義大利樂派有哪些人

1. 請說出維也納古典樂派的三位代表人物

海頓、莫扎特、貝多芬三位音樂大師
在音樂歷史上，由具有相同藝術理想和藝術風格的作曲家所組成的群體就可以稱之為「樂派」。18世紀下半葉海頓(1732—1809)、莫扎特、貝多芬三位音樂大師，先後以維也納為生活、創作的中心而形成了一個群體，這個群體就是人們常說的「維也納古典樂派」。這三位作曲家既存在共同的藝術理想和藝術風格，同時又保持著傳承關系。當時的維也納，貴族階層的音樂生活頗為活躍。每個宮廷都有自己的劇院、樂隊，並經常舉辦舞會、音樂會。一些貴族還熱衷於玩弄樂器或作曲，並以當藝術家的「保護者」為時髦。另一方面，維也納普通市民的音樂生活也十分活躍。有少量公開賣票的音樂會，城郊歌劇院還經常上演民間歌劇，晚間在街間巷尾也能聽到飄縈著的舞曲、小夜曲。此外，多民族的雜居，促使了歐洲各國的音樂滲入維也納。因此，維也納是當時一個歐洲的音樂中心。海頓、莫扎特、貝多芬三位大師進入維也納之後，維也納這個音樂中心就更為名符其實了。莫扎特在這里開始了獨立的「自由藝術家」的生涯；海頓在這里享受到「自由的甜蜜」，晚年煥發青春；貝多芬也選擇了這里，度過他的曲折、奮斗的一生。他們的音樂實踐對歐洲音樂史產生了久遠的影響。這就是著名的「維也納古典樂派」。

初期古典樂派與維也納古典樂派
文藝復興後在義大利興起的主調形式的新音樂，以貴族社會為背景，在德意志和奧地利各地繁榮昌盛起來。

其初期有三個主要樂派：以音樂大師巴赫的次子卡·菲·埃·巴赫為中心的柏林樂派；以約翰·施塔密茨（Johann Stamitz，1717-1757年）為中心的曼海姆樂派；以瓦根扎爾和蒙恩為中心的早期維也納樂派。

歌劇雖然是古典派音樂中的重要部分，但從整體來看，古典派音樂的特色在於器樂方面，特別體現在奏鳴曲和交響曲形式的音樂上。曼海姆樂派的室內樂和交響樂不僅影響了維也納樂派，而且對波恩時代的少年貝多芬也產生了直接的影響。

奏鳴曲是古典派音樂中極富代表性的形式，它的呈示部中有第一、第二主題的對比，中間出現發展部，然後是兩個主題反復的再現部。曼海姆樂派當時已經具有了相當完整的奏鳴曲形式，他們還在交響樂中加入小步舞曲樂章。這個樂派的交響樂配器中，木管樂器也採用了雙管編制。莫扎特在自己的交響樂中加用單簧管，也是受了曼海姆樂派的影響。

維也納古典樂派以「交響樂之父」海頓、「音樂天才」莫扎特和「樂聖」貝多芬為代表的維也納古典樂派，在音樂史上豎立了一座不朽的豐碑。這一樂派的主要特徵是反映人類普遍的思想要求，他們追求美的觀念、強調風格的高雅，給予人們樂觀向上的進取精神。

2. 西方音樂的五個樂派 各樂派的代表人物和代表作都有哪些我要全面的。比如：巴洛克時期有巴赫、亨德爾

一、文藝復興時期的音樂主要有各個部分都寫成了復調形式的彌撒曲。經文歌（主要是宗教內容的）。器樂舞曲。復調器樂曲，如利切卡爾。世俗歌曲如牧歌、尚松等。代表音樂家有：奧蘭多.迪.拉索，16世紀最重要作曲家之一，作有大量的宗教和世俗音樂作品。音樂風格靈活生動、精緻而又多樣化，精心處理音樂與歌詞的內容和語調關系。
二、巴洛克時期（大致是從1600年至1750年），最早的著名作曲家應該是義大利人蒙特威爾第，他出生於1567年，被譽為「文藝復興時期向巴洛克時期過渡中顯赫的人物」、「歌劇改革之父」以及「十七世紀最出色的作曲家」。
三、古典主義時期是西方音樂史的第五個分期，是從1750—1820年，包括前古典主義和維也納古典主義樂派。代表人物有莫扎特，作品有《安魂曲》、《費加羅的婚禮》 、《唐璜》和《魔笛》等。
四、浪漫主義樂派是繼維也納古典樂派後出現的一個新的流派，它產生在十九世紀初。這個時期藝術家的創作上則表現為對主觀感情的崇尚，對自然的熱愛和對未來的幻想。藝術表現形式也較以前有了新的變化，出現了浪漫主義思潮與風格的形成與發展。代表人物有被人們稱之為「圓舞曲之父」的老約翰·施特勞斯。

3. 世界上被譽為「小提琴之王」的是義大利的什麼人

尼科羅·帕格尼尼。

帕格尼尼是義大利小提琴家、吉他演奏家、作曲家，他對小提琴演奏技術進行了很多創新，將小提琴演奏技術發展到了驚人的高度，被稱為「小提琴之王」。

帕格尼尼8歲時便創作了他的第一首小提琴奏鳴曲，並能演奏小提琴家、作曲家布雷爾的協奏曲。他9歲加入市立歌劇院的管弦樂團，11歲就登台演奏自己創作的《變奏曲》。

12歲時他把《卡馬尼奧拉》改編成變奏曲並登台演奏，一舉成功，轟動了輿論界帕格尼尼開拓了近代小提琴的演奏技巧，成為名震歐洲的最著名小提琴家。

他的演奏技巧高超，表情豐富，情緒激奮，如痴如醉，引人入迷。他的作品和演奏技巧幾乎懾服了歐洲所有的藝術家，如文學大師司湯達、巴爾扎克、梅涅、大仲馬，音樂大師肖邦、舒曼、李斯特等，聽過他的演奏無不為之激動不已。

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在音樂史上，帕格尼尼被譽為19世紀「小提琴之王」和浪漫主義音樂的創始人。他革新了小提琴的演奏技巧，擴大了它的表現力。

他的樂曲和演奏對李斯特、舒曼、勃拉姆斯、柏遼茲、拉赫瑪尼洛夫等人的創作和演技都有過深刻的啟發和影響。

因此，作為一個例外，帕格尼尼打破了一條歷來為音樂界所公認的法則：不朽的偉大隻有作曲家才能獲得。恰恰相反，帕格尼尼贏得永久的稱頌，主要不是由於他創作了許多首名揚樂壇的小提琴曲，而是由於他的演奏。

4. 巴洛克時期義大利有哪幾個歌劇樂派，各派的代表人物是誰

巴洛克是一個建築學名詞，16世紀後由藝術專有，而後代表了一個時期，巴洛克的這個時期歌劇剛剛產生，所以按國家來分風格的，其中歌劇在英國以傳奇劇為主，在法國以大歌劇為主，呂里成為這一時期的代表，其中我們有一個，公認的歌劇之父：蒙特威爾第，德國以正歌劇為主，亨德爾使這一時期的代表，到巴赫時期，真正意義上的歌劇才初步的形成。

5. 巴洛克時期義大利有哪幾個歌劇樂派 代表人物分別是|

音樂的巴洛克時期通常認為大致是從1600年至1750年，即從蒙特威爾地開始，到巴赫和亨德爾為止。1750年，對位法大師約翰·塞巴斯蒂安·巴赫的與世長辭，標志著巴洛克巔峰的對位法音樂的終結，也標志著巴洛克時代的終結。之所以稱這一時期為巴洛克，是由於一時期音樂表達的技術及方式基本上有它一定程度的共同點，所以用此名詞來標志，並無特殊的意義。巴洛克（Baroque）一詞來自法語，追本溯源是葡萄牙語barroco，意謂形態不圓的珍珠。是巴洛克末期評論家們在評論此一時期的音樂時所首先使用的，而且一般含有貶意，指粗陋曲、奇異的、誇張的音樂。巴洛克之後古典主義時期的音樂家們趨於將音樂語言簡化和規范化，在他們看來，巴洛克音樂過於誇飾而不夠規范。因此巴洛克一詞被評論家用來指十七世紀及十八世紀前期的藝術及音樂作品。現在，隨著時間的推移，我們可以用更為深入和細致的歷史眼光來看待這一時期的音樂，巴洛克不復有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前後的音樂作品，它確實存在著誇飾和有些不太規律化的特徵。

文藝復興時期的藝術講究清晰、統一和協調。但至十六世紀末期，藝術中感情的因素日益增加，明凈清澈和完美的形式被表達感情的需要所壓倒。在美術中可以從卡拉瓦喬（1573-1610）的色彩濃烈的、戲劇性的繪畫中看到。在音樂上我們也早已從馬倫齊奧、傑蘇阿爾多的牧歌以及道倫德的古歌曲中看出端倪，而他們的下一代則更往前發展了。要製造出這些強烈的效果，必須發展一種新的音樂風格。一般地說，文藝復興時期平穩的復調音樂已不適合新時期所需要的特色。巴洛克時期最重要的創造就是「對比」的概念。文藝復興時期的音樂
進行流暢，各個聲部（通常為四至五個聲部）相互交織，同步進行。1600年以後這種織體日漸少用，只有在教會音樂中才能見到，這是因為教會音樂受傳統及固定的禮拜禮式所束縛，因此是最為保守的。

巴洛克時期，音樂藝術得到了前所未有的迅猛發展。並且促成了後來的洛可可（Rococo）藝術的 興起。這一時期的音樂以德、意、法等幾個國家最具代表性。

1. 巴洛克時代的德國音樂

巴洛克時代的德意志音樂，以許茨、巴赫和亨德爾為代表。如果把中世紀以來的復調音樂比做金字塔，他們的音樂就好比是塔頂，因為他們不但吸收了文藝復興以來義大利的新音樂，而且開拓了一條全新的道路。許茨（Heinrich
Schutz，1585-1672年）二十四歲時赴義大利留學，師從於威尼斯樂派的大手筆加布里埃利（Giovanni
Gabrieli，1557-1612）。回國後，他發表了第一部德文歌劇《達夫內》，後來還創作了許多的受難曲。許茨與巴赫和亨德爾恰恰相差了一百年，他的風格對於這兩位巴洛克音樂大師的創作有著重要的影響。

亨德爾和巴赫的音樂作品，無論在傳統音樂的集大成方面，還是在追隨新思潮方面，都在音樂史上放射著異彩。亨德爾的作品多為歌劇和清唱劇音樂，在他的器樂作品中也含有強烈的聲樂因素，這顯然是受了義大利的影響；巴赫音樂則在聲樂作品中含有強烈的器樂因素，這為古典主義時代的到來奠定了堅實的基礎。

2. 巴洛克時代的義大利音樂

歌劇這一偉大的藝術形式，誕生在「音樂的搖籃」——歐洲文明古國義大利。在當時的佛羅倫薩，
有許多偉大的藝術家和一批對古希臘藝術很感興趣的貴族。這些貴族決心賦予希臘戲劇以新的生命，於是他們開始給古老的希臘故事譜曲，並由合唱隊穿上戲裝把整個故事演唱出來，這就是歌劇的雛形。發展到後來，故事裡的角色分別由歌唱者擔任；在合唱節目之間，則由男女歌唱家分別擔任獨唱。當角色的話語輕柔時，台詞被處理成半唱半說，這種歌唱很象一首贊美詩，被稱為宣敘調；而強烈的感情則是真旋律來表現的，稱為詠嘆調。而後，詠嘆調被專門用來炫耀歌手的美好音色。當時，一部歌劇無論在義大利、英國還是在德國上演，其詠嘆調總是用義大利語演唱，而宣敘調部分的演唱則是用
本國語言。

在義大利的巴洛克音樂中，可與早期歌劇相媲美的還有弦樂，當時歌劇的古序曲和協奏曲都是以弦樂為主的。這一時期的義大利盛產小提琴家，如托萊利（Giuseppe
Torelli，1650-1708）、科萊里（Arcagello Corelli，-1713）、維塔利（T.Antonio
Vitali，1665-1735）、維瓦爾第（Antonio Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼（Giuseppe
Tartini，1692-1770）等，他們都早於巴赫。這些音樂家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音樂的作曲家。義大利北部阿爾卑斯地區的克雷莫納（Cremona）人中，小提琴製作家可謂層出不窮，如阿瑪蒂、瓜內利和斯特拉第瓦利等，他們精心製作的小提琴，至今還活躍在舞台上，展現出無窮的藝術魅力。

歌劇的序曲必須分為三部分：快速開始，中間部緩慢，快速終結，這種形式後來成為協奏曲和交響樂的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦樂器，至今仍是管弦樂隊中不可缺少的樂器，也是極為重要的室內樂及獨奏樂器。可見，巴洛克時代的義大利音樂影響極為深遠。

3. 巴洛克時代的法國音樂

在當時的法國巴黎，歌劇和古鋼琴音樂在各王侯貴族的府邸內極為盛行。這一時期的法國歌劇，脫離了義大利歌劇的傳統而獨立成長，已經接近於舞劇的形式。在巴洛克時代，法國最具代表性的歌劇作曲家是呂利（Jean
Baptiste Lully，1632－1687），他創作的歌劇簡潔明晰、旋律優美，同時又具有很強的舞蹈性；其內容辛辣、幽默，入木三分。

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6. 阿·斯卡拉蒂是哪一樂派的創始人

那不勒斯歌劇樂派的創始人是阿·斯卡拉蒂。

這個作曲學派的作曲家，尚有波爾波拉(1686—1768)、佩戈萊西(1710—1736)、約梅利(1714—1774)、比契尼(1728—1800)、培基埃羅(1740—1816)、契馬羅薩(1749—1801)等。

其特徵是將宣敘調和詠嘆調有所區別和規定：宣敘調用於歌劇的情節，並成為詠嘆調出來之前的准備，與詠嘆調形成一個整體；詠嘆調一般是一種自成單位的聲樂形式，用於十分抒情的音樂，常採用A——B——A的反復形式，形成形象上的對比，並且又是一個方整性的完美形式。

阿·斯卡拉蒂(1660—1725)反對那種浮華表面的東西，集中發展了音樂在歌劇中的抒情作用。他創立了自由發展的詠嘆調形式，並在聲樂曲的開始、中間和結束後採用器樂演奏。歌詞對他已不再有什麼重要的意義，他強調以音樂本身(不靠劇詞)去表達愛情、嫉妒、埋怨、仇恨、悠閑等情感，強調音樂表情的概括。所以，同樣的音樂也可以用於不同的歌劇。這種習慣於用一定類型的旋律，使當時人們將詠嘆調分成「性格詠嘆調」、「豪壯詠嘆調」、「朗誦詠嘆調」等類型。他在歌劇中，聲樂占絕對優勢，但器樂也同時得到發展，也使歌劇序曲的形式固定下來，呈快、慢、快三部分的組合。所以，在某種意義上說，斯卡拉蒂是義大利歌劇的創立者也並不過分。

7. 古典音樂流派及代表人物

1、巴洛克流派：巴洛克時期音樂的發展為古典時期音樂產生重要影響，這個時期的音樂以復調音樂為主，華麗且復雜。雖然巴洛克音樂已經突破了宗教音樂完全的秩序和純真的表現，變得更加豐富了，但是在整個古典音樂的發展中，這個時期的音樂仍然受著很多宗教音樂的影響，透露出一種嚴謹的氣息。

如果說文藝復興時代（以及後來的古典時代）代表著井然的秩序和澄澈的表現，那麼巴洛克時代（及後來的浪漫時代）就是代表著騷動、不安和疑慮。

代表人物：亨德爾、維瓦爾第、巴赫、浦賽爾、斯卡拉蒂、塔替尼、裴高賴西等。

2、古典主義流派：這個時期的音樂繼承了歐洲傳統的復調音樂和主調音樂成就，確立了奏鳴曲、協奏曲、交響曲等重要的音樂形式，並且室內樂也在這個時期發展起來，對之後音樂的發展起到很重要的影響。古典主義時期的音樂相對來說還是比較嚴謹的，繼承了巴洛克時代的理性，但是卻更多的融入了人們的情感，在兩者之中達到了統一。

代表人物：海頓、莫扎特、貝多芬等。

3、浪漫主義流派：這一時期的音樂形式更為豐富，是古典藝術巔峰時期中離現代最近的，現在最能夠被接受的古典音樂大多出自於這個時期。浪漫主義音樂已經更加註重人的精神境界和主觀的情感表達，對於自然景物的表現更加突出了，對於民族和民間的音樂利用也更加頻繁，可以說是真正趨向大眾化，創作上對民族和民間音樂的利用更加重視與頻繁。

代表人物：帕格尼尼、羅西尼、多尼采蒂、威爾第、韋伯、麥亞白爾、肖邦、李斯特等。

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古典音樂 （音樂類型）：

古典音樂有廣義、狹義之分。廣義是指那些從西方中世紀開始至今的、在歐洲主流文化背景下創作的西方古典音樂，主要因其復雜多樣的創作技術和所能承載的厚重內涵而有別於通俗音樂和民間音樂。

狹義指古典主義時期，1750年（J·S·巴赫去世）至1827年（貝多芬去世)，這一時期為古典主義音樂時期，它包含了兩大時間段：「前古典時期」和「維也納古典時期」。「最為著名的維也納樂派也是在「維也納古典時期」興起，其代表作曲家有海頓、莫扎特和貝多芬，被後世稱為「維也納三傑」。

8. 義大利歌劇的代表人是誰

義大利的歌劇在歐洲歌劇發展各極端中均佔有一定的位置。在19世紀初的社會經濟、政治、文化的發展變化的直接影響下，義大利歌劇在其優秀傳統基礎上，又出現了新氣象，涌現出許多優秀的歌劇作曲家和歌劇精品。如羅西尼、貝里尼、多尼采蒂等歌劇作曲家。

羅西尼(1792~1868)就是這個時期被稱為「復興了義大利歌劇」的代表人物，在全歐乃至全世界享有極高的聲譽。羅西尼生於貝扎羅城，父母都是音樂家。他接受過專業的系統的音樂教育，自小就耳聞目睹義大利的傳統歌劇。他的家庭具有進步的思想，而在羅西尼的作品中，也十分突出地洋溢著他心中的愛國激情。羅西尼英年早逝，年僅37歲就離開了人世，但卻為後人留下了眾多的音樂作品，僅歌劇作品就有38部之多。這些寶貴的財富，至今仍然魅力無窮。主要作品有：《義大利女郎在阿爾及爾》、《塞維利亞的理發師》、《威廉·退爾》等。其中《塞維利亞的理發師》(根據法國作家博馬舍的同名劇作編劇，與莫扎特的《費加羅的婚禮》為姊妹篇)作於24歲，曾經使作曲家名聲鵲起，也是最能體現羅西尼卓越的創作才能和喜劇天才的作品。《威廉·退爾》作於1830年歐洲革命的前夜，是根據席勒的同名劇編劇，也是羅西尼創作的最後一部歌劇。席勒的劇作是出於反拿破倫戰爭的需要而作。這部歌劇長達5小時，歷來對這部歌劇的評價褒貶不一，但其序曲卻一致被公認為管弦樂的傑作，是音樂會上膾炙人口的保留節目。

貝里尼(1801~1835)生於西西里島，畢業於那不勒斯音樂院。其歌劇創作以抒情性的旋律和美妙的和聲為特色，並是義大利羅馬歌劇樂派的奠基者。在他短暫的34年生涯中，創作了二幕四場歌劇《夢游女》(1831)、二幕五場歌劇《諾爾瑪》(1831)和三幕五場歌劇《清教徒》(1835年首演於巴黎)等優秀歌劇作品。他的歌劇作品充滿浪漫主義風格和古典氣質，善於運用聲樂表演藝術的高難度技巧去刻畫人物形象。旋律總是清秀、細膩地表達情感，即使是華彩樂段也不讓人感到是炫耀技巧，而是水乳交融、毫無雕琢之痕。這一特色也體現在他的另一部歌劇《諾爾瑪》中。他的作品雖未達到羅西尼那樣的高度，但卻具有很大的社會現實意義。

另一位義大利歌劇作曲家多尼采蒂(1797~1848)一生創作了70部歌劇，是一個多產的歌劇作曲家。1830年後，在貝里尼取得成功的啟示下，進一步發展了貝里尼歌劇的抒情性，與貝里尼一起成為義大利羅馬歌劇樂派的奠基者。與貝里尼相比較，他又善於創造富有感染力的舞台效果，作品多樣化，抒情性和喜劇風格兼而有之。著名的男高音詠嘆調《偷灑一滴淚》，即突出體現了抒情性的特色，它出自作曲家35歲時所創作的歌劇《愛之甘醇》。尚作有歌劇《拉莫摩爾的露齊亞》(音樂充滿靈性，雖是悲劇卻不陰沉鬱悶)和喜歌劇《唐·帕斯誇勒》(頗富戲劇效果)。

9. 威尼斯歌劇樂派的代表人物都有誰，從中我們可以看到威尼斯歌劇樂派對當時的社會都有什麼影響

作為演出於公眾性劇場的歌劇藝術，得到社會廣泛的支持，不再受傳統的制約，為歌劇藝術自身的發展提供了良好的環境。蒙特威爾第晚年的作品《波佩阿的加冕》(1642)成為向威尼斯歌劇風格過渡性的作品。其他代表性的作曲家及其作品有卡瓦里的《加佐內》(1649)、且斯蒂的《金蘋果》(1649)、L•羅西的《奧菲歐》(1647)、C•帕拉威契諾的《伊爾薩累姆的解放》(1687)、雷古倫斯的《愛台奧古雷和波里尼且》(1675)、斯特拉泰拉的(費羅里特羅)(1677)等。

他們的作品，在宣敘調、詠嘆調中，呈二部曲式、三部曲式、有節歌形式或迴旋曲式等中，結構已成定型。

卡瓦里(1602~1676)是一個多產的歌劇作曲家，曾師從蒙特威爾第。其歌劇創作特徵類似民歌那樣富於旋律性和歌唱性的詠嘆調，以及富於表情的宣敘調。他在原來只是一連串的宣敘調中間，加上了一些簡短的旋律，從而彌補了只是演唱宣敘調的不足，使聽眾欣賞起來更加有趣。

切斯蒂(1623~1669)則把歌劇藝術的發展引上了另外一條路線。他在發展義大利歌劇的純音樂因素的基礎上，強調其裝飾性因素，強調獲得不可抵禦的感官美，但卻忽視了戲劇性的因素。這是與他受宮廷貴族美學觀點影響，失之於與社會生活的聯系，缺乏戲劇性的高度的結果。他最著名的歌劇為《金蘋果》，是為皇帝的結婚慶典而作，為此劇的演出而建立了一座可容1000名觀眾的大劇院，參演隊伍龐大，有合唱隊、樂隊和許多著名的獨唱演員等。音樂以優美流暢著稱，音樂的抒情作用在他的作品中得到了進一步的發展。這與當時劇院的經紀人強調演出的娛樂性和華麗的效果也不無關系。

17世紀蓬勃發展的義大利歌劇藝術，幾乎在義大利各地上演的都是威尼斯樂派的歌劇劇目，可見其影響的廣泛。