英国文化歌手暗喻什么

❹ 如何评价英国着名歌手Adele

我个人认为阿黛尔(Adele)是一个很有灵魂的女歌手,于2007年12月10日，阿黛尔被授予与第一次全英音乐奖评论家选择奖。在2016年04月21日 -据国外媒体报道,年轻的英国女歌手阿黛尔(Adele)已经成为了英国有史以来最富有的女歌手。

总结一下吧。Adele很成功，逆天的销量，数不清的奖项，格莱美批发专业户，都是她足以辉煌一生的资本。但是作为一名艺术家而言，长期没有创新没有变革的她无疑是平庸的是无为的。我们不能强行要求她做出改变，但我们真切希望她能够随着这个时代前行下去，做一个真正在音乐上开疆拓土的艺术先锋，不论成功与否，她都有既得成就做保险，更有作为听众甚至是粉丝的我们默默支持她祝福她。只有这样她才能够跳出成人抒情的圈子，真正成为名留乐史的艺术家。

❺ 老鹰乐队的《加州旅馆》是否暗喻着加州的监狱呢

记得最后一句吗？
“你随时可以结帐，但你永远无法离开”
要是这首歌仅仅只是讲述一个监狱的故事，那么他就不可能成为经典
我认为他要表达的是美国的中产阶级的精神困境，在这个物质文明高度发达的国家如同困兽一般无法解脱，社会如同监狱

引用一些内容：
我认为，这个Hotel California其实就是：Hotel U.S.A。因为当时的很多事物都是在美国西海岸发展起来的，比如HIPPIE，比如年轻人狂热的思潮。这就使得加利福尼亚在那时成了年轻人向往的地方。同时，在设个时代所诞生的描写加利福尼亚的歌曲也不少，就说明了这一点。六七十年代的加州是美国社会、文化等诸多问题最为典型的地方。所以，在一定程度上，这个时代的加州也代表了美国社会的缩影。歌曲想反映美国社会，所以起名叫加州旅馆，在美国人看来一提起加州思绪就回到了那个时代。打个比方，就像我们中国人一提起大庆，大家就会想到那个建设时期的中国，提起深宴脊圳，就想到改革开放一样。加州就是那个时期美国的代戚猛名词。

再接下来的正文中，刚到第三行就有麻烦了。"Warm smell of Colitas rising up through the air"。What is COLITAS？网上的文章大多数就是在争这个问题，虽然解释五花八门，但最终观点统一：Colitas并非英文，而是西班牙语。是大麻（可以制作兴奋剂的尖端嫩叶）的意思。为什么在歌曲里会出现西班牙文？这个不难理解，因为加州和墨西哥接壤，墨西哥人讲西班牙语。加州的墨西哥人也不少，引用几个西班牙语是可以理解的。（是不是北部的歌曲会有法语出现呢？呵呵，推测而已）知道了这一个词的意思，整个歌曲就好理高祥桥解了。"My head grew heavy and my sight grew dim"，不难理解，毒瘾犯了。而随后的那些光怪陆离的景象,应该可以解释为毒瘾发作时的幻像。而这种幻像并不但只描写feeling groovy。而且暗指当时的美国就是这样的一个看起来光怪陆离，物欲横流，精神空虚的社会。

看看这几句歌词："Her mind is Tiffany-twisted, she got the Mercedes bends. She got a lot of pretty, pretty boys, that she calls friends. How they dance in the courtyard, sweet summer sweat. Some dance to remember, some dance to forget."还有"Mirrors on the ceiling, The pink champagne on ice"

Tiffany-twisted到底是什么意思呢？先暂时不看，后面的Mercedes bend不用过多地解释，见到Mercedes就应该想到德国名车——梅塞德斯•奔驰。但是，众所周知，奔驰的英文名称是:Benz，为什么用bends? Bend这个词是扭曲的意思。再看看前面的两个词，根据一些网上评论的提示，我比较倾向于认为Tiffany并不是纱的意思，金山词霸上这样解释："蒂凡尼，路易斯•康福特1848-1933美国艺术家，他发展了一种用于彩色玻璃窗、灯罩和其它装饰品的乳白色玻璃"而网上的评论说，这种玻璃制品很昂贵。而twist也有扭曲的意思，这样就知道为什么作者把Benz错拼成bends了。名车，名贵玻璃饰品，加上两个扭曲。是指当时扭曲的奢华物质生活。我们想象一下这样的情景，用慢镜头表现，很多人在里跳舞，很疯狂，暗淡光线透过名贵的有色玻璃，把各种颜色的光线投射在人们身上。粉红的香槟酒被冰镇着，大厅天花板是那种镶嵌有豪华的镜子的那种，折射出外面院子里纷乱的人影。院外停着红色的梅塞德斯•奔驰。人们就在慢镜头中扭动着身体，光线被扭曲了，空气也被扭曲了……这就是我对上述歌词中破碎的场景的理解。也是我认为Tiffany应该解释成有色玻璃的原因。这段歌词既可以理解成为是对吸毒感受的描写，也可以理解为是含沙射影的写实。

接下来的一段更加令人费解的歌词是："They gathered for the feast. They stab it with their steely knives, But they just can't kill the beast. "聚餐？聚什么餐，就是在吸毒。而那些飞舞的刀叉就是指吸毒的工具。那头他们不能杀死的野兽就是指他们无法摆脱的毒瘾。这也表明了这些瘾君子在过瘾时，心中的那种痛苦、恐惧与无助。而这种感觉正像当时美国始终无法摆脱它天空上的阴霾的感觉一样。人们想把经济搞上去，想极力扭转社会风气，但是，很困难。这种感觉是不是很相似呢？

在歌曲的最后，"我"终于反应过来我进了"黑店"。"我"想跑出去，但是，不可能了。Night man告诉我"You can checkout any time you like, but you can never leave!"的确，到这里，是些吸毒最为明白的一部分了。你要不停的买，不能停，直到——死！同时我还觉得，这段话反映出了baby boomers进入七十年代后，开始了冷静与成熟的思考，可这时的美国社会却毫无起色，直线下降，他们觉得自己陷入了漩涡，到处是灰蒙蒙的，看不到前途。对自己的毫无所为有一种极大的失望，甚至是绝望的感觉。因为最后一句话就是在写吸毒，所以这么想有一点牵强，当我想，这种感觉在他们当时是肯定有的。

下面就我就结合当时的历史背景来分析一下为什么这首歌这样受欢迎。Eagles于1977推出了第五张专辑《加洲旅店》，刚一问世便赢得了一片叫好声，这张专辑被誉为七十年代美国最重要的专辑。在这张专辑里雄鹰以一种极为颓废的方式反映了七十年代美国那种世风日下，混沌与散漫的社会风气。

从1964年开始，已经成为青年的人数众多的baby boomers开始走上了历史的舞台。随着Ken Kesey的LSD 的推广；随着Hippie的出现；随着越南战争的升级……，年轻人用自己的激情在社会中激荡着。对父辈的憎恨，与社会传统观念的摩擦，与政府持有的不同政见，使得他们不停的在爆发爆发……在1969年，Woodstock的摇滚音乐节，这是一个让一切对音乐有过奢望和理想的人一想起来就热泪盈眶的盛会。有一篇文章上这样描写："想一想吧，45万人如蚁群一样站在泥地里，站在瓢泼大雨中，他们包括来自全美各地的愤怒青年、摇滚乐手拥趸、行吟诗人、自由艺术家和亚文化代表。"这种狂风暴雨式的文化变革，思想变革影响了六七十年代的西方世界。有人这样评价："这种翻天覆地的断裂式的思想变革随着各种社会矛盾的剧化带动了一代人在广阔区域内（西欧、北美、日本）的离经叛道之举。参加者数量之巨，声势之壮，在人类直立行走以来的文化史中都属罕见。它和欧洲文艺复兴自上而下的保守的启蒙过程不同，它的发生发展过程有如脱笼猛虎挟风雷之势践踏每一片不合理的存在。"（我总以为，六七十年代在我们国家有"文化大革命"，不稳定。这样看来在资本主义国家也是这样的呀，不稳定too，呵呵）。

进入七十年代以后，baby boomers逐渐进入了而立之年，正向老师所讲的那样：生儿育女的重担使他们在政治和文化上的热情减退。就正在此时，美国社会正在经历前所未有的困难，从政治到经济，没有一项尽如人意。水门事件，能源危机，通货膨胀，越南兵败……。这些社会危机让整个美国的国家自信像自由落体运动似的，直线下降。在社会深层，这些危机连同高涨的犯罪率，社会动荡。使得整个美国乌烟瘴气。也是在这时，一场全球规模的经济危机爆发了。人们恐惧的面对着这场经济萧条，在此期间，通货膨胀率一度达到11％。这意味着，如果你把你的工资存在一个特定的帐户中，随着美元贬值，你的100美元一年后就剩下89美元了。美国人学会了如何在价格高涨之前就把东西赶紧预订了，等到通货膨胀时再付钱。"随着成倍的通货膨胀，"波士顿大学的斯库曼教授说："勤俭节约只能吃哑巴亏。"也就是在这时，美国人荒淫奢侈的生活开始了。没有人再关心政治了，只有世风日下，只有混沌与散漫的社会风气。人们吸毒，然后疯狂或是想回忆过去，或是为了忘记现实，"Some dance to remember, some dance to forget"正是表达的这个意思，其中的some不是修饰dance的，而是代词，指某些人。这些人想超脱于现实生活，但是又陷入毒瘾与物欲中无法解脱。大家在阴霾的七十年代痛苦的挣扎着。各种还有一个细节是："So I called up the Captain,'Please bring me my wine'He said, 'We haven't had that spirit here since nineteen sixty nine'" 当时不理解这一句话，后来差了金山词霸才知道spirit还有烈酒的意思，比如，spirit-lamp是酒精灯的意思。但是，此处作者肯定是利用一词多义，spirit是精神的意思，是什么精神呢？从1969年以后就没有了，1969年发生了什么事？Woodstock。是的，在那个时代人们的那种激情在七十年代已经荡然无存了。这就是为什么We haven't had that spirit here since nineteen sixty nine。

至此，这首歌在凌乱的歌词下反映美国社会的目的就已经很清晰了。在七十年代，已经有许多歌手们觉得不能再这样下去了，他们开始反毒品，反对人们的碌碌无为，反对荒淫无度的生活。他们希望这个深深中毒的社会能够摆脱出来。Hotel California在七十年代中后期推出，我不知道当时eagles是否想以这样反映社会的手法唤醒社会，是不是他们也是那些纠正风气的人们中的一员。但是至少他们的歌在人数众多的baby boomers中引起了强烈的共鸣，并深深的刺痛了人们的心灵深处，使得人们反思。这也就是，这首歌在七十年代才有那么高的地位，并且广受欢迎知道今日的原因。

❻ 为什么称呼英国歌手詹姆斯.布朗特为【上尉诗人】

詹姆斯·布朗特（James Blunt）自出道来就得一美誉，“上尉诗人”。上尉是说他之前当过兵，诗人是说他唱歌很妖娆。歌坛里有诗人之称的不在少数，但能够得上上尉级别的还真不多，詹姆斯·布朗特，这个英国男人，一入道就比其他人名声大。但称呼就只是个符号，更多时候就是张空头支票，兑现不能，叫保罗·麦卡特尼（Paul McCartney）都得叫“爵士（Sir）”，提迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）都得提“天王（King）”悔做。这多半是出于尊重，与肯定其成就与否无关。“上尉诗人” 詹姆斯·布朗特，有时候甚至是一种调侃。事实上，他也并不是明星坯子，因为没有偶像气质，硬件条件太过于欠缺，既没有美到让男人想搞基，也没有丑到女人想骂娘。如果当初不是在歌曲《You Are Beautiful》的MV里连脱掉上衣鞋袜，真看不出他能单靠身形有何吸引大众的魅力。《You Are Beautiful》是火了，火到即使现在大多数人也都能将它随口就唱出来，这与《老鼠爱大米》在国内走红的道理是一样，一首简单到不能再简单的歌曲突然一下像病毒般传播开来。时机占了一半功劳，就是钻了流行歌坛的空子，因为与其它流行曲子不一样，所以让人觉得新鲜。但，这种奇迹只能发生一次，《You Are Beautiful》2.0版未有出现，从后来的几张专辑来看，詹姆斯·布朗特也的确未能再创狂销奇迹。《You Are Beautiful》对于詹姆斯·布朗特来说就是头顶上一高悬的光环，有一圈足以，再多几圈也就那么大的敬前棚亮光。詹姆斯·布朗特不适合走完全主流的道路，他跟戴米安·莱斯（Damien Rice）才是同胞兄弟，两人都可以写出沁人心脾的好歌，但这些歌不应该成为完全的流行口水歌，这对于歌手本人是屈才且完全不合适的，歌手都有各自成长的土壤，此二人就该是独立歌手的范儿。由于《You Are Beautiful》的大热，詹姆斯·布朗特的处女作《Back to Bedlam》不小心就成了主流专辑，而后的《All the Lost Souls》却证明，他并非主流歌手的范式，而是小众歌手的料子。好事的媒体将《All the Lost Souls》猛批一顿，因为他们再也找不到《You Are Beautiful》。其实歌手写歌就是揭伤疤，揭一次可以，要次次都揭同一块伤疤，那结果只能是麻木不仁。詹姆斯·布朗特没有揭开同一块伤疤，这其实是自我救赎，他无法为了成就大名而去专职写口水歌。《Some Kind of Trouble》就是最好证明，他早就将百万销量的成绩抛到脑后，安心做一独立小众歌手。现实地想，以《Back to Bedlam》的销量成绩足以让他过好后半辈子，既然衣食无忧了何不做点自己喜欢的事情？唱慢情歌，不仅仅是他喜欢做的，而且是适合他做的事情，只有这样，大众对他的评判才能离开主流标准，不要再以《You Are Beautiful》的标准来衡量他现在的作品，因为那首歌本来就是一个假象。《Some Kind of Trouble》里没有一夜爆红的单曲，但却有美妙的旋律，《Best Laid Plans》、《Superstar》这些都是听歌的人想听到，写歌的想写出的好歌。整张专辑可以毫无障碍的听下来。因为，你不是在以一张流行专辑的标准来衡量它，而是以音乐本身。好音乐不是销量冠军，不是排行榜首位，应该是耳朵的润滑剂，舒服舒畅舒心。排行榜上詹姆斯·布朗特拼不过X Factor的选秀冠军，但他可以轻易地征服一只只耳朵。自埃尔·顿约翰（Elton John）、菲尔·柯林斯（Phil Collins）、乔治·哈里森（George Harrison）之后英国又多一唱情歌到随心所欲境界的好歌手。我曾说对于詹姆斯·布朗特而言，“温柔是瓶颈”，这是对于主流标准来说的，主流界不需要太多的重复，急需的是突破，就像是《You Are Beautiful》一夜之间的爆红。主流大众就喜欢这样的刺激，他们不在乎每天吃一样的东西，但在乎每一天不能听一样的歌曲，做流行歌手最难的不是唱歌，而是唱不出新鲜的歌，对于完全不能靠脸蛋以及卖萌卖骚吃饭的詹姆斯·布朗特来说，做个低调的小众歌手才是明路。做不了大明星不可怕，可怕的是做不了还想做。詹姆斯·布朗特做不了大明星，索性他也没有这个念头，他不需要成为大体育场的卖座明星，亮则发张专辑，唱几首感动人的歌曲，足矣。“今晚我们能做回自己吗？（Tonight can we be free to be who we really are？）”詹姆斯·布朗特在《Superstar》是这么唱的，他做回了自己

❼ 英国歌手唱歌为什么用美国腔

英国歌手阿黛尔为最新的邦德电影《007：大破天幕杀机》录制了一首同名主题曲。尽管阿黛尔说话带着浓重的伦敦腔，可当她唱起歌来，听上去却更像美国人而不是英国人。为什么英国歌手总是在演唱时有美国腔呢？ 因为人们觉得流行歌手听起来就应该是那样。英国流行歌手从上世纪60年代克里夫·理乍得（英国演员、歌手、商人，被誉为“英国猫王”）、甲壳虫和滚石乐队时，就开始效仿美式发音。这些音乐人很大程度上受到了非洲裔美国人方言的影响，而这种影响来自于美国黑人布鲁斯和摇滚歌手，比如查克·贝利。这些英国歌手的“冒牌”美国方言，通常由几种美国方言构成。 效仿美式的发音包括采用美式的元音和R的发音：无论R在哪里出现，都发出声音来。作为对比，多数英国方言中，音节最后的R都不发声。有时英国人为“伪造”美国口音，而过度强调了R的发音，比如甲壳虫乐队的保罗·麦卡特尼在他的歌曲《Till there was you》中，竟然将“saw”都读成了“sawr”。 语言学家皮特·特鲁基尔多年研究英国摇滚音乐中R的发音，他发现，在上世纪60年代中期，甲壳虫乐队唱歌时强调R的发音逐渐减少，最终形成了一种横跨大西洋的口音：将英式英语和美式英语结合了起来。 随着更多新流派的出现，这个趋势的反方向也在发展：美国流行音乐歌手比如比利·乔·阿姆斯特朗就采用了英式发音，以便听起来更像乔·斯特拉莫（编者注：英国朋克摇滚的旗帜——冲撞乐队的创建者及领袖）。 当代歌手一直在根据他们的流派选择发音。凯斯·厄本是澳大利亚人，在唱乡村音乐的时，却有着明显的美国南部口音。最近的一个研究表明，新西兰流行歌手习惯用美国口音唱歌，即使他们不是故意这样做的。也许这是因为，现在的流行歌手都是听着美国流行音乐成长起来。 即使歌手们并没有因为所在流派而采用固定发音，方言仍在歌曲中逐渐消失了：语调被曲调取代，元音长度被每个音节的长度控制，而声音的韵律则服从曲子的节奏。这就让元音的发声和R的发音，变成了歌曲中最能体现口音的细节。

❽ 英国民谣的相关资料

也许正如大多数学者所认为的：整整两个世纪（18和19世纪)英伦缺乏“登堂雅乐”。然而自然流畅的民歌之声却一直流传下来，直到塞西尔·夏普及助手毛德·卡皮利斯成为19世纪末最着名的民歌发掘者。由此，这些源自16世纪中叶的牧歌，以及比牧歌更古老的田园歌曲和中世纪以来宗教音乐的传统，开始进入艾尔加、霍斯特、沃思·威廉姆斯等英国作曲家的创作视野，英国民歌成为他们手中最自觉和最擅长使用的音乐素材。音乐史家通常给这些民风浓郁的创作者们一个词；叫古典音乐的民族乐派。
而夏普也格先前由作曲家帕里和斯坦福组织的英国民歌协会扩展成了英国民间舞蹈和歌曲协会；从1900到1910年；塞西尔·夏普和沃思·威廉姆斯分别搜集了上千首民歌，—其中有些歌曲甚至包括了大约100种以上的不同版本。这两位卓有成效的民歌搜集者，对各歌曲的发祥地、起源流传等方方面面都进行了考证，他们试图通过对民歌的搜集整理说明：民歌何物。的确，他们的工作界定了古代民歌与现代民谣的承接关系，界定了纯正民谣的范畴。但随着这些作曲家作曲地位的国际化及现代音乐创作手法的更新，被“纯净”过的民歌也很快变成“艺术歌曲”了。这其中的大部分作品渐渐远离大众，除了那些不断被演唱不断被改编的名曲，学院方式的英伦民歌研究已停滞下来。
英国流行音乐工业的建立是从模仿美国开始的。从三四十年代开始，不断有船员从大洋彼岸走私唱片到英国。这些稀有的唱片尽皆成为后来60年代英国流行文化的启蒙物。一些酒吧、咖啡馆里开始出现美国化的小型乐队，它们为民歌进行伴奏，逐渐取代了此前人们对学院式民歌的期待。在数十年理论研究和市并接纳的双重促进下，英伦民间音乐极迅速地适樱唤应城市需求发展开来，并广泛散布到了各类城市。
来自曼彻斯特乡间的艾文·麦考尔是民间出身的第一代着名民歌手。30年代韧，年仅15岁的艾文·麦考尔加入了萨尔福特嘹亮者乐团。麦考尔早年从父亲那里学来的传统曲目，成为乐团一。系列街头露天演出的重头戏，而他自己的创作曲目《肮脏破旧的小镇》，后来则被都柏林人乐队翻唱。麦考尔的共产主义信仰，令其热衷于各类政治集会；唱歌的同时，他还导演电影、戏剧，这种创作倾向产生了非常大的影响，使得后辈民谣歌手大多以关注社会、批判现实为已任。50年代，麦考尔创作了广播音乐剧《约翰·艾德逊的叙事曲》，因此而被视为英国民谣的卓越先驱，格外受到民歌界的敬重。麦考尔还与美国民谣学者艾伦·卢马克思合作，联合考察英美两地民谣，促成肋年代“批评小组”成立。批评小组专事进行民歌分析和民歌演唱技巧的研究，并创作“歌曲载体”系列节目。不久节目名称革新为“广播叙事曲”，它们以普通劳动人民的口吻结合新旧民谣播出，彤响了当时的无数年轻人。艾文·麦考尔的三任妻子琼·利特尔伍德、金·纽拉芙、佩姬·西格及子女哈米什、柯斯蒂、内尔、卡卢姆，都是传统民歌的知名演绎者。在同一领域，A·L·洛伊德和“批评小组”成员弗兰奇·阿姆斯特朗，也全力传播纯正民谣。阿姆斯特朗与佩姬·西格和桑德拉·柯尔一起，录制了专辑《女性嬉戏》，将笔触运于女权和核威胁，当然，专辑中那些17世纪的古老歌谣显得同样重要。另外，毕业于艺术学院的咐蔽彼得·贝拉美与罗伊斯顿·伍德、海瑟尔·伍德合作组成乐队“年轻的传统”，在苏格兰民谣歌手哈里·考克斯、萨姆·拉那和库柏一家影响下，大量演唱传统曲目。乐队解散后，彼得·贝拉美独立发展，他根据诗人吉林的诗所谱写的歌曲，曾受到社会广泛的欢迎。70年代末期，贝拉美自导民谣歌剧《运输》，众多民谣鼓吹者如尼克·琼斯、琼·泰博、塞西尔·陶尼、A·L·洛伊德、水之子乐队参与了演出。《运输》唤起了人们对这些纯正民谣歌唱者的美好期待。然而时至90年代，贝拉美发行新作《扑克牌戏法》后撒手而去，推测认为是自杀。他所留下的空白，一时之间竞无人可以填补。
经过40和50年代的传播和沉积，60年代英国民谣得以以流行音乐的形式为世界瞩目。大量乐队如甲壳虫、滚石、动物、奇想、谁人、搜寻者、戴夫·克拉克五人乐队，远涉重洋征服美利坚，进而征服了整个世界，这即是人们熟知的“英国文化入侵”。这场运动在一定程度上可视为英国民谣发展的分水岭，原因不单单是上述乐衡颂州队在学习美国黑人布鲁斯期间，对英国民谣成分进行了提炼并将之引入布鲁斯，从而形成英式摇滚的特有格调；而且，这一事件同时成为那些纯正民谣艺人分化实验的发端，从而产生了以伦敦、利物浦、曼彻斯特等多个城市为中心的多元化民谣发展的格局，运用电声替代纯正民谣原声乐器伴奏，此后成为全球化的趋势。几乎与美国的鲍勃·迪伦同步，英伦众多团体也纷纷在传统歌谣演唱中将乐器通上电。这些团体中最为着名的，属“难以置信的弦乐乐队”和“贸易港大会”，这两个团体的活动，直接或间接地影响带动了许多团体和艺人。
“难以置信的弦乐乐队”是将音乐风格建立在苏格兰民谣基础上的多乐器实验场。1966年，该乐队发表第一张专辑《难以置信的弦乐乐队》运用了大约30种不同地方的民族乐器，从苏格兰民间的风笛，到印度、巴基斯坦、非洲、美洲的打击乐，每一种乐器他们都运用得得心应手。在随后的专辑《洋葱的5000种精神或表层》中，乐队更加强化多乐器配器的特点，引发了人们对世界范围的民谣概念的讨论，这也是西方关于世界音乐的最早探讨。1968年，乐队发行双唱片集《绞刑吏的漂亮女儿》《小小和大大》，尝试创作超长歌曲，《非常稀疏的歌》公认是其中的经典。在“难以置信的弦乐乐队”影响下，80年代的“集市胜处”乐队及其主唱艾迪·里德，90年代的戴夫·马修斯乐队，都力图融合爵士、布鲁斯、中东和印度音乐，从一个奇特的角度进入英国民谣。它们灵动的节奏、美妙的旋律、飘浮不定的嗓音，像在描述种种甜蜜而苦涩的情感。“难以置信的弦乐乐队”后来又推出过三套专辑，分别是《变马》，摇滚风味的《遥望》，和电影配乐《U》。其后，乐队成员迈克·何伦和罗宾·威廉姆森分别推出个人专辑。后期作品因为过分强调融合风格与多乐器组合，有时反而丧失了部分歌曲的优雅，但这并没有减弱“难以置信的弦乐乐队”的影响力。
“贸易港大会”乐队是以民谣摇滚风格引起美国唱片制作人重视的。第一张专辑《贸易港大会》充满激情却缺乏销量，向世人介绍了来自加拿大的杰出歌曲作者——琼尼·米契尔。随后乐队成员更替，新的专辑带来更传统的民谣感觉。这张叫《我们在假日里都做些什么》的专辑，包含了一系列的出色歌曲，如《她穿过集市入》、《书之歌》、《我要保有它》、《相遇于边缘》等。这使乐队摆脱了美国乐队如杰弗逊飞机乐团的阴影。“贸易港大会”后来衍化为一系列的分支性队伍，都是以该乐队骨干成员为中心组织起来的，如钢眼斯潘(1970)、福泽林盖(1970)、阿尔宾乐队(1972j、酸葡萄(1974)、马休兹南方安慰(1970)、理查和琳达、汤普森们；而乐队的所有成员，包括领导人桑迪·丹尼、朱莉·大宝，主唱伊安·马修斯、贝司手阿什利·哈金斯，吉他手理查·汤普森、西蒙·尼科尔，鼓手马丁·兰姆博，人人都有出色的个人发展。这其中要说谁最耀眼，可能就要数理查·汤普森——这位保持了30年声名的杰出吉他手了。由“贸易港大会”向外伸展出的团体和个人，无可争议地成为英国民谣的核心部分，林林总总出版发行了不下一百张专辑唱片，这些唱片同时成为传统民谣向民谣摇滚过渡发展的佐证。而衍生团体中的一些成员，如马丁·卡西、彼得·耐特、鲍勃·约翰逊、梯姆·哈特等，也都赢得了极高的声誉。
英国民谣的核心层里，极为着名的人物，论乐队还有“五角星”，论个人还有比利·布拉格；五角星的灵魂人物是人称“英国最佳民歌吉他手”的波特·简奇，齐柏林飞艇的超级吉他手吉米·佩奇，曾公开承认简奇是自己最欣赏的吉他手。五角星1968年推出首张同名大碟。由于获得一致好评，同年稍后更推出一套双张唱片《甜甜的孩子》。虽是一张录音室加一张现场的录音，但全部都是新歌，绝无重复作品的弊病。它现场演奏了爵士乐大师查尔斯·明格斯的名作——《海地战歌》和《再见派哈特港》，音乐最吸引人处，是原声吉他点缀下主音歌手高昂的演唱，和共鸣感极强的贝司烘托。因此有评论认为：《甜甜的孩子》乃民谣折衷主义。其实五角星除简奇和伦本，其他三位成员都来自英国布鲁斯先驱阿历克斯·科纳的布鲁斯联盟乐队，本来就有非常深厚的布鲁斯和爵士乐根基。之后，五角星于1969推出《光之篮》，1970年推出《残酷姐妹》(其实是1966年的录音)，1972年推出《所罗门的锡封》——这是乐队水准最高的唱片，他们却于此时宣布分手，直到20年后的90年代才又重新聚合。比利·布拉格出生在盛产苦行游吟诗人的巴金地区(Barking)，起初参加一个名为里夫·拉菲的车库乐队，但最终选择民谣为其事业。布拉格像古代游吟诗人那样，在大地上行走、歌唱，所不同的是，木吉他换成了电吉他。一段时期内，他身背蓄电池，手握电吉他，两个扩音器用钢条像触角般支起，以此走遍整个英国。布拉格称此为“一人抵抗主义”(One Man Clach)。他以个人性的义无反顾的行为，孤独地发起对现代工业音乐的冲击。
冷战中的生活，诱发布拉格一系列政治题材作品的诞生。典型作品为《生活是一场骚乱入对于普通人的生活，布拉格同样显得敏感而细致。他曾写下《对黑发新女士的问候》一歌，唱：我聚集对你的爱，合着新的纹身，和一些啤酒……据深圳作者Ned说，布拉格曾到过中国，他有多张唱片采用了红色波普的封面。布拉格很关注社会主义国家的状况，1987年到过苏联，举办过演唱会。表面上，他给人左派歌手的印象，事实上，他的音乐是超越政治的，洋溢在他乐声中的是一种浓烈的人道主义情怀：不分国家，不分种族，不分政见；他相信人生来是自由的，不依赖于任何政体或商业组织，不受任何观点和信念的摆布，他的音乐正是企图还人类以这个面目。
Ned进一步评论道：布拉格惯于重新演绎一些流传已久、深入人心的经典歌曲。《国际歌》作为工人运动的圣乐，所蕴合的自由观念和批判精神深得布拉格的喜爱。在皮特·西格的鼓励下，布拉格在原英译歌词的基础上作了一些改动，使其更符合世界大同的普遍理想，更易被传唱。布拉格的声音宽宏质朴，深具号召力，合唱的跟进显示了对自由一呼百应的波澜壮阔的豪情。布拉格人一直致力于挖掘民歌遗产，他相信真正表达了人的窘迫处境和光明理想的歌曲虽然简单浅白，但必能深入民间，传唱千古：而由现代唱片工业的雄厚财力所吹捧出来的明星歌曲，虽然复杂唯美却只会是黄花短命过眼云烟。布拉格翻唱过很多民歌，并大量取用钢琴、口琴、木吉他、清唱等形式，较少取用失真吉他这类现代乐器，以保存原曲天然的韵味。
这些民歌或揭露资本主义对人的剥削，或控告战争对生命的杀戮，或传达无产者对自由、民主、解放的向往，或反映普罗大众对古老美好生活的迫念。对于布拉格来说，音乐的思想传承功能和文化批判功能远比其娱乐功能更重要，所以他选择了民歌。在布拉格所翻唱的民歌中，有不少歌曲曾被社会主义者引为战斗音乐，但布拉格却并非一个传统意义上的社会主义者。
1965—1968年形成的英国迷幻音乐，其相当一部分属于民谣的范畴。英国第一个迷幻歌手多诺文，最早就是一位典型的传统民谣歌手。多诺文来自苏格兰，1965年发表首张专辑《抓住风》，表现出与鲍勃·迪伦相映照的气质。其后，多诺文改用电声乐器伴奏，单曲《灿烂超人》和《淡黄》，由吉米·佩奇出任吉他手，细致地描写了致幻药物的作用，因而招致批评界的批评；但它却影响了吉米·佩奇时期的庭鸟乐队，使其推出迷幻专辑《小把戏》，内含以LSD(一种可引起通感的迷幻药)为名的歌曲。而庭鸟的另一成员吉姆·麦卡蒂也因此发生对民谣改革的热衷，加入文艺复兴乐团，组织迷幻组合“一起”。多诺文以《詹尼弗·张尼坡》和《那里有座山》赢得商业上的成功，专辑《奏摇弦琴的男人》受到印度冥想师的启示，带有童话气质，被迷幻乐迷奉为经典之作。此时，多诺文一心痴迷于嬉皮活动，开了不少露天的，青年男女席地散坐、听歌吃药、谈情说爱的演唱会，还跑到美国内华达的沙漠上去修悟禅佛。1968年，多诺文发表限于美国发行的专辑《巴拉巴加盖尔》由杰夫·贝克任吉他伴奏，由于未在本土发行，唱片在英国没有多少反响。但从此以后，与多诺文想法一致的艺人越来越多了，冬青乐队，好极了乐队团员格雷厄姆·纳什，平克·弗洛伊德主唱希德·巴里特，他们都试图扩展民谣的语汇；极力将全球的嬉皮文化特征反映在民谣式的作品中。
希德·巴里特60年代早期以吉奥夫幕待箴言乐团的一员，在家乡剑桥小有名气。经过节奏布鲁斯乐团“尖叫布鲁斯”的洗礼后，巴里特在伦敦坎伯威尔艺术学院组建了平克·弗洛伊德乐队，创作出《阿诺德·雷恩》和《看艾米莉游戏》两首作品。
随后，平克·弗洛伊德的首张专辑《拂晓之门前的吹风笛者》，展现出随机模糊不定的吉他音色和回馈、滑音及回声的特殊效果，这成为平克·弗洛伊德标志性的音乐氛围。在整个平克·弗洛伊德历史上，《拂晓之门前的吹风笛者》是最具有实验性的一张，个中的尝试扩展了人们新的听觉。由于药物的副作用，希德·巴里特不久就去了健康，并永远地离开了平克·弗洛伊镕。复出时推出的专辑《莽撞人的笑》和《巴里特队》显示出罕见的冷淡和克已。这两张专辑再现了阴暗的心理世界，几乎仅仅由吉他和低吟构成，却深入到个人意识近乎无限的底层，其自闭和内省的程度，抵达了流行音乐再无法抵达的深渊。毫无疑问，巴里持的专辑，乃是后来英国民谣中的上上精品。
60年代中后期的英国迷幻乐潮，席卷了全英国几乎所有的知名音乐团体。滚石乐团的《魔鬼陛卞的乞求》、甲壳虫的白色专辑和《佩珀军士的伤心俱乐部乐队》，都是在这一时期出现的。药物作用下的乐器及人的思绪的超常体验，为70年代的艺术摇滚乐团提供了经验。其后，交通、E．L．P、克里姆森国王，以及中期的平克·弗洛伊德，皆毋须再尝试药物，也能创造充满幻觉效果的音乐。通过上古名曲的改编，艺术摇滚的一部分事实上成为继承英国民谣衣钵的重要发展方向之一。通过迷幻的实验，英国民谣更深地同古典乐和二战后开始的电子音乐的实验结合到了一起。
当我们回顾这段历史时，不难发现：迷幻音乐的实质，并不是表面所表现的那样是“药物音乐”。从音乐形态上看，它非常清楚——是民谣的一种深化形式。它的一翼是英国民谣与古典音乐的结合，另一翼是英国民谣与印度音乐的结合。这种结合中产生了最早的、非常接近于氛围音乐(Abient)的因素。古典管弦的恍若隔世，印度音乐的静态冥想，成就了音乐的超现实的空间；在其间娓妮而谈的民谣，此时呈现出安详、久远或者自省的气质。
从迷幻摇滚的平克·弗洛伊德，古典摇滚的忧郁布鲁斯，到艺术摇滚的克里姆森国王，他们共同的东西是什么呢?是民谣，这点再清楚不过了。E．L．P的第一张专辑《爱默生、雷克和帕尔默》不就是曾盛传于维多利亚时代的田园牧歌吗?稍微不同的是，迷幻音乐的民谣歌唱，此时不再单纯用吉他，它的器乐通常有四层：最近一层是民谣吉他；稍远是管弦——迷幻音乐家最钟爱的是长笛和弦乐这两种音色，它们经常带来如真如幻的感觉；再远是印度民间乐器——如锡塔，或如中国雷琴般能模仿人声的一种拉弦乐器；最远是吉他噪音、电风琴效果——从印度音乐贯串全曲的和声性的嗡嗡声发展来的、继承了欧洲电子乐实验成果的一种乐音。所谓远和近，‘不是指乐境上的远和近——虽然有时候它体现了这点——而是指这些音乐语言与民谣传统的亲绕关系。
从某种意义上说，英国60年代的流行音乐家，从来就都是一些民谣的歌手，只是在世界化的大背景——比如最显着的美国黑人布鲁斯——的影响中，变得杂揉、斑驳、难以辨认。在迷幻乃至后来的艺术摇滚音乐中，东方民间音乐是第一个推动力——从，印度一阿拉伯音乐循环的、绵延的、冥想色彩的和声结构中获得语汇，甚至从印度教、佛教和东方哲学中获取意念和灵感；但它很快就嫁接到英国人自己的传统——古典音乐上去了。电子音乐和电声乐器又使这两个东西转化、变型、通过新实验迅速向未知领域扩展。最早用吉他模仿印度锡塔琴演奏的是乔治·哈里森，从1964年开始，他将这种音色带入甲壳虫的《我觉得挺好》、《挪威木屋》、《爱你》等一系列歌曲中；到《佩珀军士的伤心俱乐部乐队》，印度音乐的冥想和梦幻意境很多时候已变成电子噪音式的表现。忧郁布鲁斯乐队表现了与之近似的发展历程，其最鼎盛时期利用国家管弦乐团、东方民间乐器的演奏；后来，乐队自己的噪音吉他的发展，已能取代管弦音乐和印度、阿拉伯和声的作用；乐队成员专业音乐的出身，更使他们能自如插入长笛、弦乐重奏等乐器，而这些东西，从根源上看原本就是和民谣亲近的同源音乐。像忧郁布鲁斯一样，60年代最着名的迷幻乐队和艺术摇滚乐队，他们都坚持了民谣式的歌唱，同时承受印度音乐的启发，从古典音乐中汲取营养。超越凡尘、如同仙乐的早期“好极了“，和优美开阔、古雅静穆的早期普罗科·哈罗姆的音乐，就都是用管弦化出东方意境的典型案例。另外，交通、杰斯鲁·图，都喜欢使用长笛的效果，前者用布鲁斯音乐交合，后者更陷于传统的民谣，同时加入响亮的模糊的风琴音色。E．L．P喜用电子琴模仿管弦乐，冬青爱好宽阔的人声和声和乐器回响。在这个民谣的深化、复杂化过程中，除了英国民歌的曲式、口吻和腔调，我们从器乐上也可以找到共同之处——持续的背景嗡鸣，或回声般的效果。从这里出发，仿佛长途汽车的起点站，待60年代的最后一个五年过去后，这些乐队便一个个走远了。
80年代出现了水鬼、世界党、肥女唱歌、杰克·弗罗斯特、桑蒂尔、水牛汤姆、迪伦们，他们都参与了一场叫“新迷幻”的运动。虽然这个名字多少属于商业用语，但沉浮其间的乐队多多少少都表现出扎根民谣的迹象。通过他们的音乐实践，民谣传统与60年代的英国迷幻连接起来。民谣在他们手中变得精致化、个人化了，并充满了后现代艺术的疏离、冷漠气息。
而英国民谣，也在这种流行化的艺术中，成为反映英国民族生活的连贯的河流。当然，那些基于传统方式的创作者们，如保罗·迈驰利斯、马利·凯姆拜尔、戴夫·弗兰西斯，则以一种似曾相识的清新朴素的风格打动每一个人。商业上把这些艺人概括为新世纪音乐(New Age)。作为新世纪音乐的一部分，英国，或是爱尔兰、加拿大甚至美国的这类艺术家，都试图保存数百年来流传下来的歌谣，那些器乐曲似乎仍讲述着伊丽莎白时期的牧民生活：宁静乡村，广阔田野，庄严的教堂里传出了阵阵乐声。

❾ 英国杰出歌手有那些为什么好听的英文歌几乎都是美国的英国为何如此低调

英国女子组合wonderland，扒掘山羊皮乐队，Kanye West ，Hilary Duff ，James.Blunt,其实英国还有很多很春灶核多杰出的歌手，不是说几乎都是美国，因为美国的媒体力量很强大，而且又是世界时尚，先进的焦点，所以才多人去关注，英国实力也不俗，在欧洲就有很大影响力，难道你不知道吗？美国有摇滚，欧洲就有电子舞曲~~一样的道理，各个地方都有自己的实力歌手~~只辩岁是很多人关注美国而已