17世紀義大利舞女主要做什麼

㈠ 17世紀初義大利學院派藝術的特色是什麼

學院派藝術：歐洲的學院派藝術首先在義大利形成。17世紀卡拉奇兄弟創造了自己的風格和歐洲第一所美術院校，在學院中，崇尚希臘羅馬。稱學院中的古典主義或學院派藝術。

㈡ 17世紀義大利的3個藝術流派 及其特點和影響

三個流派：學院派藝術、巴洛克藝術、現實主義藝術。
學院派藝術：產生最早的美術學院—波倫亞學院，其創始人為卡拉奇兄弟
巴洛克藝術：其特點為它是為當時封建宮廷、貴族和教會服務的藝術；在藝術風格上，與文藝復興時期的嚴肅、含蓄、和諧相反，具有生動、豪華、氣勢雄偉、注意光和光的效果等特點，代表人物是貝尼尼。
現實主義藝術：其特點為注重寫實，熱愛自然，渴望即刻可及的現實。對魯本斯、委拉斯貴支、倫勃朗等都產生過影響。

㈢ 外國美術史的主要畫派分別是什麼

19世紀以來在西方流行的主要美術流派：新古典主義美術、浪漫主義與現實主義美術、印象畫派、現代主義美術五大流派。

(3)17世紀義大利舞女主要做什麼擴展閱讀：

義大利的達"芬奇、米開朗基羅和拉斐爾是文藝復興美術的三位代表。達"芬奇既是藝術家又是科學家，其傑作《最後的晚餐》、《蒙娜麗莎》等皆被譽為世界名畫之首。米開朗基羅則在雕刻、繪畫和建築各方面都留下了最能代表鼎盛期文藝復興藝術水平的典範之作。

他塑造的人物形象，雄偉健壯，氣魄渾宏。拉斐爾則以其塑造的秀美典雅的聖母形象最為成功。他的聖母像寓崇高於平凡，被譽為美和善的化身，最充分地體現了人文主義的理想。

㈣ 舞女是干做什麼事

舞女指舊中國大城市的舞廳中，由於女性較少出現在這種場合，為了滿足男性跳舞需求，就出現了以伴舞為職業的女性。

㈤ 藝妓主要做什麼

日本藝妓產生於17世紀的東京和大阪。最初的藝妓全部是男性。18世紀中葉,藝妓職業漸漸被女性取代,這一傳統也一直沿襲至今。 藝妓並非妓女。她們的交易是滿足男人們的夢想——享樂、浪漫和佔有欲。通常與她們交易的,都是上層社會有錢有勢的男人。 今天,仍有少數女性抱著浪漫的幻想以及對傳統藝術的熱愛加入藝妓行業。但在二戰以前,絕大部分藝妓是為了生計,被迫從事這一職業的。在藝妓業從藝的女妓大多美艷柔情,服飾華麗,知書識禮,尤擅歌舞琴瑟,主業是陪客飲酒作樂。 藝妓業是表演藝術,不是賣弄色情,更不賣身。行業規定,藝妓在從業期內不得結婚,否則,必須先引退,以保持藝妓「純潔」的形象。 日本歷史上的藝妓業曾相當發達,京都作為集中地區曾經藝館林立,從藝人員多達幾萬人。不過,藝妓業在二次大戰後大為蕭條了,只是在經濟恢復後一段時間內,隨著公司公關業的升溫,旅遊業的興旺,藝妓又興盛了一時。據估計,目前京都的藝妓只不過200人左右，一些藝館轉作他用,藝妓業的衰退已成不爭事實。 藝妓雖衰猶存,雖也努力進行改革，但風光不再,消亡也只是時間問題。因為在現代青年男女看來,藝妓已過時了。值得注意的是,尚操此業的藝妓卻不失信心。她們甚至周遊各地,藉以提高身價。有的人更明確地說：藝妓是京都的象徵,傳統的古老文化必須加以保護。近年來,對於藝妓的衰與興、保與棄還存在針鋒相對的斗爭。

㈥ 17世紀義大利背景

十七世紀的義大利仍然是歐洲文化藝術的中心。

開始於十五世紀的偉大的文藝復興運動，喚醒了在中世紀中沉睡了數百年的歐洲。國王和教皇們的昏庸、跋扈與腐朽動搖了他們自身的統治地位。為了維護其神權的不可憾，他們傾其所有，禮聘藝術大師用雕刻、繪畫、建造裝飾教堂時極盡豪華，以展示宗教的肅穆、崇高與威嚴。

而歐洲各國的君主（如法蘭西、西班牙）為了表明專制集權的"君權神授"也緊步其後塵。此時，處於上升時期的資產階級在社會生活中的咄咄逼人之勢顯露了強大的生命力。同時，它的奢靡與腐朽也使這些統治者們的藝術趣味完全享樂主義化了，這是巴洛克風格形成的深層次的社會原因。

㈦ 舞女為什麼被人看不起，什麼是舞女，都做什麼呢

因為很多人都覺得舞女是賣肉的.我也這么覺得咯..穿一兩件衣服 扭扭屁股 很騷的....

㈧ 義大利文藝復興時期日常生活中有啥禮儀或風俗

義大利人性格豪放，感情豐富，待人熱情，彬彬有禮。義大利人的姓名多由兩節組成，前一節為名，後一節為姓，如安東尼奧·布朗卡喬，「安東尼奧」為名，「布朗卡喬」為姓。在文函、信件、請柬里要書寫姓名全稱；在社交場合，一般在姓的前面冠以先生、女士、小姐；相互關系親密的朋友見面，可以直呼對方的名。義大利人見到外來客人，總是熱情打招呼，握手致意，寒暄問候，有時也行舉手禮。親朋好友相見，除握手外，還要擁抱並相互貼對方的面頰。異性之間可以握手問好，也可以男性吻女性的手背。義大利人喜歡以頭銜相稱，並同名字或先生、女士、小姐連稱。

義大利人十分注重公共場合的文明禮貌。觀看足球比賽，遇上精採的場面，義大利人可能欣喜若狂，盡情發泄內心的感情，但在歌劇院，影劇院則鴉雀無聲、任何 鄖運接 都會招來周圍一片斥責的「噓、噓」聲。如果向義大利人問路，即使是陌生人，對方也會熱情指點，耐心解答，有時甚至會開車將問路人送到目的地。義大利的警察在公眾的心目中有著良好的形象，他們講究職業道德，態度熱情，服務周到，遇有外國客人和上了年紀者橫過馬路，他們都要主動護送，人們有什麼事情都愛找警察幫助。

義大利人在談話時，喜愛用手勢和表情加強語氣或代替語言，初到義大利的人，由於語言不通，有時要用手比劃，用表情或動作來表達自己想要說明的意思，但要弄明白，你的動作在當地是否含有你要表達的意思。在日常生活中，義大利人的手勢主要有這樣幾種：用拇指和食指圍成圓圈， 其餘指頭向上豎立，表示一切順利，事事如意；用食指按在腮幫上轉兩下，是贊美某位女
性的漂亮；伸出食指，來回擺動，說明「不能這樣辦」、「我不贊成這樣做」；伸出兩手，手掌向上，聳聳肩膀，表示「我不知道這件事」；五指並攏，手心向下，對著腹部來回轉動，表明「我餓極啦，想吃點東西」；用食指放在臉頰上來回轉動，表明「我真愛吃這種食物，味道好 了」；五指並攏，用食指敲擊自己的額頭表明「你真是一個傻?」、「你簡直笨得可以」。

㈨ 一種起源於義大利的舞蹈劇。女演員舞蹈時常用腳趾尖點地。

芭蕾舞……

【芭蕾舞傳統和形成】
「芭蕾」起源於義大利，興盛於法國，「芭蕾」一詞本是法語"ballet"的音譯，意為「跳」或「跳舞」。芭蕾最初是歐洲的一種群眾自娛或廣場表演的舞蹈，在發展進程中形成了嚴格的規范和結構形式、其主要特徵是女演員要穿上特製的足尖鞋立起腳尖起舞。作為一門綜合性的舞台藝術，芭蕾17世紀在法國宮廷形成。1661年，法國國王路易十四下令在巴黎創辦了世界第一所皇家舞蹈學校，確立了芭蕾的五個基本腳位和七個手位，使芭蕾有了一套完整的動作和體系。這五個基本腳位一直沿用至今。
芭蕾舞是用音樂、舞蹈和啞劇手法來表演戲劇情節。女演員舞蹈時常用腳趾尖點地。意指：①一種舞台舞蹈形式,即歐洲古典舞蹈,通稱芭蕾舞。這是在歐洲各地民間舞蹈的基礎上,經過幾個世紀不斷加工、豐富、發展而形成的,具有嚴格規范和結構形式的歐洲傳統舞蹈藝術。19世紀以後,技術上的一個重要特徵是女演員要穿特製的腳尖舞鞋用腳趾尖端跳舞,所以也有人稱之為腳尖舞。②舞劇,最初專指以歐洲古典舞蹈為主要表現手段,綜合音樂、啞劇、舞台美術、文學於一體,用以表現一個故事或一段情節的戲劇藝術,稱古典芭蕾(或古典舞劇)。20世紀出現了現代舞以後,以現代舞結合古典舞蹈技術為主要表現手段來表現故事內容或情節的稱現代芭蕾。逐漸地,芭蕾一詞也用來泛指用其他各種舞蹈為主要表現手段的舞劇作品,盡管在舞蹈風格、結構特徵、表現手法等方面均不同於古典芭蕾或現代芭蕾。③在現代編導創作的舞蹈作品中,有相當一部分沒有故事內容,也沒有情節,編導運用歐洲古典舞蹈或現代舞蹈,或使兩者相結合,用以表現某種情緒、意境,或表現作者對某個音樂作品的理解等等,這些也稱為芭蕾。
ballet一詞,源於古拉丁語ballo。最初,這個詞只表示跳舞,或當眾表演舞蹈,並不具有劇場演出的含義。芭蕾作為一門舞台藝術,孕育於文藝復興時期義大利盛大的宴飲娛樂活動,17世紀形成於法國宮廷,這種宮廷芭蕾實際上是在一個統一的主題下,具有鬆散結構的舞蹈、歌唱、音樂、朗誦和戲劇的綜合表演,由專業的舞蹈教師設計,國王和貴族擔任演員,女角也由男子扮演,表演場地在皇宮大廳中央,觀眾則圍繞在大廳周圍觀看;演員戴皮製面具標志不同角色,故又稱假面芭蕾。
1661年,路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈學院。17世紀70年代芭蕾演出開始使用黎塞留主教宮廷劇場。演出場地和觀眾觀看角度的改變,引起了舞蹈技術和審美觀點的變化,演員站立的姿勢越來越外開,由此正式確定了腳的5個基本位置,這5個外開的位置成為發展芭蕾舞技術的基礎。專業芭蕾演員應運而生,並逐步取代了貴族業余演員,職業女芭蕾演員也開始登台演出,舞蹈技術得以較迅速地發展。芭蕾演出從基本上是一種自娛性的社交活動逐步轉變為劇場表演藝術。這個時期的芭蕾是從屬於歌劇的,宮廷作曲家J.B.呂利在歌劇中加入芭蕾場面,實際上是一連串舞蹈表演,劇情反而顯得無關緊要,這時稱為歌唱芭蕾或芭蕾歌劇。這種狀況一直持續到18世紀中葉。18世紀的芭蕾大師J.G.諾韋爾是芭蕾史上最有影響的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈與舞劇書信集》中首次提出了"情節芭蕾"的主張,強調舞蹈不只是形體的技巧,而屬於戲劇表現和思想交流的工具。諾韋爾的理論推動了芭蕾的革新浪潮,在他和其他許多演員、編導的持續努力下,芭蕾從內容、題材、音樂、舞蹈技術、服飾等方面都進行了一系列改革,這些改革使芭蕾終於能夠與歌劇分離,形成一門獨立的劇場藝術。
在芭蕾發展史上,主要有兩種美學觀點一直在起作用。一種觀點認為,芭蕾是"純粹的舞蹈",16世紀的義大利舞蹈教師、《王後的喜劇芭蕾》的編導B.de博若耶認為芭蕾是"幾個人在一起跳舞的幾何圖案組合"。這種觀點完全著眼於芭蕾的形式美,幾乎完全不考慮芭蕾的內容或情節,往往導致單純追求技巧的高超、華麗。18世紀中葉以前,這種觀點在芭蕾創作中居統治地位。另一種觀點強調芭蕾是"戲劇性舞蹈",諾韋爾的"情節芭蕾"理論最集中地代表這種觀點。他認為在一部芭蕾作品中,舞蹈要表現戲劇性內容,"情節和舞蹈設計要保持統一,有合乎邏輯的、明白易懂的故事作中心主題,和情節無關的獨舞及舞蹈片段都得取消",舞劇中"不僅是舞蹈技術光輝奪目,更須通過戲劇性表現,從情緒方面感動觀眾"。上述兩種主要觀點至今仍在起作用,不少編導致力於創作戲劇性的或有情節的芭蕾作品,也有的編導熱衷於無情節芭蕾,注重形式美,兩類作品中的優秀劇目都是觀眾所欣賞的,並作為保留劇目經常上演。20世紀以來,各種文藝思潮對芭蕾創作的影響越來越明顯,出現了許多不同風格的作品。
創作一部芭蕾作品,編導是關鍵人物,他根據文學劇本(或一個故事、一首詩、一部音樂作品)構思出舞劇結構或舞蹈結構,再由演員來體現。編導和演員都必須掌握芭蕾語言(或芭蕾語匯)--芭蕾技術技巧,以及運用芭蕾語言表現特定內容或情緒的能力,編導應該深諳它們長於表現什麼,不能表現什麼;而演員則應該訓練有素,能適應並創造性地體現編導的構思,只有具備這些基本條件,芭蕾創作才能進行和完成。芭蕾結構形式有:獨舞、雙人舞、三人舞、四人舞、群舞等,編導運用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民間舞蹈)、現代舞等,按上述形式可以編出多幕芭蕾(分場或不分場,如《天鵝湖》)、獨幕芭蕾(如《仙女們》)、芭蕾小品(如《天鵝之死》)等。芭蕾的這種結構形式在19世紀後期發展到高度規范化和程式化,以致影響和限制了芭蕾的發展。在20世紀編導創作的大量芭蕾作品 中,這些規范和程式已被大大突破,不斷出現新的探索和創造。