英国人为什么喜欢看西部电影

‘壹’ 英国电影和美国电影的区别是什么谢谢了！

1.英国电影体现温情，人间情感的较多，比如最近《别让我走》；美国电影表英雄主义较多，一般都是有一个英雄带头人，这样的例子很多比如最近《阿凡达》，《蜘蛛侠》等
2。英国电影体现团队的较多，看主演就能看出来，主演都是一个团队那样集体出现的；像《海盗电台》
3，英国电影多展现英国历史人文，丰富的文化底蕴体现在那些艺术作品里，比如一些电影着重展现英国一些田园风光，人们细微的生活方式；美国电影一般配合人物体现的景象都是雄伟壮阔的天空或高层建筑等
4，英国历史电影较多，美国反映战争比较多
5，英国喜剧电影，体现了人与人既漠不关心又热情过度的英式幽默；比如simon pegg系列《僵尸肖恩》，《热血警探》；美国喜剧多迎合观众，写一些观众喜闻乐见的故事
6，英国电影人与人情感上赋予深层爱与关怀；美国电影里面赋予亲情力量较多
7，英国电影写实性强，色彩清淡，线条流畅；美国电影有一些浓墨重彩
我总结就这些，有些电影一时想不起名字，希望对你有帮助，楼下勿Copy~~

‘贰’ 长盛不衰的美国电影，都有哪些经典的西部片可以让人“眼前一亮”

1、《燃情岁月》

《被解救的姜戈》是由美国韦恩斯坦国际影业公司出品的西部动作片，由昆汀·塔伦蒂诺执导，杰米·福克斯、克里斯托弗·瓦尔兹、莱昂纳多·迪卡普里奥、塞缪尔·杰克逊、凯丽·华盛顿领衔主演。

该片讲述了德国医生金·舒尔茨将黑奴姜戈从奴隶贩子手里解救，并且帮助姜戈救出他的妻子。

‘叁’ 为什么西部片被称为典型的美国片

西部片：也被称作牛仔片，它与喜剧片相比较符号特征十分明显：那个可以看得到地平线的茫荒的原野，那个具有传奇色彩的牛仔形象和那个跃马驰骋持枪格斗的激 烈场面等等。西部片作为好莱坞电影特殊的类型片，其深层的符号和象征：是关于美国人开发西部的史诗般的神化，影片多取树干西部文学和民间传说，并将文学语 言的想象的幅度与电影画面的幻觉幅度结合起来。西部片的神化，并不是再现历史的真实写照，而是创造着一种理想的道德规范，去反映美国人的民族性格和精神倾 向。

‘肆’ 好莱坞为什么会喜欢拍英国题材的电影原因很复杂

今人无从得知，四百年前启航的五月花号上，离乡背井的百余名清教徒逃亡者到底是怀着满心的惆怅，抑或是一厢情愿的向往驶向一洋之隔的未知大陆，但英美两国间剪不断、理还乱的恩怨纠葛却已注定在那刻生根。

如果我们翻开美国电影的历史，会发现，原来在三四十年代，好莱坞源源不断生产了150多部“英式电影”。所谓“英式电影”，其实都是正宗的好莱坞出品，但影片内容要么基于英国的历史故事或者文学作品改编，要么背景设定在英国本土及其海外殖民地，时间维度上远至中世纪，近至当时正如火如荼的二战。

总的看来，这批电影不遗余力对英国的辉煌历史和浴血奋战进行歌颂。可以说，好莱坞还从来没有对任何其他一个国家如此热衷过。

《乱世春秋》（1932）

在这百余部好莱坞“英式电影”中，相当多属于大投资的巨片，尔后也取得票房和评论上的成功。其中的《乱世春秋》（Cavalcade，1932）、《叛舰喋血记》（Mutiny on the Bounty，1935）、《蝴蝶梦》（Rebecca，1940）、《青山翠谷》（How Green Was My Valley，1941）及《忠勇之家》（Mrs. Miniver，1942）都赢下了奥斯卡最佳影片大奖。

其他风行一时的“英式电影”还包括《大卫·科波菲尔》（David Copperfield，1934）、《英国劳合社》（Lloyd's of London，1937）、《美国佬在牛津》（A Yank at Oxford，1938）、《罗宾汉历险记》（The Adventures of Robin Hood，1938）、《万世师表》（Goodbye Mr. Chips，1939）、《海外特派员》（Foreign Correspondent，1940）、《海上霸王》（The Sea Hawk，1940）、《鸳梦重温》（Random Harvest，1942）等等。

《英国劳合社》（1937）

二

这百多部好莱坞“英式电影”都由美国电影公司投拍，拍摄地点大多在美国加州，少数情况下位于英国。

比如30年代拍“英式电影”最多最成功的米高梅公司在英国的分部与当地的制片厂长期合作，但远在好莱坞的米高梅总部全权控制了整个流程，所以我们没法把这些电影称为“英国电影”，它们仍然是不折不扣的美国电影，但通体散发出的英国味却又让人不得不称之为“英式电影”。

因为三四十年代好莱坞大制片厂非常严格地垄断着美国电影的生产，所以判断一部电影到底姓“美”还是姓“英”非常容易，也不至让人混淆英国电影与美国“英式电影”间的差别。50年代大制片厂制度解体，好莱坞电影的投资开始多元化和国际化，那就另当别论了。

《叛舰喋血记》（1935）

其次，英式电影往往改编自英国小说、神话、传说，像莎士比亚、狄更斯、简·奥斯丁、勃朗特姐妹的小说在三四十年代都被轮番改编，你方唱罢我登场，好不热闹。此外也有不少美国人执笔写的英国故事，例如《北佬参军记》（A Yank in the RAF）是关于英国的战争影片，也符合“英式”的标准。

《北佬参军记》（1941）

好莱坞拍摄英式影片，当然喜欢找英国明星和幕后工作人员，就说大名鼎鼎的[蝴蝶梦]好了，导演希区柯克、小说家达夫妮·杜穆里埃、编剧琼·哈里森（Joan Harrison）、主要演员劳伦斯·奥利弗、琼·芳登全是英国人。

好莱坞“英式电影”本质上与正宗英国电影的分野，关键在于对英国采用的外来者视角，令心知肚明的观众一望之下，就能分清，真的假不了，假的也真不了。

“英式电影”喜欢反复重现笨拙古板的老绅士，操着伦敦腔的随身仆从，给人千篇一律的符号化感觉，故事经常发生在与世无争的高门深宅、田园小镇，再加上浮光掠影地对浓雾、塔桥、大本钟等英国标志进行观光客式的描绘。

《青山翠谷》（1941）

在一些历史题材的好莱坞“英式电影”中，经常散发出强烈的爱国主义情怀，他们喜欢将目光对准那些曾创下辉煌业绩的人物，譬如为大不列颠帝国在海洋上开疆拓土的先驱，劫富济贫的绿林豪客，名垂青史的文豪，都不时成为好莱坞电影的主人公。

英国作家、编剧格雷厄姆·格林（Graham Greene）略带调侃地评价美国人对英国的热情：“那些片中的角色总是轻易地把‘英格兰’挂在嘴上，我们一听就知道是部好莱坞片儿。那些人吃饭是出于爱国，幽会是出于爱国，连怀孩子都是为了爱国，仿佛王位加冕礼期间人人喊爱国的伦敦。”

《海上霸王》（1940）

格林说这番话的时候，第二次世界大战尚未擂响战鼓，待得几年后战况趋于白热化，好莱坞的英式电影方才进入高潮，他们孜孜不倦地把近代史上英国战无不胜的军事功勋搬上银幕，无疑是为了鼓舞在德国轰炸机下不屈反击的盟友。

用美国视点诠释英国的“英式电影”能够大行其道，但正宗的英国电影却很少在北美取得票房丰收。这并不奇怪，正如格雷厄姆·格林所指出的，其实好莱坞的所谓“英国”，往小了说，通常仅指英格兰一地，以英格兰来代表整个英伦三岛。

《鸳梦重温》（1942）

在三四十年代，横跨大西洋的旅行还不是那么方便，许多美国人在内心都奉英格兰为文化血脉上的祖先，因此英式电影既是对盎格鲁-美利坚传统的回溯，以示不忘本，另一方面影片中的回溯有时会对古老的英国社会中僵化的等级制度有所揭示，所以美国观众一面回想起故国的光荣神话，一面感激祖辈将自己生到一个更为新兴昂扬的自由平等之邦。

三

下面的问题自然而然产生了：为什么美国人这么热衷于拍“英式电影”呢？最容易的是从英美两国的亲缘关系上找答案。好莱坞本来就是由一大帮热心的亲英派人士把持的行业，他们吹捧、亲近英国，不足为奇嘛。

可能还有政治上的原因？考虑到“英式电影”的兴起远在二战爆发之前若干年，起码在一开始我们不能将爱国向上的主旋律归结为政治上的宣传目的。

但需要注意的是，作为一门生意的好莱坞电影产业，决不可能轻率地感情用事，无数的事实证明了，好莱坞在作出某项决定的时候，商业利益是永远放在头一位的，不可能说，既然咱喜欢英国人，就来夸夸你吧，老板会问，我夸英国人，会不会让我的银行帐户后头增加几个零？

《海外特派员》（1940）

这要从好莱坞的海外市场说起。

打从美国成为世界电影市场的领头羊开始，海外市场都是好莱坞的重要命脉，重中之重又是欧洲。30年代，好莱坞第一个损失的欧洲市场是西班牙。1936年西班牙内战爆发，随后佛朗哥登台，好莱坞被迫从此撤出了该国。

下一个“沦陷”的市场是意大利，墨索里尼一直对好莱坞电影在意大利吃香感到不满，为了支持本国的法西斯宣传电影大业，驱逐好莱坞是迟早的事。几次谈判后，设立了苛刻的配额制度，几乎令好莱坞片消声匿迹。

《海外特派员》（1940）

再说德国，本来这是欧洲最大的一块电影市场，不过30年代好莱坞从德国得到的收入只占海外总收入的一成而已，还不到英国收入的三分之一。部分原因同意大利，另外德国本身拥有完善的电影体系，且一直是好莱坞在国际上的头号竞争对手。

而法国，是有声电影发明后的大赢家，本国电影在30年代发展神速，战争爆发后遭德军占领，从此与好莱坞无缘。

其他欧洲小国的情况也好不到哪去，一个突出的现象是这些国家进口好莱坞电影的数量在市场上占很大优势地位，但一算票房总数，却总是输给本土电影。而美国的后院拉丁美洲虽远离战火，好莱坞倒是真的一统天下，但拉美国家经济落后，电影院数量加起来可能还不及美国国内一个州多，因此好莱坞在拉美的收入只占全部海外收入的十分之一。

《忠勇之家》（1940）

当时的形势便是这样。上面一直没提到一个国家，对了，就是英国。统计资料显示，在30年代，英国是好莱坞所有外国市场中最有利可图的一个，占到总海外收入的一半以上。进入二战，各大制片厂在华尔街股市上的市值直线下跌，濒临危机。因为战争显然更进一步缩小了好莱坞的海外市场。

所以制片厂在北美本土之外，会愈加依赖有限的那几个国家或地区，能否保住举足轻重的英国市场，此时此刻对好莱坞来说无疑是生死攸关。

与此同时，英国电影院的观众入场人次在战时创下了记录，而英国本土电影在艰难的条件下产量减少，所以美国电影的空间就变得更大了，好莱坞当然不可能放过这个机会拓展自己的市场份额。“英式电影”能够同时满足英美两国的观众，所以有各家制片厂趋之若骛，这也被证明是正确和关键的策略。

‘伍’ 很多人都喜欢看电影，那么电影的定义究竟是什么

电影是继文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、建筑之后出现的一种新的艺术形式。它发明于19世纪末期，由最初被认为是“小学生的玩意”、“奴隶们的娱乐游戏”逐步发展成为20世纪最广泛和最具影响力的艺术。它通过摄影机以每秒拍摄若干格画幅的运转速度，将被摄物体运动的时空转换过程记录在条状胶片上，然后将不同的胶片衔接起来，经过显影、定影。干燥加工成电影拷贝的过程，制成可以放映供许多人同时观看的影片。影片从最初拍摄一些活动的日常生活景象片断，发展到现在已能够拍摄丰富多彩、复杂变化的现实世界，具体形象地反映社会生活的能力和生动的艺术感染力。

由于电影的样式和片种繁多，有注重完整故事情节、刻画人物性格的故事片，有报道某一政治、经济、文化教育、军事或历史事件活动的记录片，也有运用各种美术手段和材料制作的美术片，还有记录舞台艺术表演的戏曲片等等。在这些种类中又包含若干片种。如故事片中有喜剧片、西部片、爱情片、科幻片等；美术片中有动画片、木偶片、剪纸片；记录片中有传记记录片、文献记录片、新闻记录片等。它包括文学、戏剧、绘画、建筑、音乐、舞蹈等各种艺术成分，所以被称为综1合艺术。

所谓综合艺术，指综合几种艺术成分而构成的艺术样式。其特征是：

集体创作。包括编剧、导演、演员、美术、摄影、录音多个创作部门艺术创造的有机配合；

利用现有的一切艺术表现手法。电影有含文学成分的描写和结构，有含戏剧成分的对话、内心独白、形体动作、面部表情，有含音乐成分的歌曲和与画面融合的视觉形象；

广泛的群众性文化。电影的构成是用活动着的画面和各种音响表达、表现世界各国的人和环境之间的关系以及由此形成的风俗习惯、生活方式、文化水平，且通俗易懂、明白晓畅。

但是，电影的综合性并不是指各种艺术成分的简单相加，而是指将各种艺术形式包含的艺术成分融汇贯通变成新的东西加以表现。它除具有一般文学艺术的共性特征外，还具有自己的个性特征。这在于电影艺术的表现工具与别的艺术表现工具不同。电影是用摄影机来反映的。摄影机具有真实记录反映对象及其运动的时空转换这一特点，由此形成特殊的电影表现手法和电影叙述语言，将各种艺术成分有机统一组合成新的艺术表现形象。

正因为如此，作为艺术的电影，虽然是诞生于众多古老传统艺术如文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……之后的最新最年轻的艺术，但也是迄今为止唯一可以让我们知道它的诞生日期的艺术。自1895年12月28日卢米埃尔正式公映自己制作的世界最早的影片获得成功至今仅百年的历史。而古老传统的艺术，其中有的已经历了上千或数千年的沧桑，它们问世的时日，就连专门研究艺术史的专家学者们也无从稽2考。电影和古老传统的艺术相比，它只能算个小弟弟。但是它后来居上，后生可畏，最年轻的艺术——电影，以其无可比拟的艺术魁力，闯进了世界艺术之林，一跃而成为最富群众性最具影响力的与世纪同龄的艺术巨人。其所以能如此，恰恰是由于它年轻，有它自己的优势。因为电影不仅是诞生于古老传统的艺术之后，而且它是吸取和消化了这些艺术的所长而又扬弃了它们的所短，有机综合了多种艺术因素而形成的一种新型的独特的艺术形式。因此，多种艺术门类的有机综合，是电影艺术最突出的美学特性，综合性是电影美的本质所在。

早期的电影研究家们从电影像谁这一命题出发，探讨电影艺术的基本持性和电影美的奥秘。他们所持的观点和所得的结论各不相同，大相径庭。有人认为电影像文学，有人认为电影像戏剧，也有的认为电影像绘画，还有的说像音乐等等。不一而足。于是便有“可见的文学”、“电影诗”、“视觉交响乐”、“沉默的旋律”诸如此类的说法，试图从电影美学的层次上对电影美的本质作出界说。这些见解虽知其相对的合理性依据，但在今天看来，其各执一端的片面性，则是显而易见的。电影既像谁也不像谁，电影就是电影，因为电影是吸取、包容了文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、摄影……多种艺术的因素、集它们于一身的综合艺术。

电影中包容了文学的因素，因为它从文学中吸取了一整套反映客观世界和现实关系的方法，从文学的各种体裁中广泛吸取营养，如从诗中汲取抒情性，从散文中汲取纪实性，从小说中汲取叙事性。在叙事手法上又借鉴了文学中的主观叙述和客观叙述，外部描绘和内心剖析以及多种形式的结构原则等。总之，无论从人物塑造、情节结构的安排、细节的描写、叙事的3方式，电影都借鉴了文学的经验而具有文学的因素。电影中存在的戏剧因素，表现在演员表演、场面调度、矛盾冲突和悬念等一系列艺术方法和手段的运用。电影中的音乐因素，表现在通过旋律配合画面，以营造环境氛围、渲染情感和节奏变化。至于电影中的绘画、雕塑、摄影等因素，不仅表现在造型性和视觉再现性上，对构图、色彩和光影的处理上，借鉴了这些艺术的经验，而且电影中的许多专用术语如画面、色调、影调、镜头、焦距等等，也都是从这些艺术中借用过来的。

电影从文学中吸取了一整套反映客观世界和现实关系的方法，从人物塑造、情节结构的安排、细节的描写到叙事形式等各个方面都借鉴了文学的经验、方法和技巧，因而具有文学的因素。但文学进入电影’，由于受电影的制约，经过消化、融合，已发生了质的变化，而非电影加文学。电影中的文学因素和作为语言的艺术的文学有质的区别。因为尽管电影广泛借鉴文学塑造艺术形象的经验、方法和技巧，但文学是通过语言文学这一唯一的媒介塑造文学形象，而电影则是通过画面和音响以及电影所独具的特殊表现手段——蒙太奇来塑造银幕形象。作家用语言来写故事、写人、写人的灵魂。文学形象是通过抽象的语言符号给读者以联想，银幕形象则是通过可见的画面和可闻的声音具体地直接地诉诸观众的视听感官。可见电影中的文学因素决不是电影加文学。

电影从绘画中吸取营养，包括构图、光影、色彩、线条的运用和处理，具有绘画的因素，但绘画进入电影并非电影加绘画，电影中的绘画因素受电影制约，与绘画艺术有质的区别。绘画再现生活的手段是线条和色彩，电影的手段是画面，并且有声音与之相配合。绘画中的造型形象只能是化动为静，静中4见动，不能表现对象的连续运动，银幕中的造型形象则始终是不断变化着的连续运动的造型形象。

电影从戏剧吸取营养包容了戏剧艺术的因素，但戏剧进入电影，因受电影的制约被消化融汇也产生了质的变化，并非电影加戏剧。电影的时空观念和处理同戏剧的时空观念和处理有着质的区别。舞台空间是固定的，银幕空间是不断变化的。舞台时间是现实的物理时间，银幕时间则可以自由延长、压缩、停滞的非物理时间。因此戏剧的时空表现受到限制，而银幕的时空表现则有很大自由。不仅如此，戏剧表演和电影表演也存在着质的区别。表演者的表演和欣赏者的欣赏共时共地，同时完成，这是戏剧表演的特点；而电影表演则是另外一种情形：表演者在场表演，欣赏者缺席；欣赏者在场欣赏，表演者缺席，表演者的表演和欣赏者的欣赏不可能共时共地，也不是同时完成。因此，这就决定了戏剧表演和电影表演各有自身的特殊规律而非一致。

其他各门艺术进入电影，同样要产生质的变化，凡此种种，说明电影吸取了多种艺术门类，并不是各门艺术简单地相加拼凑在一起，而是经过了化合的有机的综合整体。电影吸取了多种艺术门类而形成综合性的审美特性，就其实质来说，乃是时间艺术和空间艺术的有机综合。正因为如此，作为时间艺术与空间艺术相结合的新型艺术——电影，它克服了传统的纯时间艺术难以充分表现空间和传统的纯空间艺术难以表现时间的局限与不足，既可以充分表现时间又可以充分表现空间，因而具有巨大的表现潜力和艺术可能性。由此也不难看出，包容了多种艺术门类的电影的综合性实质，还在于它是视觉艺术和听觉艺术的综合，它克服了纯视觉艺术难以满足人们对听觉形5象的审美需求和纯听觉艺术难以满足人们对视觉形象的审美需求的局限，而具有可以融合视听两者之长的优势，成为一门最富群众性的艺术形式。

电影的诞生

电影的诞生是科学技术发展到一定阶段之后的产物，它涉及到物理学中的光学、电学、化学、生理和心理学以及机械制造和摄影技术，当这些技术发展到相当水平后才促使电影的出现，并随着这些学科及技术的发展而发展。

首先是视觉暂留原理的发现和确立为电影的产生提供了必要的条件。什么是视觉暂留原理呢？少年朋友幼小时候可能见过并玩过一种叫做幻盘的玩具。在一张圆形的硬纸板上，一面画着一只小鸟，另一面画着一个鸟笼。当你拉紧系在纸板两端的绳子，让纸板快速旋转时，好像小鸟关在笼子里了。如在黑暗中点燃一支香，用手持香作圆圈快速挥动，我们就会看到一个人圈。这些就是视觉暂留现象。这时因为反映在我们视网膜上的视象不会立即消失，人所看到的视象有视网膜上具有滞留性的特点。科学家试验并确证，视像在眼前消失之后，仍然能够在视网膜上保留0．l秒左右的时间。今天的电影，胶片上每画格中的影像都是静止不动的呆照。但是，通过给我们以连续运动的幻觉，这就是运用视觉暂留原理而产生的效应。

其次，电影的发明是在摄影的物质条件和技术条件不断完善的基础上才得以实现的。实际上意味着快速摄影，而普通摄影的拍摄对象，一般只能是静物或人物呆照，不能拍摄和表现出连续运动中的人和物。据说19世纪50年代，有位摄影师想6表现一个人放下手臂的动作，他采用的办法是：首先拍摄这个人举起手的姿势，然后把未曝光的胶片重新装进照相机，再来拍摄这个人的手稍微放下一点的姿势，如此这般逐次地拍摄，一直拍摄到这个人把手完全放下为止。拍摄一个简单的动作竟如此困难和烦琐，如要拍摄快速复杂的连续运动，自然更加无能为力了。如：1872年美国有位富商和人打赌，他认为马在奔跑时，它的4只蹄会同时离地腾空。为证明自己的判断是正确的，他不惜以重金聘请一位摄影师来拍摄马在奔跑时的实况。摄影师在跑道上安置了40多架照相机进行连续拍摄的试验，花了几年的工夫，直到1880年才完成这项实验，虽获得成功，但他所拍下的片子只能放映一两秒钟。可见一般的摄影技术是不可能适应电影摄影的需要的。1888年法国生理学家马莱经过多年探索，终于制成了活动底片连续摄影机，才首次为电影摄影奠定了初步基础。

还有，适应电影摄影需要的胶片，必须依靠化学工业及其技术才能生产，而胶片必须通过放映机平稳、均衡的速度把光影投射到银幕上也并非易事，它有赖于机械工业为制作放映机提供先进的技术条件。1894的爱迪生发明了“电影视镜”，每次可放映半分钟，但每次放映只能供一人观看，卢米埃尔从缝纫机的运作工艺得到启发，在前人探索试验制造放映机的基础上获得较大突破，发明了胶片以每秒16画格的均衡速度通过放映机片门的放映技术，遂使影象清晰稳定地投射到银幕上供大家观赏，终于迎来了电影的诞生。

1895年12月28日——人类文化发展史上一个不平凡的具有特殊意义的日子。这一天，法国里昂的企业家、摄影师路易·卢米埃尔兄弟，在巴黎卡普辛路14号大咖啡馆的印度沙龙7内，向社会正式公映了自己制作的几部“活动照相”，如《火车到站》、《工厂大门》、《婴儿喝汤）、《水浇园丁》等世界最早的影片。世界影坛和电影史学家们公认，它标志着电影发明阶段的结束和电影时代的正式开始。伟大的电影先驱者卢米埃尔，为世界电影史谱写了光辉的第一页。

电影的发展及流派

1．电影的发展

法国电影理论家马尔丹说，电影成为艺术，是从导演们想到挪动摄影机那一天开始的。卢米埃尔作为伟大的电影先驱者，揭开了电影史的第1页。但卢米埃尔的电影，都是固定视点拍摄，摄影机与被摄对象的距离、角度等关系不变，自始至终是一个全景，一分钟一部电影，一部电影只有一个镜头。法国的电影先驱者梅里爱，把戏剧引入电影，并创造了停机再拍、叠印、多次曝光等拍摄手段，使电影获得生机和振兴。但梅里爱的全景内容是舞台上的科幻、神话、魔术等不同表演，形式仍然是复制的戏剧节目被人称为“前排观众眼里的戏剧”。因此它们还不是真正的电影艺术。

被誉为美国电影之父的电影艺术家大卫·格里菲斯，对电影的发展作出了不可磨灭的历史贡献。他的伟大功绩在于改变了卢米埃尔复制现实和梅里爱复制舞台、以场景为构成影片的基本单位的作法，而采用不同距离、不同角度和不同方位来拍摄所要表现的拍摄对象，以镜头构成影片的基本单位。他摄制的影片《一个国家的诞生》（1915）和《党同伐异》（1916），不仅标志着当时美国电影的最高水平，同时也是世界电影史上8的经典名作。

摄影机挪动的标志是电影迈出历史性的一步，它终于突破了活动照相和复制戏剧的局限，真正成为一门独立的艺术。

电影发展史上发生的两次重大的技术革命，使电影艺术跨入了成熟的阶段。

本世纪20年代末30年代初发生的由无声电影发展到有声电影的技术革命，是电影发展史上第1次重大的技术革命。

电影自诞生以来的数十年里，一直是只有供人观看的画面而无声音的默片——无声电影，因而被人们称之为“伟大的哑巴”。直到20年代末，由于电子工业的发展，声频真空管和光电管的发明以及录音还音设备和技术的逐步完善，这一系列技术成果的取得，才为电影的首次重大技术革命——由无声电影发展到有声电影奠定了技术基础，为使“伟大的哑巴”开口获得了良方。1926～1927年间，美国的华纳兄弟电影公司率先推出了能说话会唱歌的有声影片《爵士歌王》、《唐璜》等。1930年以后，制片商竞相仿效，有声电影开始风靡于世。有声电影的问世，使电影获得了声音，电影已不再是纯视觉艺术，而是视觉艺术与听觉艺术相结合的艺术。它更好地满足了电影观众的审美需求。

电影史上第2次重大的技术革命，是30年代中期彩色电影的问世。

电影自诞生以来的数十年间，还存在着另一严重缺陷，这就是它没有色彩，一直是黑白片。电影家们为消除电影患有“色盲”症的缺陷，开始了不断的探索、试验以寻求良方。如有的电影家曾试用人工着色的办法，在胶片的画格上逐一涂色，以克服银幕上只有黑白世界而无真实的色彩世界的缺陷。9但是，面对多彩的客观世界，这种人工着色的办法，是难以在银幕上获得满意的效果的。正因为如此，1935年由于生产具有特殊感光性能的彩色胶片的工艺得到满意的解决，美国导演马摩里安摄制的世界第一部大型彩色影片《浮华世界》（根据英国作家萨克雷的着名长篇小说《名利场》改编）在美国诞生了，40年代初以后，彩色电影开始遍及全球。

由此可见，依靠现代科技的装备，电影才从视点解放、从无声发展到有声、从黑白发展到彩色。随着当代高新科技的发展，当代电影又从普通银幕电影发展到宽银幕电影、立体声电影、环形电影、全息电影等等。随着电脑技术的发展又出现了《侏罗纪公园》、《空中大惯篮》等一些充分利用电脑来拍摄的新的电影，为电影的进一步发展开拓了一条新的思路。

2．电影的理论流派

在涉及到与电影有关的问题时，总听到蒙太奇这个名词，那么蒙太奇究竟代表什么意思呢？

蒙太奇，是法语的音译，原来是指建筑学中的构成、装配。借用到影视艺术中有组接、构成的意思，也就成了影视片中分切、组合的代名词。一堆建筑材料，没有生命、没有任何美感，到了建筑师手里，却可以把它们组合成风格不同、式样不同的各种建筑。它是电影语言中最基本的语言，如果对关系电影美学基础的蒙大奇问题不甚了了，那么，作为电影导演，是不可能拍出好影片来的；作为电影编剧，也写不出好剧本；作为影评人，难以评到点子上；同样作为电影观众，也难以看出个名堂。

前苏联着名导演库里肖夫曾做了一个实验来说明蒙太奇的效果。他从一部由当时苏联最有名望的演员莫兹尤辛主演的旧10片中，选出一张毫无表情的特写镜头；另外，又从别的影片中选出表现一只饭桌上的汤碗、一口棺材和一个孩子在玩耍的镜头，分别把莫兹尤辛的特写镜头与这3个镜头随意结起来放映，果然出现了奇迹。莫兹尤辛的脸不再是无表情了，而是呈现出饥饿、悲伤和慈爱的表情。

一般来说，电影蒙太奇的基本内涵就是镜头的分切与组合。

一部影片通常一般由数百个或千余个镜头组成。而一个镜头，是指自摄影机起动始，至摄影机停止运作止，一次连续摄录在胶片上的画面。电影艺术家根据既定的思想艺术意图，对人物、事件、动作、环境等被摄物分别拍下许多不同景别，不同角度和方位的画面镜头即分切；然后再按原定的构思方案，把这些不同镜头有机地艺术地剪辑组合在一起，使这些镜头相互间产生连贯、对比、隐喻、象征、烘托、悬念、节奏等有机联系并构成整体，组成一部表达一定思想艺术内涵并为观众所理解的影片。所以，说到底，蒙太奇就是电影艺术家用以叙述故事的一种方法，是电影语言中的重要组成部分——电影语法。

随着电影的发展，其内涵也随之不断丰富和拓展。在无声电影中，蒙太奇的分切与组合，仅限于镜头与镜头之间的外部关系。一旦电影获得了声音和色彩，蒙太奇也参予了声音和色彩的分切与组合。蒙太奇参予声音，形成了声音蒙太奇，它涉及声音与声音、声音与画面之间的关系。后者又包括声音与画面同步即声源来自画面中、声音与画面分立和声音与画面对位即声音与画面不同步，声源不在画面中等不同关系。蒙太奇参予色彩，形成色彩蒙太奇。此外，蒙太奇的分切与组合还可以11通过人物和摄影机的不同调度在一个长镜头内成，对此人们称之为内部蒙太奇。

第二次世界大战结束以后，世界的格局发生了变化，电影无论从技术方面还是从艺术方面来说，也进入了快速发展的阶段。

从艺术方面来说，许多电影艺术家已经不满足于固定传统，他们追求现代意识，刻意创新，许多新的理论、流派都纷纷出现，其中影响比较大的有：以法国为中心的先锋派，在意大利兴起的新现实主义，在日本兴起的独立制片运动，在法国兴起的长镜头理论、新浪潮主义等。

长镜头理论源自于安德烈·巴赞。安德烈·巴赞是法国的一位电影评论家，他认为，电影的最大优点是真实地反映客观世界，而传统的蒙太奇手段却是人为地把影片按照编导自己的观点和想法进行剪接，实际上是强迫观众接受编导者的思想，因此，电影就失去了它的意义。他主张，不要把时空随意割裂，从而限制观众的知觉过程。因此，他强调要把事件的全部真实过程拍下来，让观众自己欣赏、品评，这样就造成了长镜头的出现。因此，巴赞的理论也就常常被人们称为长镜头理论。其实，它还有个名称，叫做场面调度理论。巴赞的理论有它的积极意义，因为他强调让观众自己去理解、品评，“看他们自己想看的东西”。

对于蒙太奇理论和长镜头理论，虽然有些电影理论家各有偏爱，但实际上，两者都有它们的积极作用，也都有它们的不足。有人用长镜头理论否定蒙太奇，认为蒙太奇已经过时了，这样把长镜头理论反映到了绝对的地位，又走向另一个极端了。应该说，这两种理论都大大地丰富了电影语言，因而，也12就推动了电影艺术的发展。

60年代中期，在西方结构主义思潮的影响下，电影符号学在法、英、意大利等国兴起，这是世界电影理论发展史上的第三个里程碑。它以1964年法国的电影家克里斯蒂安·麦茨发表的题为《电影：语言还是言语？》的论文为开端，标志着这一新的电影理论的脱颖而出。和前两种电影理论不同，电影符号学不是电影理论的一个流派，和电影的创作实践的关系也不是很密切，它是读解影片本文对影片的分析和研究和对电影进行纯理论性研究的一种倾向和方法论。

70年代以前的电影符号学，总的来说，是以结构主义语言学为理论框架，注重结构和表述结果的静态研究。70年代以后，引入了拉康的精神分析学和西方马克思主义，并注重了表述过程的动态研究，标志着电影符号学第2阶段的开始。

中国电影发展历史

1896年8月11日电影传入中国。当时外国人在上海徐园的又一村茶楼中放映了一部表现外国人生活的影片，引起了轰动，被称为西洋影戏。从此，法国、英国、俄国、意大利人也纷纷把自己国家的影片输入中国，在酒楼茶肆中放映。

中国自己拍映的第1部影片当数1905年，由北京丰泰照相馆老板任景丰拍的《定军山》。这是一部短戏剧片，主演是当时着名的京剧演员谭鑫培，《定军山》是谭派的保留剧目。京剧是当时中国人最喜爱、最熟悉的剧种，谭鑫培又是当时最受欢迎的京剧艺术家。任景丰当时的选择用今天的观点来看，是颇有精品意识的，因此，影片大获成功。报载，放映时有13“万人空巷来观之势”。当然，由于那时还是默片时代，所以任景丰等人只拍了其中请缨、舞刀、交锋等武打或舞蹈比较多的场面。

本世纪20年代前后是中国的电影事业的萌芽时期。1917

年，中国有了第1所自己的电影企业——商务印书馆影片部。一些影片的样式，如故事片、武打片、纪录片、风光片，动画片都出现了，但基本上还是在探索阶段中。那时拍出的一些影片，如《严瑞生》、《红粉骷髅》等，无论在影片的内容上、艺术性上，都很低劣。不过那时也确有一些影片具有积极意义。如我国的第1部短故事片《难夫难妻》，在一定程度上反映了包办婚姻的不合理。1913年，由美国人出资、中国人拍摄的

《庄子试妻》成为第1部送到外国去的影片。1931年，还诞生了我国的第1部有声片《歌女红牡丹》。

30年代初，中国左翼作家联盟的成立，标志着中国左翼

文艺运动的兴起，同时也标志着左翼电影的兴起。“九·一八”和“一·二八”时日本帝国主义对中国的侵略，唤起了中国人民的觉醒。在中国共产党的领导下，进步的电影工作者拍出了许多具有积极社会意义、又有相当艺术水准的影片，如《春

蚕》、《桃李劫》、《风云儿女》、《自由神》、《神女》、《新女性》、《十字街头》、《马路天使》、《狼山蝶血记》等。孙瑜执导的《野草闲花》不仅在内容上有一定的社会意义，而且其中的

《寻兄词》开了我国电影插曲的先河。蔡楚生的《渔光曲》，在中外都产生了很大影响。这一时期，我国电影艺术家对于电影语言的运用更加纯熟了，推、拉、摇、跟、升、降的摄法，各种蒙太奇手段的运用，都达到了比较高的水平。1937年以后，我国的电影艺术工作者在抗日战争中拍摄了《塞上风云》、《八14百壮士》、《长空万里》等影片，鼓舞了中国人民的斗志。

抗日战争胜利以后，国民党统治区的进步电影工作者拍摄了《一江春水向东流》、《八千里路云和月》、《万家灯火》、《三毛流浪记》、《乌鸦与麻雀》等影片，有力地揭露了国民党反派的腐败和反革命的本质。而物质条件技术设备极差的解放区也开始建立了自己的电影企业，1946年，东北电影制片厂在现在的黑龙江省鹤岗成立，为人民电影事业的发展奠定了基础。

解放后，我国的电影事业取得了有目共睹的成就。不仅成立了许多新的电影制片厂，一些着名的优秀电影艺术家创作。拍摄了许多优秀的影片，而且涌现了许多新秀。一批影片，如《白毛女》、《钢铁战士》、《梁山伯与祝英台》、《聂耳》、《我这一辈子》等还在国际上获奖或者获得好评。十年浩劫，曾给中国的电影事业带来了极大损害。打倒“四人帮”以后，尤其是在党的十一届三中全会以后，中国电影事业进入了一个全面发展、空前繁荣的时期。许多新的题材、新的办法、新的电影艺术家大量涌现，并且取得了很大成就。以谢晋、陈凯歌、张艺谋为代表的中国导演们拍摄了一批《天云山传奇》、《黄土地》、《红高粱》等有国际声望的电影，中国的电影像中国的经济一样已稳步走向世界。

‘陆’ 一部90年代看的外国西部片电影，求解

你说的应该是《荒野大镖客》
或者是《西部往事》
应该就是《荒野大镖客》
满意请采纳哦~
哦，那是《西部往事》？

‘柒’ 英国人最喜欢干什么

在其他的欧洲人看来，英国人，尤其是英格兰人的最明显的特点是“沉默寡言”。一个沉默寡言的人不大同陌生人说话，情感不大外露，也很少激动。要想了解一个沉默寡言的人很困难：他从不谈及他的身世，即使你与他工作数年，也许你不知道他家住在哪里，有几个子女，有些什么兴趣爱好。英国人往往就是这样。

乘公共汽车旅行时，他们会尽量找到一个空座位；乘火车旅行时，他们会尽量找到一个空隔间。如果他们不得不与他人共坐一个隔间，火车开了数英里也许还不见他们开口说话。即使打开了话匣子，他们也不轻易问起“你多大了？”或者“你贵姓？”之类的个人问题。

从某些方面来说，这种不愿与人交往的特点是件令人遗憾的事情，因为这往往给人以冷漠的印象。除了北方人以外，英国人从不以他们的慷慨大方和热情好客而着称。另一方面，虽然他们表面上沉默寡言，但内心还是很有人情味。当友善的陌生人或外国人打破沉默时，他们也许会感到很高兴。说到这里，也许我们应该提一句，英国的北部和西部的人，特别是威尔士人，远不象南部和东部的人那样缄默。

与英国人的缄默密切相关的是英国人的谦虚。在英国人的内心，他们的自负不亚于任何其他的民族。但在与别人交往时，他们注重谦虚，起码要表现出一种谦虚的姿态。自夸被认为是不礼貌的。比如说，一个人网球打得很好，当有人问他是不是一个网球好手时，他很少会回答说“是”，因为如果他回答“是”，人们会认为他很自负。他很可能会这样回答：“还不错。”或者“我觉得我还行。”或者“嗯，我挺喜欢打网球。” 即使他在去年当地的网球锦标赛上打入了决赛，他也许会说只是碰上了好运气。

名的英国式幽默感也与此相似。其出发点是自贬，其大敌是自负。其目的是能够自嘲——嘲笑自己的错误，自己的失败，甚至自己的理想。在英国，幽默感受到高度重视，经常听到“他没有幽默感”这样的评论。幽默感是对生活的一种态度，而不仅仅是一听到笑话就能够开怀大笑。这种态度决不是冷酷，决不是无礼，决不是恶毒。英国人从不嘲笑残疾人或精神病人，也从不会对一件悲惨的或虽败犹荣的事情幸灾乐祸。

因为沉默寡言、谦虚的表现和幽默感是英国人天生性格的组成部分，典型的英国人总是期望别人也具有这种品质。他从心里看不起那些容易激动的民族，总是认为他们没有自己可靠。他不相信信誓旦旦的诺言，也不相信感情的直接外露，尤其不相信用华丽的语言做出的承诺和表达的感情。他对任何的自夸之词都不相信，不管是人们口头告诉的，还是写信书面表达的。在那些喜欢用华丽辞藻的人看来，英国人可能显得冷漠，让人感到很不舒服。

‘捌’ 英国电影和美国电影各自的侧重点

英国人更具西方代表 他们都是太过按照逻辑指令做事 电影中对话太多 对白中太多道理 经常爱用哲学来表达思维 讲究情调 总是一种慢节奏的姿态 不过很多人就喜欢这么样的慢慢品。就连魔幻片【指环王】也是对白太多 不像其它那种轰轰烈烈。美片给人感觉 狂野 潜意识就会想到 摇滚 辣妹 自由开放 还有流氓~ 萝莉杀手 老头也疯狂 和加拿大的电影风格很相似。比如杀人的时候 英国片逻辑指令的严重性 促使他们都爱在杀人前讲清楚你为什么要死 或是其它的道理 甚至慢慢跟你讲哲理。美片一般都是直接干掉 爱爆粗口：“发扣””G0娘养的“乡巴佬”。至于口音方面不是对英语很精通的人士 一般没区别的 不过老外就不一样了 好像“电影”这个单词它们就不一样

‘玖’ 电影教父为何被奉为经典

传统意义上的黑帮电影，总是沉迷于激烈的枪战，或者血腥的砍杀场面，又或者是浮夸的西部风情。而影片《教父》则不同，它从另一个角度诠释了真正的美国黑帮应该有的样子。整部影片很少出现血腥的场面，就连家族互相袭击也是点到为止。

相比血腥暗杀，这部影片更加注重对人物攻心的描述，以及家族之间对于计谋的使用。因此，通过《教父》这部影片，人们也认识到了美国黑帮的另一面——不只是打打杀杀，更重要的还是相互之间谋略水平的较量。

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而更让人诧异的是，本届教父，居然会因为拒绝贩毒而与其他黑帮同行翻脸，从而使自己遭人暗算。这一切都让人无法与“无恶不作”这个词语联系起来，比起以往的黑帮，甚至是一般人，这个教父简直就是个“大善人”了。

这就是这部影片最出彩的地方了：人人都有两面性，就连黑帮一样。导演通过不同的角度告诉我们，一个黑帮之所以能够发展壮大，仅仅靠暴力是远远不够的，它还有许多不为人知的一面。而这一面往往与其留给大众的印象很不一致。

‘拾’ 英国电影为什么好看

它们制作精致，剧本考究。
剧情还是服装道具场景布置都值得仔细回味，英国电影在我看来本身就是一件艺术品，值得一看再看。
英国是一座非常多元化的国家，它历史悠久，是许多文学作品的故事背景地，又设有大量的博物馆、美术馆等艺术机构。许多大制作公司、特效和后期制作公司都集中设在英国。它为《雾都孤儿》、《诺丁山》、《真爱至上》、《V字仇杀队》、《理发师陶德》、《国王的演讲》等闻名世界的电影提供背景。