣的年輕群體；嚴肅性正劇型的音樂劇主要能吸引不滿足於輕歌曼舞，不滿足落於俗套的愛情故事的觀眾群體；摧人淚下的悲劇型的音樂劇通常帶給觀眾的是極強的心靈震動和沖擊；探索性音樂劇最能適合對現代風格追求的觀眾，這類音樂劇有極強的個人風格。
不過縱然音樂劇類型的多樣，每一種音樂劇類型又有相似之處，好的音樂劇都有盪氣回腸的歌唱，只不過有的是流行歌曲，有的卻是歌劇風格；好的音樂劇也有令人忍俊不禁的幽默，只不過有的是喜劇中的笑料，有的則是悲劇氣氛的調味品；好的音樂劇都有充分的娛樂性，只不過每一部戲的娛樂點不同。
只要你是「需要娛樂的都市人」，你就去看音樂劇吧！無論你屬於音樂型、戲劇型、舞蹈型、還是娛樂、休閑型……
說了這么多，到底對不對？還是你實踐一下吧！但願讀者朋友們在欣賞音樂劇當中不斷有收獲，而不止是停留在上述的認識水平上。