義大利協奏曲巴赫怎麼彈

❶ 急求巴赫的義大利協奏曲對當時的影響！！

作為一名在教會和宮廷的雙重統治下乞食的「音樂侍從」。巴赫除了在教堂任職外。還要十分注意保持與德累斯頓宮廷的密切聯系。《聖誕清唱劇》便是獻給國王的一首贊美樂，同樣。《義大利協奏曲》也是基於同樣的目的。巴赫在當時並不十分出名。他的音樂作品也並未受到普遍重視。其聲名甚至不如泰勒曼。為了讓自己盡快受到關注。同時獲取宮廷作曲家的稱號，巴赫要盡量表現出自己多方面的演奏和創作才能。他不僅在德累斯頓的教堂中舉辦個人管風琴音樂會。還要拿出與眾不同的作品來證明自己與眾不同的實力。各種宗教性作品，如受難樂、清唱劇、彌撒曲、康塔塔等都是巴赫十分熟悉的創作領域。創作這類題材的作品不是難事，但從宮廷的欣賞趣味來說。世俗性的作品似乎更能提起他們的興趣。而當時義大利音樂正在這塊新教已盤桓了二百多年之久的土地上風行。巴赫對這種清新明快的流行音樂風格也十分喜愛。並有比較深入的研究，於是《義大利協奏曲》便在巴赫的筆下應運而生了。
巴赫將自己於1734年為羽管鍵琴創作的獨奏作品《義大利協奏曲》題名為「依義大利趣味的協奏曲」，現在簡稱《義大利協奏曲》。這部作品正像它的名字所說明的那樣。與巴洛克時期的義大利音樂有著密不可分的聯系。
巴洛克時期義大利音樂的發展有兩個突出的特色，一是歌劇誕生並迅速繁榮發衡念亮展。逐漸取代了宗教音樂的主導地位。二是以小提琴為代表的弦樂佔有突出的地位。成為世俗音樂中最常昕到的器樂。這兩類音樂有一個共同的走向就是逐漸遠離復調音樂，而趨向於主調音樂、單聲音樂風格。以這種新穎的手法創作的義大利音樂作品風格清新。旋律優美。立刻在復調創作手法盛行的當時占據了一席之位。並引起歐洲各國的廣泛喜愛。尤其是宮廷和市民階層的欣賞群體更是對其表現出極大的興趣。素以擅長運用繁復的復調創作手法而著稱的巴赫也被這種創作手段所吸引，在這首《義大利協奏曲》中極力模仿其主調趣味。音樂手法與風俗性的音樂形象都十分接近於當時明麗的義大利音樂。顯示了他不同以往的創作才能。在這部作品中。反映出了義大利獨奏協奏曲中獨奏與全奏的對比風格、義大利喜歌劇序曲以及斯卡拉蒂的鋼琴曲的一些特徵。尤其體現出義大利作曲家維瓦爾第創作的小提琴協奏曲對他的巨大影響。
事實上也是如此。《義大利協奏曲》的形式完全模仿了維瓦爾第的小提琴獨奏協奏曲。維瓦爾第是一名傑出的小提琴演奏家和作曲家。在他一生創作的五百多首協奏曲中約有一百三十多首是為獨奏小提琴創作的。其小提琴協奏曲採用了義大利序曲中－快－慢－快的對比形式。分別運用到三個樂章中。對小提琴技巧的發掘、配器法的發展以及獨奏協奏曲的形成都起到了決定性的作用。聆聽維瓦爾第的音樂。聽眾常常被他那率直而熱情的旋律、突然而至的重音、出人意料的轉調、快速變換的節拍以及富於動力性的主題所吸引。維瓦爾第那種明朗活潑的義大利風格對巴赫產生了不小的影響。巴赫自青年時代起便開始研究當時的音樂先進國高念家義大利的音樂，尤其是在魏瑪宮廷工作時期。更是潛心研究維瓦爾第、科雷利及弗萊斯科巴爾第等人的作品。他除了在創作時偶爾借用這些作曲家的某些主題外。還把自己喜愛的義大利音樂作品以各種方式進行改編。尤其是維瓦爾第的作品。如將維瓦爾第的十六部小提琴協奏曲改編成古鋼琴曲。四部改編成管風琴曲。還有一部被加以擴展。成為為四架古鋼琴和一個弦樂四重奏樂隊而寫的龐大的協奏曲。還仿照義大利協奏曲風格創作了這部鍵盤樂獨奏作品《義大利協奏曲》。
這部作品在音樂的內涵。結構和音色的運用上都與巴赫以往那種莊重穩健的風格不盡相同。給人以另外的感受：活潑、昂揚而不失柔情。《義大利協奏曲》確立了近現代鋼琴咐寬協奏曲的「快一慢一快」三個對比樂章的套曲結構格式。其主要特點可以歸納為以下兩點：一是與義大利優美的旋律傳統。尤其是維瓦爾第的小提琴協奏曲一脈相承的世俗性、主調性，另一方面就是竭力在鍵盤上模擬義大利獨奏協奏曲中那種獨奏和全奏的對比。這種對比主要體現在音色上，且是多重對比。為了體現這種獨奏與全奏的對比關系，《義大利協奏曲》仍然採用了獨奏協奏曲中常用的曲式，即同歸曲式。這種曲式有些類似於現在的迴旋曲式。主部與插部的關系被類似於獨奏與全奏的部分所代替。在獨奏協奏曲中。多次重復的全奏部分被稱為利托奈羅。
羽管鍵琴是古鋼琴的一種。又稱大鍵琴。是十七和十八世紀流行的一種鍵盤樂器。它與現在的鋼琴不同。是用撥子撥動琴弦來發聲的。撥子一般用鳥類粗硬的羽毛管或皮革做成。羽管鍵琴的名稱便由此而來，比起更為古老的楔槌鍵琴來，羽管鍵琴的音色更加明朗清晰。音量更大，更適於演出使用，因此是巴洛克時期合奏與獨奏的主要樂器。大鍵琴通常有兩至三個鍵盤，每組鍵盤的音質都不一樣，這首《義大利協奏曲》就是巴赫為雙層大鍵琴創作的。十七、十八世紀正是義大利音樂風靡歐洲的高峰期，巴赫正是在義大利音樂的吸引下。為自己所擅長的鍵盤樂器創作了這首獨奏曲。而大鍵琴的雙層鍵盤對於模仿獨奏協奏曲中獨奏與全奏的音色和音量對比可謂恰如其分。在手稿中，巴赫對如何使用雙層鍵盤進行了清晰的標示，充分發揮了雙層大鍵琴的技巧。
大鍵琴在十八世紀末葉逐漸淡出舞台。被更為先進的近代鋼琴所淘汰，巴赫留下的這首大鍵琴名作也隨之黯淡下來。進入二十世紀後。這首作品的出場次數不如巴赫的其他鍵盤作品多。多數情況下是在現代鋼琴上演奏的。現代鋼琴的製造技術已使得鋼琴在模仿獨奏與全奏方面並不比大鍵琴差多少。但音色的差異造成與原始風格有些微差距。隨著對歐洲古樂器的挖掘、復原及其研究的深入，這首大鍵琴名作愈發放射出眩目的光芒。讓我們不能對它小覷。

❷ 肖邦諧謔曲和巴赫義大利協奏曲哪個難度大一些我比賽用，本人拿手巴赫，但是怕過於簡單。

其實不用說哪個難度比較大,其實你越擅長的越好,這樣子你才可以把這首曲子演奏到完美

❸ 巴赫義大利協奏曲是多少級的

《巴赫義大利協奏曲》是10級曲目。

《義大利協奏曲》創作於1735年，是一首為鍵盤樂器所創作的作品，這首音樂協奏曲帶有明顯的哪神緩義大利音樂風格，充滿了義大利趣味的協奏曲與法國序曲構成了一首跨地李模域性的作品，是巴洛克時期協奏曲創作的一大突破。

給熱愛音樂的人帶來了一片心靈的港灣，使其得以在此快樂地暢游。在這個器樂協奏曲非常盛行的時代，巴赫在對義大利濃烈的興趣驅使下，全方位地了解了千姿百態、意趣盎然的義大利音樂，各種新穎的音樂表現形式也給巴赫帶來了獨特的靈感。

在以前對這瞎帶方面嘗試的經驗指導下，他把維瓦爾第的協奏曲進行了再創造，為其注入自己嶄新的理解。重新改變為管風琴或羽管鍵琴的音樂語言。

(3)義大利協奏曲巴赫怎麼彈擴展閱讀

巴赫其他代表作品介紹

1、《勃蘭登堡協奏曲》是德國作曲家J.S.巴赫（1685~1750）眾多管弦樂作品中最為著名的一組樂曲。全曲共6首，編號BWV1046-1051，每首的樂器組合各不相同。這組樂曲被瓦格納稱為「一切音樂中最驚人的奇跡」。

2、《馬太受難曲》由德國著名音樂家——約翰·塞巴斯蒂安·巴赫於十八世紀創作，巴赫被稱之為「西方音樂之父」。這部曲子共分為78首分曲，真實地再現了耶穌被猶大出賣、被捕、受審、被釘十字架和被埋葬等場景。

❹ 巴赫義大利協奏曲難度

巴赫義大利協奏曲難度？
答案如下：巴赫義大利協奏曲難度是8級

❺ 巴赫-義大利協奏曲 的鋼琴譜

中國音樂學院2009年純謹本科招生錄取文化課分數線
日期： 2009-07-10 11:27
專業
專業方向
文科總分
理科總分
學制
音樂學
音樂學
391
367
本科五年
音樂教育
361
337
本科四年
藝術管理
459
（外語90分褲褲桐以上）
429
（外語90分以上）
本科四年
作曲與作曲
技術理論
作曲
263
245
本科五年
電子音樂製作
263
245
本科四年
視唱練耳
263
245
音樂表演
演唱（民聲）
263
245
本科五年
演胡坦唱（美聲）
263
245
中國樂器演奏
246
245
本科四年
鋼琴
263
245
本科四年
電子管風琴
263
245
本科四年
管弦樂器演奏
246
245
本科四年
合唱指揮
263
245
本科五年
樂隊指揮
263
245
本科五年

❻ 我聽米凱蘭傑利

我聽米凱蘭傑利

今年夏天，我應邀赴義大利參加一個國際詩歌節，在米蘭、熱那亞、博洛尼亞、皮亞琴察等城市滯留多日，與幾位義大利漢學家過從甚密，其中有一位在博洛尼亞大學任教的社會學教授魯索和我一樣是格倫·古爾德迷。他告訴我：「古爾德的巴赫對我來說是信仰和想像力的一部分。」我在博洛尼亞大學魯索家裡住過兩天，發現他的古爾德LP和CD收藏頗為全面——從巴赫、莫扎特、貝多芬到斯克里亞賓、勛伯格、欣德米特。我注意到一大堆古爾德CD中夾雜著霍洛維茨、里帕蒂、里赫特、吉列爾斯、施納貝爾、吉澤金、科爾托等鋼琴家的一些CD，但其中沒有一張米凱蘭傑利。我感到有些納悶，就問魯索，是否從來不聽米凱蘭傑利？他說是的，從不聽他的錄音。我追問道：難道你覺得他彈得不好嗎？魯索回答我：恰恰相反，我曾在1972年聽過他的現場音樂會，當時的感覺真是妙不可言——不過從那以後，米凱蘭傑利就成了絕響，因為我從任何他的錄音製品中再也找不到那種現場感受了。「別的鋼琴家或許能在錄音里聽，可米凱蘭傑利不行，他屬於那種你要麼別聽，要麼親臨現場去聽的鋼琴家。」魯索這么說。

但到哪兒去聽米凱蘭傑利的現場音樂會呢？恐怕只有到天堂去聽。我猜米凱蘭傑利會在天堂繼續他的鋼琴音樂會，但卻拿不準假如上帝去聽他的現場演奏，而那天又正好趕上下雨，米凱蘭傑利會不會臨時取消音樂會，一點不給上帝面子？米凱蘭傑利生前就以不顧聽眾的感受，喜歡即興取消演奏而聞名於世。我在一篇文章中讀到過，有一次米凱蘭傑利因試奏時感到琴聲有些潮濕就獨斷地取消了當晚的音樂會，弄得身邊的人不知所措，過了很長時間才有人想起三天前本地曾下過一場雨。難道三天的太陽還不足以曬干一場雨嗎？是米凱蘭傑利過於怪癖，過於我行我素，以使自己神秘化嗎？對我們這些被消費時尚寵壞了的聽眾來說，米凱蘭傑利的存在顯得像是一個冒犯。在他的身上，同時活著一個藝術至上的完美主義者、一喊寬迅個拉丁貴族和一個現代隱士。他拒絕成為那種花上幾十美元買張門票或是買幾張CD就能一次性消費掉的表演者。

依我的看法（一個業余鋼琴音樂愛好者的看法），米凱蘭傑利與格倫·古爾德構成了20世紀鋼琴演奏史上最極端的兩個出發點。他們兩人的身上都具有那種被推到極致的專注精神，不僅專注於鋼琴演奏者與作曲家的種種關聯，而且能使圍繞這種專注所聚斂起來的內涵鄭此和能量抵達鋼琴本身——我指的是作為一個物的鋼琴。考慮並盡可能窮盡鋼琴的可能性，是一件讓古爾德和米凱蘭傑利感興趣的事情，但他們兩個人做出的努力正好相反：古爾德以具有極少主義傾向的削減手法對待鋼琴演奏，通過做出限制來增加鋼琴的信息量和精神性；而米凱蘭傑利卻將鋼琴所能發出的各種美妙聲音全都釋放出來，達到了柏拉圖所說的「雜於一」境界。如果說古爾德是以「不」來定義鋼琴的，米凱蘭傑利則用「是」在定義鋼琴，不過，這是那種把「不」字也包括進來的「是」。古爾德的巴赫是一個左手得到特殊強調的巴赫，一個令當代西方知識分子感到迷狂的、洋溢著發明精神的、近乎左派的巴赫，這個巴赫的確立是以限制右手、剔除巴洛克時代的宮廷情調為前提的。米凱蘭傑利早年彈奏巴赫的《義大利協奏曲》時，將德奧血統的巴赫拉丁化了，尤其是第二樂章，彈得銷魂之至，彷彿演奏者是置身於對托斯卡那一帶的典型義大利鄉村景物的印象和感受中在演奏，所以巴赫聽上去像是撩起鄉愁的斯卡拉蒂。二戰結束後米凱蘭傑利就再也沒彈過這首曲子了，但他彈過另一首由布索尼改編的巴赫作品《恰空》。他將該曲的內在建築（這種內在建築所揭示的空間恐懼與空間信賴之間的復雜關系乃巴洛克音樂的神髓之所在）完整地呈現出來。遺憾的是古爾德從未彈過巴赫的這首《恰空》。以古爾德彈奏巴赫《創意曲》時所顯示出來的對復調空間結構的想像力和精確程度來看，如若他彈奏《恰空》，必將為聽者帶來與米凱蘭傑利的《恰空》全然不同的另一種闡巧陸釋的樂趣。兩種樂趣都是高級的，兩個《恰空》交相輝映，兩個巴赫相互證實，但又相互分離。如果古爾德當年彈奏過《恰空》就好了。

米凱蘭傑利平生所彈巴赫似乎僅限於上述兩首曲子。盡管科爾托在米凱蘭傑利21歲時就驚嘆他為「李斯特再世」，但他年輕時彈奏的曲目以小品為主，而且其中不乏三流作曲家的作品。看來米凱蘭傑利特有的那種對演奏曲目的關注與對鋼琴本身的關注混在一起的傾向早年即已存在，他對鋼琴的迷戀，以及從中升華出來的由半是戀物情結、半是超然物外的精神張力所構成的對「鋼琴性」的深刻領悟，使得他能將一些無足輕重的三流作品彈奏得煞有介事。我記得一位富有洞察力的評論家對此是這樣評述的：手術是成功的，但病人死了。

米凱蘭傑利晚年為DG錄制的德彪西贏得了廣泛而持久的贊譽。鋼琴性在這里是一種觸手可及的現實，如果音響器材足夠好的話，我們就能聽到一些奇異的、相當敏感的聲音，一些經過折射的、層次分明、像午後的光線變化那麼微妙的聲音，鋼琴作為一個物在這些聲音里的存在與早年相比起了一些變化：現在，鋼琴處於有無之間，它不是什麼，但卻也不是無。在古爾德的巴赫那裡，我們感到鋼琴的存在已經被抽象到純粹鍵盤樂器的地步，他揭示了鋼琴在何種意義上可以不是鋼琴。但在米凱蘭傑利彈奏的德彪西那裡，我們卻很難想像鋼琴可以是別的什麼而不是它自己。米凱蘭傑利的完美主義在德彪西的印象主義作品中發出的聲音，很可能是鋼琴所能發出的聲音中最奇妙、最不可思議的聲音。我甚至認為，這些聲音把鋼琴重新發明了一遍。

米凱蘭傑利的拉威爾也是無人能及。除了EMI錄的拉威爾鋼琴協奏曲，我還收藏了ERMITAGE、ARKADVA、Fonè等幾家義大利、法國唱片公司錄制的米凱蘭傑利彈拉威爾，其中的《加斯帕之夜》被彈得玲瓏剔透，充滿幽靈氣息，令人想到李賀的詩句「羲和敲日玻璃聲」。我有他彈的《加斯帕之夜》三個不同版本，除這張ARKADVA版（1957年錄）外，還有美國MUSIC＆ARTS版（1962年錄）及法國CDM版（1967年在布拉格現場錄音），全都彈得鬼斧神工，在阿格里奇和波格雷里奇彈奏的《加斯帕之夜》之上，盡管這兩個人的《加斯帕之夜》都堪稱神品。可惜的是，米凱蘭傑利的《加斯帕之夜》錄音太差，不知為什麼他沒有為DG錄制拉威爾？我那張ARKADVA版CD上還錄有他彈的拉威爾《鏡子》《高貴而傷感的圓舞曲》及鋼琴協奏曲，演奏之絕妙與錄音之粗濁賦予這張CD極其古怪的性格。

米凱蘭傑利的肖邦精美無比。我問過好幾位趣旨不一的愛樂人，假如只選一張肖邦CD的話他們會選哪一張，他們共同的回答是選DG錄的那張米凱蘭傑利彈奏的肖邦，反而是我在這張CD與EMI那張里帕蒂彈的肖邦華爾茲曲集之間難做取捨。如果不考慮錄音效果的話，我的首選其實是Fonè版的米凱蘭傑利彈肖邦，那是現場錄音，時間是1967年，地點是在他的家鄉。米凱蘭傑利的精神在這張CD中不僅與別的鋼琴家完全不同，而且與他本人在別的CD錄音中（例如DG那張）呈現出來的肖邦也大異其趣。他採用了一種不合常規的彈法處理瑪祖卡，使聽者聽出了被傷感塗了些顏色的天真無邪。第一敘事曲他彈得比DG版的錄音快了整整一分鍾，兩者之間的不同不僅是速度上的，這里的不同主要是一個解說家與一個演奏家之間的不同——米凱蘭傑利的控制力是一流的，他能夠在背離和反向中加重自己的信仰，使別的鋼琴家無法模仿。這張Fonè版CD中的第一首曲子是肖邦的第二奏鳴曲，米凱蘭傑利彈得如此之好，我每次聆聽都有靈魂出竅的感覺。米凱蘭傑利在呈現每個音符的細節之美與勾勒全曲的整體輪廓之間保持了至關重要的平衡，並且將一種相當現代的感受與一種垂老久遠、帶點腐朽氣氛的浪漫情愫融匯起來，這是特別適合現場錄音的、與春天芳香一塊搖曳的、貼著土地和皮膚行走的肖邦。但是，連這個感性的肖邦也仍然是站在虛無一邊的：米凱蘭傑利聲稱他從不為任何聽眾彈奏鋼琴，所以他把該曲的第三樂章彈得空無一人。這一樂章他彈了九分鍾，這恐怕是時間最長的演奏，霍洛維茨、魯賓斯坦、波里尼和波格雷里奇這一樂章都只彈了七分多鍾，科爾托則彈了僅六分半鍾。

米凱蘭傑利的莫扎特一向有爭議，但假使對什麼是真正的莫扎特不加預設的話，我們可能會發現，米凱蘭傑利的莫扎特一如他所彈奏的海頓、貝多芬、舒曼、李斯特和格里格等作曲家的協奏曲，是20世紀鋼琴演奏史上最具文獻價值的演奏範本。我覺得，我在米凱蘭傑利彈奏的協奏曲作品中聽到的東西，有可能是比音樂和思想更為古老的自然，我們的感知器官不過是它的一種痕跡。也許有人預先就在自己心目中假設出一個自以為符合原貌的本真莫扎特，再以此為標准去衡量當代演奏家對莫扎特的演繹，但我並不認為這是明智之舉。我倒寧可相信所有的莫扎特演奏都是當代演奏，有多少演奏家就有多少莫扎特。因為並不存在「本來」意義上的莫扎特，正如並不存在「本來的」巴赫，只存在古爾德的巴赫，或安得拉斯·席夫的巴赫。我在聽米凱蘭傑利演奏莫扎特鋼琴協奏曲時，強烈地感到鋼琴（而不是演奏者）的存在。誠然，莫扎特創作他的鋼琴作品時現代鋼琴尚未發明出來，但以為用莫扎特時代的鋼琴彈奏莫扎特，或是把現代鋼琴彈得像莫扎特時代的鋼琴，就有助於恢復原貌，這未免過於天真。對於像米凱蘭傑利這樣的完美主義者來說，他能建立音樂冥想空間的地方是「無鋼琴」的所在，而那又同時是一個「無所在」。他屬於那種「不是用思想而是用物來說話」的人，這讓我想起另一位享有盛名的完美主義者、法國象徵主義詩人馬拉美說過的一句話：「我不是用思想在寫作，而是用詞來寫作。」米凱蘭傑利的音樂世界是一個主體在其中消失的世界，難怪一位美國樂評家會說——米凱蘭傑利彈到入神之處，他本人就不在了，似乎鋼琴自動在那兒彈。實際上，說米凱蘭傑利把鋼琴彈得好像沒人在彈，或是說他把鋼琴彈著彈著就彈沒了，這兩種感受應該說是一枚硬幣的兩面。當然，聽米凱蘭傑利的演奏並非向空中擲硬幣，假如有人真要擲硬幣才能決定從哪個方向去理解米凱蘭傑利的話，他將發現那硬幣擲向空中後很可能會空懸在那裡。迪蘭·托馬斯當年寫過這樣的兩行詩：

我童年時拋向天空中的球，

至今沒有落地。

米凱蘭傑利逝世已兩年多了。而我藉助於當代音響技術，仍然在聽他演奏鋼琴：從1939年，他18歲時的演奏，到1992年他的最後一場獨奏音樂會（他在這場告別音樂會上把德彪西《意象集》中的前兩首曲子彈奏了兩遍）。與其說我不知道是誰在彈，不如說不知道是誰在聽。聽，就是和彈一起消失。

❼ 巴赫義大利協奏曲第三樂章難度

10級。義大利神曲在巴赫義大利協奏曲第三樂章難度是10級或廳，義大利協奏曲原是義大利風格的大鍵琴曲,裡面那種輕快而又熱情的旋律,就像宴團那久違了的好心情。晌團橘

❽ 急！！巴赫 義大利協奏曲 的變調

我覺得你大體就抓住開頭4個小節就行，這4個小節嘩源，在第一樂章中共出現了4次，是貫穿全亂賀態曲的核心主線。

這4次分別出現在F大調、C大調、降B大調、F大調。具體哪個小節你只需找到這4次再現出現的拍襪位置即可，非常簡單。

❾ 求巴赫的義大利協奏曲的分析

[0423]巴赫 - 義大利協奏曲

義大利協奏曲(BWV 971)是巴赫最受歡迎的鍵盤作品之一。創作於1734年，巴赫把此曲題為「依義大利趣味的協奏曲」 (Concerto nach Italienischem Gusto)。現在簡稱為「義大利協奏曲」。從登科時代起，巴赫受了義大利的影響，而到了萊比錫時代之後，把研究所獲得的義大利型協奏曲的方法，活用於單一樂器的企圖並棗洞，促成了「義大利協奏曲」的這部作品。

這首作品於1735年在巴赫鍵盤練習曲(Clavier-Ubung)的第二冊中與BWV 831法國序曲(Ouverture nach franzosischer Art)同時出版。這首義大利協奏曲是為雙層鍵盤的大鍵琴所作，在雙層鍵盤的曲目中，這是一首非常重要的作品。從庫普蘭(Couperin)到莫扎特(Mozart)這段期間的雙層鍵盤大鍵琴作品中很少有標明如何運用上、下層鍵盤，都是任憑演奏者自己對音樂的詮釋來處理。幾乎可以說，只有巴赫的這首義大利協奏曲是將如何使用雙層鍵盤標示最清楚的一首作品。這首作品不但在音樂的內涵、音樂的結構、以及音色上岩猜的運用有相當完美的表現與安排，對演奏雙層鍵盤大鍵琴的技巧更是能夠發揮到淋漓盡致。或許是因為時代的變遷使得鋼琴興起而大鍵琴勢微，人絕枯們較少談論這首在雙層鍵盤大鍵琴中屬於重量級的作品。該段音樂選自其中的急板(Presto)。

文字出自：http://www.classical.com.cn/html/21/18221-945.html

❿ 求約翰·塞巴斯蒂安·巴赫 的鋼琴譜：G弦上的詠嘆調