英国艺术之路是什么

A. 艺术之路到底该如何去追求

艺术是真善美的体现，是人们精神世界的需求和追求，艺术在人们眼里一向是高大上的。相信很多的人都热爱艺术，很多的人都有过从事艺术事业当艺术家的理想梦想，很多人都曾经走过或正在走着或准备走向通往艺术成功彼岸的路。

无疑，艺术是一项伟大的事业，但艺术之路并不是坦途。而且因为艺术是比较高端的文化技艺，学习掌握运用乃至创造艺术甚至要比做其它工作付出更多的辛苦、坚持和努力！

艺术之路应该如何去追求呢？

多学多看多练多悟的意思大家都懂，不须多讲。比如巴洛克油画艺术重要代表鲁本斯12岁进入教堂学画，天赋加勤奋，几年时间鲁本斯已成为当地首席画师和为数很少的政府命名的画家，但鲁本斯并不满足这些，他认为自己的画艺还不到家。这时他开始了长达6年的意大利游历学习。在意大利，他临摹了很多文艺复兴时期绘画大师的经典之作，边看边学边画边悟，后来形成自己独树一帜的油画艺术风格，被誉为西方十七世纪最伟大的画家之一。

法国十九世纪绘画大师学院派首席代表安格尔很早就因《大宫女》等画作声名赫赫。但他一生勤奋不怠，活到老画到老。76岁时还创作了经典油画《泉》。据说安格尔为画好《泉》，仅素描稿就画了8幅。

B. 英国的达勒姆城堡和大教堂是怎样的建筑

达勒姆堡和大教堂位于英国达勒姆郡，耸立在威尔河湾陡峭的石坡顶上。大教堂及附属建筑位于南面，城堡位于北面。大教堂的大部分建筑拥有900多年的历史，内部供奉有诺森伯利亚的福音传道者圣库什伯特和圣彼德的遗物，显示了早期本笃会修道士的显赫地位。达勒姆大教堂被认为是英国最大、最杰出的诺曼式建筑遗产，其拱顶的大胆革新已预示着哥特式建筑的诞生。达勒姆堡始建于1072年，其后数经变化，但整体建筑仍体现出其诺曼式风格。内有为数众多的具有历史与建筑价值的遗迹。1986年作为文化遗产列入《世界遗产名录》。达勒姆位于英格兰东北部，北距纽卡斯尔不到30公里。这一带山丘广布，韦尔河在山丘之间冲出一道"U"字型急转弯，留下一个三面环河的小半岛。这座小小的山城只有三万人口，而大学生却有六千多。它是牛津、剑桥之外的又一座大学城。中世纪以来，达勒姆曾长期作为主教驻地。那时，达勒姆主教身兼诸侯，宗教和世俗大权一把抓，甚至还统帅军队，这在英国是绝无仅有的一例。不过，主教们对该城的教育事业倒也出力不少。15世纪时这里就办起了第一所文法学校，即今天的达勒姆学校。1832年，达勒姆创办了一所大学。论资格，这所大学在英格兰仅晚于牛津、剑桥，比着名的伦敦大学要早四年。达勒姆大学有十二个学院，校舍分布在全城各处，甚至已发展到郊外。特别值得一提的是这所大学东方学院的中文系，它在英国众多的大学中文系中，颇有声望。就是这个中文系的学生，曾用汉语演出过中国着名作家曹禺先生的话剧《雷雨》。东方学院还拥有一座对外开放的东方艺术博物馆。它是英国唯一的一座专门收藏东方艺术品的博物馆。

C. 欧洲艺术发展史的开端到现在的历程是什么

14—16世纪的文艺复兴运动拉开了西方近代美术史的开端。任何事物的发生都不是独立存在的个体，既不会突然出现，也不会瞬间消失。在整个文艺复兴背后的推手是欧洲封建社会内部出现了资本主义经济的萌芽，城市工商业的繁荣及其政治上的相对独立或自治。经济基础决定上层建筑，人们在满足了物质需求后必然会追求更高层次——精神需求。

文艺复兴期间涌出了众多着名的艺术家，代表人物有.达·芬奇、 米开朗琪罗、拉斐尔、安吉利特、尼德兰等，他们的艺术手法深深地影响了后世的艺术爱好者们。

二十世纪虽然不及文艺复兴来的精绝，可在整个艺术史中也是一个活跃的年代，短短百年间，涌现出众多的艺术流派，从野兽派开始，经历了表现主义、立体主义、未来主义、抽象主义、达达主义、风格派、形而上画派、包豪斯、超现实主义、巴黎画派、抽象表现主义、新现实主义、波普艺术、欧普艺术、地境艺术、观念艺术、行为表演艺术、照相写实、激浪派、极少主义、女性主义、涂鸦主义、装置艺术、影像艺术、新媒介艺术、全球化时期、象征主义、俄国前卫艺术、构成艺术、八人画派、现代雕塑、后现代名词解释，直至世界现代设计。

20世纪初工业文明、机器时代的到来，年轻的艺术家们普遍关注的是如何革新形式，来表现在迅猛变革的工业社会里人们的内在情绪和心理。立体主义的产生时期和表现主义差不多，不同的是表现主义宣泄的是艺术家们对战争、社会现实的不满，而立体主义起源于塞尚的理论和创作实践，艺术家们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆椎体来表现自然”这句话当着自己艺术追求的理想。立体主义更多是在折射工业文明、机器时代的社会现实。代表人物就是全民偶像的毕加索，他热衷于前卫艺术创新，也不放弃对现实的表现。《亚维农的少女》这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。

随着社会的逐渐稳定，社会环境有了很大的提高，这一期间出现的画派大都没有太多革新，受着前面一些流派影响。值得一提的是包豪斯，1919年在德国成立的一所设计学院，世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院。虽然只经历了短短的十四年，但在艺术史上却有着重要的地位，包豪斯优越严谨的教学体系更是沿用至今。它本身就是一件艺术品，无论是外在还是内涵，都值得人们学习欣赏。一直被称为20世纪最具影响力也最具有争议的艺术院校，在当时它是乌托邦思想和精神的中心。它创建了现代设计的教育理念，取得了在艺术教育理论和实践中无可辩驳的卓越成就。包豪斯的历程就是现代设计诞生的历程，也是在艺术和机械技术这两个相去甚远的门类见搭建桥梁的历程。设计在艺术史上始终不能像绘画那么受人关注，而正是包豪斯，引发了人们对设计的重视，这也顺应了工业高度发展的社会需求。

在此之后的艺术流派中不得不提的是抽象表现主义，在艺术内容上它没有什么巨大的创举，但却是第一个由美国兴起的艺术运动。美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有影响的。也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来，自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。研究中国美术史也会发现，艺术中心往往代表着经济中心，这也从侧面的反映，随着艺术中心的转移，世界的经济中心也发生了变化。

正像波普艺术，虽然起源于英国，真正发展至鼎盛却是在美国，文化的传承抛开不说，经济在无形中犹如一张大手暗自操控着。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展。波普艺术也是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。它试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。60年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力，不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。 可以这样说，在艺术精神上波普虽没有深造，却发展了艺术的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍尔，他成了恶搞、前卫、疯狂、流行、经典的代名词。

17世纪：巴罗克艺术
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。
巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。
手法主义是16世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等。建筑史中则用以指1530～1600年间意大利某些建筑师的作品中体现前期巴洛克风格的倾向。
从17世纪30年代起，意大利教会财富日益增加，各个教区先后建造自己的巴洛克风格的教堂。由于规模小，不宜采用拉丁十字形平面，因此多改为圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣十字形等单一空间的殿堂，在造型上大量使用曲面。
18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上一朵奇花。
巴洛克艺术在各方面的表现：
建筑方面：柱子特别粗大，屋顶布满雕刻。满足霸者心态，如路 易十四时期所建筑凡尔赛宫雕刻方面：皱折阴影夸大浓烈，使得姿态夸张。 绘画方面：然虽同为中世纪之宗教画，但由于立足于自由主义之 上，因此也在技术上充份的发挥洗练的功夫。构图雄 伟豪迈、色彩豪壮华丽富变化、明暗的阴暗对比深刻 、线条极尽曲折，使人有极度夸张之感。其它方面：画人物丰满健壮，且视女性化的柔弱艺术为禁物。西班牙十字军东征的失败和好望角、新大陆的相继发现促使西、葡两国取代了意大利的地位，使得到了十七世纪，西班牙由文艺复兴运动转变成巴洛克艺术。 西班牙深受信奉“旧教”的影响，使得王室、教会仍持强大的势力，此异于意大利和法兰德斯，而在此对宗教的神秘感情与专制 . 君主的强大势力之下，所诞生的庄严的艺术便为“巴洛克艺术].

18世纪：洛可可艺术
洛可可艺术，发端于路易十四时代晚期的法国，盛行于路易十五时代。其风格是精致纤巧、色彩柔和艳丽。洛可可艺术的兴起与法国贵族阶层的衰落和资产阶级的兴盛有关。18世纪的法国，封建制度的危机越来越明显，封建统治阶级已经感到“夕阳无限好，只是近黄昏”，于是及时行乐之风盛行。在封建统治阶级没落的同时，资产阶级正在兴起，洛可可艺术风格正好也适应他们的审美需求。
洛可可艺术(Rococo art)发端于路易十四（1643～1715）时代晚期，流行于路易十五（1715～1774）时代，风格纤巧、精美、浮华、繁琐，又称“路易十五式”,十八世纪被看成是“理性的时代”或“启蒙运动”的时代，哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作，转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象，几乎将神学从哲学中剔除，选择倾向世俗的路线，趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格，在音乐家莫札特、海顿，文学家蒲伯、艾狄生、福尔泰，画家华铎、康斯博罗中，贯穿着一种共同主题，它把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来。路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，借着繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有利搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐洛可可是相对于路易十四时代那种盛大、庄严的古典主义艺术的，这种变化和法国贵族阶层的衰落，与启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰），及中产阶级的日渐兴盛有关 洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，特别是在庭园设计、室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面（如《中国人物小陶瓷》，麦尔，德国，1768）。由于当时法国艺术取得欧洲的中心地位，所以洛可可艺术的影响也遍及欧洲各国。

18世纪末期：古典主义/浪漫主义
（英语∶Neoclassicism），兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义，一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。新古典主义在雕刻艺术上以浅浮雕（bas relief）图式表现，因此截然不同于巴洛克风格的深度雕刻。
以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。 所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的。同时,因为这场新古典主 义美术运动与法国大革命紧密相关,所以也有人称之为"革命的古典主义"。
新古典主义美术的特征是：选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大事件),在艺术形式上,强调理性而非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上 重视素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。法国新古典主义美术从维安、达维德到安格尔,取得了最优秀的成就,并达到高峰。

浪漫主义
19世纪浪漫主义的诞生是对当时新古典主义、学院派美术的一次革命。浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。追求幻想的美、注重感情的传达，喜欢热情奔放的性情抒发。浪漫主义艺术以动态对抗静止，以强烈的主观性对抗过分的客观性。浪漫主义在题材上，多描写独特的性格，异国的情调，生活的悲剧，异常的事件，还往往从一些文学作品中寻找创作的题材。
这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名着（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。代表作品有*籍里柯的《梅杜萨之筏》、*德拉克洛瓦的《自由领导人民》。画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
浪漫主义画派以肯定、颂扬人的精神价值，争取个性解放和人权为思想原则。在绘画上主张有个性、有特征的描绘和情感的表达。构图变化丰富，色彩对比强烈，笔触奔放流畅，使画面具有强烈的感情色彩和激动人心的艺术魅力。

19世纪：现实主义
现实主义是 19 世纪在西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮。由于现实主义艺术家的作品大多对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义.

印象派绘画：又称印象主义画派。是19世纪下半期至20世纪初流行于欧洲的艺术创作思潮。印象派绘画出现于1874年，这一年一群无名的年轻画家举办艺术展览会，其中有莫奈的《日出·印象》，被一保守派记者用来在文章中借以讽刺此画派，称之为“印象主义画家的展览会”，画派因此而得名。印象主义以创新姿态登上法国画坛，反对古典主义、反对浪漫主义。主张画家到室外，根据眼睛在阳光下直接观察事物的感受来作画，表现物体在阳光的照耀下色彩的微妙变化，开辟了绘画的新领域。印象派画家从各个方面以新的视角真实地、科学地描绘客观世界，描绘画家身边的现实，表达自己的感性和理性的认识，但是却舍弃了通过艺术来表达崇高理想的艺术家的社会职责，表现出颓废的一面。在世界绘画发展史上，印象主义具有革新意义，开辟了绘画语言的新天地，为展示客观世界和人的主观世界提供了新的技巧，为艺术家发挥自己的艺术个性提供了新的可能，也拓展了艺术审美的新领域。为20世纪现代主义艺术的出现，奠定了基础。

20世纪：
1.超现实派 首次超现实主义画展于1925年在巴黎举办，翌年举办了第二次。此后，在巴黎、哥本哈根和特纳里夫、伦敦、纽约等地有过多次重要展览。第二次世界大战的爆发中断了该运动的蓬勃状态，不过由于其成员分散到了世界各地，战争倒也间接地扩大了它的国际影响。战后，在巴黎、纽约等地先后举办了国际性展览会。除了组织各种活动外，超现实主义团体还充分运用杂志、报刊等媒体及传单、小册子等手法来传播其观念。1966年9月28日，超现实主义运动的核心人物布雷东去世，这使团体失去了极其重要的凝聚力量。1969年10月4日，许斯特在《世界报》发表最后一个超现实主义宣言《第四章》，指出“超现实主义运动已经没有任何内部的一致，我的一些朋友和我本人于二月份决定将它放弃，它和我们再也没有关系。”曾经轰轰烈烈的一场运动至此结束。不过，其影响力绝不会因此而烟消云散。事实上，超现实主义运动对20世纪美学观念有着重要影响
2.荷兰风格派 一战期间，荷兰作为中立国而与卷入战争的其他国家在政治上和文化上相互隔离。在极少外来影响的情况下，一些接受了野兽主义、立体主义、未来主义等现代观念启迪的艺术家们开始在荷兰本土努力探索前卫艺术的发展之路，且取得了卓尔不凡的独特成就，形成着名的风格派（DeStijl，荷兰文，即风格之意）。风格派正式成立于1917年，其核心人物是蒙德里安和凡杜斯堡，其他合作者包括画家列克（BartvanderLeck）、胡札（VilmosHuszar）、雕塑家万东格洛（CeorgesVantongerllo）、建筑师欧德（J．J．P．Oud）、里特维尔德（GerritRietveld）等人。显然，风格派作为一个运动，广泛涉及到绘画、雕塑、设计、建筑等诸多领域，其影响是全方位的。
3.抽象表现主义画派 汉斯霍夫曼（HansHofmann，1883—1966）是抽象表现主义艺术的先驱
4.波普及其之后的画派 20世纪产生于美国画坛上的抽象表现主义，标志着西方现代艺术中心从巴黎转移到了纽约。如果说，这个画派其实是欧洲现代派绘画在美国的延续，那么此后在美国所产生的种种绘画流派，则全然是美国人自己的创造。波普艺术，便是最早的一个具有美国特点的画派。
5.至上派 走向纯抽象——俄国前卫艺术
6.未来派 未来主义（Futurism）首先是一场文学运动，它最初由意大利诗人马里内蒂（FilippoTommasoMarinetti，1878—1944）一手炮制。在1909年2月20日的《费加罗日报》上，马里内蒂以浮夸煽情的文辞推出了“未来主义宣言”，号召扫荡一切传统艺术、创建能与机器时代的生活节奏相合拍的全新艺术形式。未来主义自此诞生，并迅速由文学界蔓延渗透至美术、音乐、戏剧、电影、摄影等各个领域。
7.表现派 表现主义（Exprisseonism）一词，是德国艺术评论家威廉沃林格（WillemWorringer）在其发表于1911年8月号《狂飚》杂志的一篇文章中首次采用的；他把这个词，与塞尚、凡高和马蒂斯等人的艺术联系在一起。1912年在狂飚美术馆举行的“青骑士”画展，再次被冠以这个名词。从此，该词便成为德国艺术中诸多偏于情感抒发的倾向的名称。从广义上说，表现主义可用于所有强调以色彩及形式要素进行“自我表现”的画家，但其特指的含义，则是基于二十世纪初叶德国的三大艺术运动，即“桥社”（DieBrucke）、“青骑士派”（DerBlaueReiter）和“新客观派”（DieNeueSachlichkeit）。
8.野兽派 野兽主义（Fauvism）是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。
9.立体派 分解与重构——立体主义画派 1908年，在巴黎秋季沙龙的展览上，当野兽派画家马蒂斯看到毕加索和布拉克的那些风格新奇独特的作品时，不由得惊叹道：“这不过是一些立方体呀！”同年，评论家沃塞尔在《吉尔布拉斯》杂志上，借马蒂斯的这一说法，对布拉克展于卡思维勒画廊的作品评论说：“布拉克将一切都缩减在立方体之中。”他首先采用了“立体主义”这个字眼。后来，作为对毕加索和布拉克所创的画风及画派的指称，“立体主义”（Cubism）的名字便约定俗成了。
10.后印象派 “后印象主义”（Post—Impresionsm）一词，是由英国美术批评家罗杰弗莱（RogerFry）发明的。据说，1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展，但是临近开幕，画展的名称还没有确定下来。作为展览组织者的罗杰弗莱事急无奈，便不耐烦地说：“权且把它称作后印象主义吧”。这一偶然而得的名称，毕竟还切合实际，因为参展者都是印象派之后的画家。以后，“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。

D. 求西方艺术史感受

发现雕塑中的塞尚、杜尚 当我们了解学习那个纷杂繁复、新旧更迭、颠覆动荡，而又具有惊人的探索追求精神的现代艺术的时候，总有些力不从心、浑沌、茫然。都说任何事物都会有它的发展根源和脉络。通过对现代艺术的深入学习，我们找到了现代艺术的“源”——塞尚和杜尚。更主要的是在那个时期雕塑中也有它独特的“源”，是雕塑中的塞尚和杜尚。 一被称为“现代艺术之父”的塞尚特别注重对象共同的作为形体的物理学价值，透过它们的外表，揭示出对象内在的带有普遍性的永恒性的结构形体，即他所说的圆柱体、球体、和锥体。他的出现使得西方传统写实主义绘画体系彻底地土蹦瓦解。对于塞尚来说，内容就是形式，他的这种形式主义艺术被成为“为艺术而艺术”。是他打开了形式主义艺术之路，从他开始，经由立体主义、未来主义到至上主义、风格派、构成主义、旋涡主义、辐射主义、精确主义、光效应艺术、极简主义等，形形色色的抽象艺术的不断嬗变，通过一步步将客观物象分解、重构和简化，塞尚的继承者和发展者们创造了一种完全独立于客观世界的纯抽象艺术。当然在文化的创造和实践中，从来没有按单一的方向前进，并且同样存在着相对立的两面性。在以塞尚为代表的理性主义不断发展，日益走向抽象的同时，杜尚出现了！1913年杜尚创作了第一件“现成品”艺术《自行车轮》，从此，一种于塞尚的“为艺术而艺术”相反的“人人都是艺术家，什么都是艺术品”的反艺术而艺术登上历史舞台。沿着杜尚开创的这条观念化的艺术之路，西方艺术家创造了达达主义、超现实主义、波普艺术、新现实主义、集成艺术、装置艺术、大地艺术、行为艺术、偶发艺术、观念艺术等五花八门的非架上艺术。塞尚和杜尚的艺术追求好像是一枚硬币的两面，共同组成了一个完整的相反相成的现实主义。二 以上简单介绍了现代艺术的两大脉络，那么，在塞尚和杜尚引领的现代艺术的大背景下，雕塑领域中是谁起到了他们的作用，成为新一代雕塑史上的转折呢？我认为是罗丹和布朗库西。首先，我们就先介绍一下雕塑界的“塞尚”----罗丹。提到罗丹，我会有一种特殊的亲切感，因为在阅读《罗丹艺术论》后，我明白了一个雕塑家对自然和美的追求，在学习过程中应该注意的问题，还有以怎样的心态去面对生活。罗丹是继米开朗基罗之后最具影响的雕塑大师。它的探索即冲破古典主义的樊篱脱出学院派的桎梏，树立现实主义的创作方法，以雕塑家个人的认识和深切的感受作为创作的基点，用丰富多彩的绘画手法塑造有生命力的艺术形象。由此我们发现，罗丹和塞尚都是变革者，是雕塑和绘画发展的转折。艺术革命有一个永远不变的公式：当一种艺术渐趋呆滞死板，不能再行表现时代趋向的时候，必得要回返自然，向其汲取新的艺术的灵感。这一点他们有着相同之处。塞尚的艺术既不表现神话和宗教主题，也不表现社会和政治内容，而是将探索自然的奥秘作为自己的中心主题，这正是时代精神的体现。罗丹是将“自然”奉为“女神”。在《罗丹艺术论》中有一段他与葛塞尔关于艺术和自然的讨论，他们虽然用了同一个词“自然”，但对它的理解却大相径庭。葛塞尔的“自然”似乎是排除了人的参与的一个独立体。他所用的标准也是他与常人一样的逻辑推理的根源，是机械的翻制、模仿，好像就是孤立的自然没有人类的存在只是有一台人遗留下的机器在作纯客观的观察和记录。而罗丹所说的“自然”确实包含着人的，他还反复用了真实，“就是透入外形，触到它内在的真”。从罗丹的作品中我们可以感受到模特因肢体的扭动、挤压，筋骨牵拉的疼痛感，也许就是这种感觉是他要表现的，也是要向我们展示的。从罗丹起雕塑开始进入了表面自觉的新时代。表面被独立出来，成为一层淋漓酣畅的情感外膜。前面我们说到了因为塞尚的变革，之后的各种主义艺术如雨后春笋般出现了。同样，罗丹是雕塑史上新起的一座高峰，他的影响也是巨大的。比如：马约尔、马里尼、亨利.摩尔、贾科梅蒂等等，每一位雕塑家仿佛是大树上一根根独立的枝条，都致力于探索属于自己的艺术语言，并开放出夺目的艺术之花。马约尔是19世纪与20世纪相交时代最富个性的雕塑家。无论什么主题他都通过女人体来表达，而且表现得贴切、真实。《山》堪称马约尔关于露天纪念性雕塑的一篇宣言。概括起来，纪念型雕刻的宏伟性应来自：体积与静穆。这是雕塑艺术最古老的概念：实体才能占有空间，静守可以抗拒时间。马约尔在回到雕塑传统起点的同时，以其建筑性和抽象化，又是雕塑向新的方向演变，建立了属于自己的象征主义风格。马里诺.马里尼也使用单一的马与人作为表现的对象，他更突出的是表现人们的精神世界，人类在残酷的战争下所表现的惊恐、不安孤独的内心世界。马里尼热爱中国古代艺术，他把汉的干硬和唐的丰润结合起来，雕塑上的凿痕显出了质料的硬，色彩使之有饱经沧桑的感觉，更好的体现了主题。亨利.摩尔时我喜欢的雕塑家之一，他本人和他的雕塑作品都流露出一种英国绅士特有的魅力。摩尔最杰出的创造是让雕塑从人造空间走到自然空间，是把“孔洞技术”运用得最成功、最完美的雕塑家。他打破了“雕塑是被空间所包围着的实体”的传统观念，而是使空间成为实体的一部分，让雕塑与空间融为一体。摩尔的雕塑粗犷、凝重而古朴，对形体的大胆变形和夸张，显示了材料本身的质感。他说：“一件艺术品不应该老是让人觉得甜腻、漂亮，或者使人冷静，而是应当有使人震慑的力量。”从1935年起，他有意识地将自然风景与雕塑作为一个整体来构思，开始致力于环境雕塑的探索，让他的作品和大自然和谐，让大自然的风吹、日晒、雨淋来风化表面，使之和远山、树林、大地、建筑相配。2000年的十月，亨利·摩尔的雕塑大展在北京举行，除了中国美术馆室内展出之外，还在北海公园开辟了室外展区。这是以前所没有的。于是现代西方雕塑艺术与古代东方园林艺术在那时融为一体，更重要的是它向我们展示出摩尔雕塑的独特魅力，让我们感悟到与自然和谐之美的真谛。贾科梅蒂是布德尔的学生，在二战后推出了结合观察、想象、体验于一体的火柴杆似的，细、瘦、干、独立或急行，焦灼而又紧张的人物形象。法国存在主义哲学家萨特曾指出他的作品的两大要素：绝对的自由和存在的恐惧。贾科梅蒂的雕塑风格，被认为是“反对学院派的学院派”，那些奇特怪诞的人物造型并不能掩盖他观察方式上的学院主义本质，但这种观察方式所导致的造型又是一种新的视觉与知觉的对话关系。他总是用整体的环境来为他的人物提供一种活动场所，通过对他的摆布来控制观众的比例感。他所营造的人物和空间的关系，改变了19世纪以来纪念碑的空间观念。他对性的独特理解与处理是一种有修养的创新，引发了人们对人的存在、人的本质等方面的思考。较之罗丹更深刻，也许和雕塑家本身的经历有关系。之所以把这几位雕塑家归为一“类”，是因为他们的作品主要是以“人”为表现对象，利用雕塑本身的实体来丰富作品的表现力，使雕塑形象在单一和静止中呈现出现对的变化，从而达到单纯与丰富的统一。他们在继承传统雕塑的同时，并不满足，努力向外延伸开拓。精神独立、情感跌荡的卡密尔；追求幻梦式风格的亨利·马蒂斯；轻纱般浮动柔和的贾克摩·曼祖；多病而敏感的天才莫迪里阿尼等等，他们都是探索者。 康斯坦丁·布朗库西---雕塑领域的“杜尚”。艺术家在相同的道路上互有失败，在相反的道路上各自成功。杜尚是这样，布朗库西也是如此。他不是沿伸而真正是完完全全地走在“相反的路上”，这种颠覆好似由架上艺术到非架上艺术的反叛。布朗库西有一句名言“在大树底下长不出好草”。（这里大树指的是罗丹）他抛弃了罗丹的雕塑用手捏、塑的胶泥感，他强调用刀凿才是雕刻的根本途径。他把原始面具的五官设计和蛋形融合，细腻精致但丝毫不破坏整体的蛋圆形。他善于把自然中生物体只属于这个生物的形、体积，也就是他所说的Essence---形的精华---可以叫做“形母”，提取出来，同时又保留了形体内在的生命感。布朗库西已经把走向外表纷繁的19世纪末装饰性雕塑，重又带回完整简洁的单纯形体----蛋形。他纯化了塑造体积的语言，重建了基本语汇。他注意到：在地板和雕塑之间的空间比雕塑本身所占的大，却容易被忽视。他的每一个雕塑底座都是他亲手设计制造的。我们可以从他工作室一角的照片看出作为一位雕塑大家的纯正形感。布朗库西作品不多，一生不断回到“吻”、“柱”等几个主题反复重塑，但他却影响了整个20世纪的现代雕塑。他较罗丹最大的“创举”就是把性从人体扩展到整个生物界，从自然万物中发现多种多样的形，动物、植物、无机物，包括云、浪、河…属于自己而不同于其他物体的形，而不仅仅局限于人体的形。这种“扩展”仿佛是强大的地震，它改变了雕塑发展的结构，冈萨雷斯开创的组合艺术，毕加索神奇的废品创造，是雕塑活动起来的考尔德等等。通过自己浅显的认识，却发现了现代雕塑中的“塞尚”和“杜尚”，心中不免有些惊喜，但由于学习研究的深度有限对有些问题的准确性还需推敲。每一个雕塑家就是一个星座，他们闪耀着艺术之光，共同组成雕塑世界浩瀚璀璨的星空。他们显示人类的智慧和信心，传递着各自震撼人心的艺术魅力，建构起一座又一座的人性和美的丰碑。面对这一座座的高峰我们不会因崇敬而畏惧，因他们的成功执法就是颠覆、创造、探索、革新！这也将是我们所要做的！ 参考书目 《西方现代艺术批判》 王天兵 着 《从现代到后现代---西方艺术论说》 王瑞延 着 《美术概论》

E. 我想想知道

买了一年多，只中过三次，不过是组选的3D，每次也不多买，一般是一注，最多的时候三注。

F. 艺术这碗“饭”不是谁都可以吃的，是这样子吗

艺术在人们的心里是很高大上的，艺术家是倍受人们尊重的。无数人喜欢艺术，很多人都想成为艺术家。

但是，说老实话，艺术这碗“饭”真的不是谁都可以吃的。可能有人会说，搞艺术不也是一门职业吗，只要用心学用心做，凭谁都可以吃这碗饭的。然而，实际情况却远非人们想象的那么简单。

不错，艺术是一门职业，而且绝大部分的艺术家是靠从事艺术维持生活养家糊口的。但是艺术创作并不像想象的那么优雅，那么浪漫。艺术之路高尚而又充满艰辛，浪漫而又饱含苦涩。艺术职业是一项靠长期坚持坚守厚积薄发才有可能换取回报的职业。

后印象主义油画大师梵高在世时画作得不到人们赏识，生活贫困，颠沛流离，但他始终不肯放下画笔，并且不断探索，创新改变油画创作技法和表现手法，终于在他去世若干年后，其作品巨大的艺术价值彰显出来。

英国十八世纪伟大画家透纳多次跟自己的学生们讲，“艺术创作没有捷径，年轻人如果不能够吃苦，不能够坚持，我劝你趁早选择放弃”。

G. 经济对英国的艺术设计教育的影响

摘要 1.经济导致工业革命最先在英国发生的原因：

H. 艺术生留学必看—解读各国艺术教育特点

浓郁的艺术氛围，世界级别的大师，琳琅满目的高端展览，这些国外优质的艺术资源深深吸引着国内艺术学生，奔赴海外开辟艺术之路。但是每个国家的艺术各具特点，如何根据各国的艺术教育情况及特色，选择适合自己的国家和专业，更好地挖掘艺术潜力，这是每个艺术留学生考虑的首要问题。

美国 专业背景要求不太高

在美国，艺术范畴很广，包括雕刻、编制、绘画、设计、插画、室内设计、平面设计、动画、摄影、电影、珠宝设计、媒体设计等。比较知名的院校包括加州艺术学院、纽约大学、帕森斯设计学院、萨凡纳艺术与设计学院、罗德岛设计学院、视觉艺术学院、旧金山艺术大学。

优势专业：视觉艺术、工业设计、媒体艺术、电影艺术、摄影技术、美术设计、数码艺术设计、动漫设计等。

美国前500名的艺术名校录取比例大约为100∶1，且多数院校只要求托福成绩，并不要求GRE。若要申请以上院校，除了GPA要保持在3.0以上，还一定要提前准备好作品，申请时要附上作品集，这是学校考核的关键，其次才是GPA和托福成绩。申请材料中作品集的选择、整理和准备是最重要的。值得提醒的是，不是同一个作品集可以申请所有的学校，有的院校要求学生有跨学科的能力，有的则要求术科有专攻，哪幅作品应该出现在申请材料中，以及编排的顺序如何，都会影响到申请的结果。

Artist Statement(创作自述)也是申请材料中非常重要的环节。如何给自己的作品找一个理论的落脚点对于美国艺术类院校的申请来说至关重要，这也是中国学生最薄弱的环节之一。如何拔高自己作品集的理论高度，是申请成功的另一个重要因素。

有的学生专业条件很好，只是英语不过关，这在艺术类学生中并不少见。美国有个别的艺术院校提供有条件录取，可以到美国之后进行英语培训，考试合格，成绩达到上课的要求再正式开始上专业课。前提是其他所有资料都达到录取要求，专业成绩优良。

英国 应用艺术类专业就业前景好

在英国，培养艺术人才在高等教育中占有重要的地位。英国有多所优秀院校提供各种类型的艺术与设计课程，英国艺术设计类课程分职业课程、本科课程和研究生课程三大类，学生可以按自身水平选择不同种类的学院，从普通的延续教育学院一直到独树一帜的皇家艺术学院。比较好的艺术类院校有伦敦艺术大学、爱丁堡艺术学院、格拉斯哥艺术学院和皇家艺术学院。

赴英修读艺术类专业的学生主要是修读时装设计、室内设计、景观设计和平面设计等，其中展览策划成为新亮点。英国的艺术设计专业学习重点不是如何地注重设计的创意，而是教授学生如何将创意表现出来，转化为商业用途。

艺术类留学大致分为应用类和传统类两类，前者包括各种设计和制作类专业，后者则指传统意义上的声乐、舞蹈、美术类专业。与纯艺术类相比，应用艺术类的适应性更广，就业竞争力更强。与就业市场紧密结合的设计和制作类艺术课程，着重对动手能力的培养，更加顺应社会需求的潮流，现在已经吸引了越来越多学生、家长的注意力。此类专业主要有环境设计、建筑设计、服装设计、软件设计、工业设计、广告设计等。

英国院校要求申请者有扎实的功底和专业知识、技巧。首屈一指的公立艺术类院校，如伦敦艺术大学，对艺术生的基本要求是科班出身，且侧重于学术性的教学，而一些新兴的大学如谢菲尔德哈勒姆大学在实用类的课程方面非常优秀。英国艺术类院校对语言要求较高，一般雅思成绩要求在6.5分以上。

加拿大 数字媒体人才将高薪受聘

加拿大拥有最完整的数字媒体艺术系科设置，包括影视创作;3D动画;游戏设计;电影VFX数字特效制作;虚拟现实;互动传媒等。此外，加拿大还拥有全球最好、最便捷的留学、移民政策，获得本科学位，即可得到加拿大枫叶卡，成为加拿大永久居民，享受加拿大社会的福利，和享有跟加拿大居民相同的工作机会。

魁北克是全球第一的数字媒体技术及艺术的研发中心和制作中心。各类专业公司每年为来自全球各地的学生提供着数以万计高薪工作岗位。5年的平均工资的总和，就可以让年轻人独立购买一所当地平均价位的房子或公寓。

法国 招生名额少，就业竞争力强

法国是艺术家的天堂，它的艺术专业在欧洲乃至世界领先，在服装设计、空间设计和纯艺术设计领域的专业水平在业界举足轻重，无论在专业教学水平还是艺术氛围上都是最好的留学选择。

正是因为精英教育，法国院校的招生名额很少，而且考试严格。学生每升一个年级都要拿出自己的作品进行考核，只有通过了考核才能进入下一个年级。另外，法国大学一年一般有两次开学时间，1月、2月和9月、10月。国内学生如要申请法国艺术专业，要巧妙规避时间，做好准备。

虽然法国艺术专业申请较难，但学生一旦录取，经过留学期间的综合培养和高端指导，就业基本就不用愁了。

意大利 “图兰朵计划”免学费，高考分数380分

意大利是“文艺复兴”的发源地，一直以来就是艺术荟萃的殿堂，这里大师云集、珍宝无数。近年来，以文化、艺术、历史、建筑等闻名世界的意大利逐渐成为留学生的热土。而意大利的图兰朵计划更是吸引了越来越多的艺术生赴意学习。

图兰朵计划，主要针对艺术、音乐和设计专业的中国学生，为其提供在意大利艺术和音乐类院校学习机会的政府计划。学生取得该项目资格，在意大利六个月的语言课程结束之后，通过课程考试，即可在其选择的艺术或音乐类学院注册学习。同时，还可申请罗马三大、但丁学院这样的一流艺术大学。

学生高考分数达到380分，即可申请图兰朵计划，且在公立大学学习期间免学费，同时可申请多种奖学金和助学金。

日韩 无需高考成绩，讲究实用性

艺术生的文化成绩不占优势，而恰恰国外学校对文化课的成绩要求不高。在日本、韩国，学生甚至无需高考分数，只要有了一定的语言成绩，并通过了入学考试，就可以申请喜欢的艺术专业。

日韩的艺术类专业不局限于传统的绘画、雕塑，增加了越来越多偏向于实践的新兴类别。韩剧、动漫的流行正从侧面说明这些新兴专业设立的成功，以及大众对于这些专业的需求的扩大。比如，服装设计、平面设计、视觉媒体等，一度成为申请的热门专业。

同时，日本、韩国都属于小语种国家，留学生在学好一门艺术专业的同时还可以掌握一门语言，这为回国后的就业也增加了砝码。同时，双语环境、费用低廉等优势，让日韩成为很多艺术生的首选。

德国 工业设计发达

德国是世界上工业设计最发达的国家，同时也是音乐家之乡。在这方面感兴趣的学生可以选择德国，德国的很多公立大学免费或者只收取少量的学费，但是对德语水平有要求，一年所有花费在8万-9万元。知名的艺术院校有：柏林艺术大学、斯图加特国立造型艺术学院、魏玛李斯特音乐学院、柏林音乐学院、汉堡音乐学院，专业有产品设计、钢琴、艺术造型等。