1. 通过对《猫》《歌剧魅影》《雨中曲》的欣赏,简述英国和美国音乐剧的风格区别.
估计现在回答已经过了你交作业的时间了吧。
英国West
End风格古典，注重唱腔，力求通过对声音的处理表达感情。美国Broadway更有创造性，很多发源于英国的音乐剧到美国赋予了新的表演方式，而后又对英国的表演产生了反作用。区别还是很多的，分别找找West
End
Cast和Broadway
Cast的剧看一下就可以总结出来，还是蛮有意思的。
2. 美英法三国音乐剧在形式上的差别
音乐剧首先在美国兴起、繁荣。“西方文化重视戏剧艺术，但基督教对戏剧的限制颇多。远涉新大陆的北美清教徒也照旧如此，而这种敌视恰恰促成了音乐剧在美国的出现。因为敌视戏剧，清教徒对音乐便较宽容，音乐不仅是教堂之必需，也被他们认为是陶冶性情的需要。由于音乐受到重视，许多剧场为免遭查禁，常宣称自己上演的不是戏剧，而是‘道德对话’。 北美清教徒们继承了基督教对戏剧的成见，却没有继承欧洲的歌剧传统。19世纪30、40年代，宗教宽容逐渐成为共识，新教戒律对人们的日常生活不再过分约束，加之美国工业与城市的繁荣，市民愈加需求各种娱乐形式以满足自己的精神需要。”[4]如此，音乐剧，一种侧重音乐的表演艺术形式，势在必行。
目前，音乐剧在世界各地都有上演，但最代表性的地方是美国纽约的百老汇和英国的伦敦西区。音乐剧的发展历史可分为两个大的时期：1、传统音乐剧时期；2、现代音乐剧时期。
（一）传统音乐剧时期（19世纪中叶至20世纪中叶）
1、早期音乐剧。此时的音乐剧主要从宗教音乐、欧洲歌剧与黑人音乐吸收艺术元素。它积极从民间歌剧（如1728首演的民间歌剧《乞丐歌剧》The Begger’s Opera。最初民间歌剧以对白取代宣叙调，偶尔穿插舞蹈，情节为喜剧而非悲剧，音乐曲调取自流传于街头巷尾的歌曲，音乐与剧情关联不紧。）喜歌剧，小歌剧（创立者——亚克斯?奥芬巴赫Jacques Offenbach,1819-1880），以及黑人音乐①（包括黑人剧、黑人灵歌与布鲁斯、拉格泰姆和爵士乐）中吸纳养分。笔者以为此时的音乐剧还非真正的音乐剧，而是歌剧。但这却证实了音乐剧脱胎于歌剧的历史事实。早期音乐剧如《乞丐歌剧》虽只是现代音乐剧的雏形，但它的大胆变化已经为后世音乐剧的登场做了积极意义上的开拓性铺垫。
3. 法国音乐剧与英国音乐剧在音乐特点上有什 么区别 例如英国的"猫","歌...
首先纠正一点，现在一般意义上的音乐剧悲惨世界是指以1985年伦敦版本为原型的英语版本和其他语言版本。虽然1981年的法语版本是最早的雏形，但是85年的版本基本等于完全二次创作，所以悲惨世界基本可以当成英语剧范畴。
至于法语剧比较有代表性的应该是巴黎圣母院一类的戏。。。
这样特点就比较鲜明了，法语剧一般歌舞分离，也就是说演员的分工非常明确，负责唱的只负责唱，负责跳舞的只负责跳舞，而且舞蹈多半和具体剧情没有关系。。。。。
而英语剧则是演员身兼数职，唱跳演都要做，而且大部分舞蹈都是和剧情发展有关的。。。。。当然还有很大一部分根本不跳舞（比如说悲惨世界）
4. 美，英，法音乐剧在形式上的差异
音乐剧、戏剧和影视剧的区别： 音乐剧简介音乐剧（Musical theater，简称Musicals），又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。 音乐剧是20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术，集歌、舞、剧为一体，广泛地采用了高科技的舞美技术，不断追求视觉效果和听觉效果的完美结合。同时，西方的音乐剧在百年多的商业表演经验中总结出了一套成功的市场运作手段，并且创作出一系列老少皆宜的优秀剧目，使这一艺术形式突破年龄、阶层等客观因素的局限，广受观众的喜爱。一些着名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、悲惨世界、猫以及歌剧魅影等。 音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。 随着我国经济的健康快速发展，人民群众对文化娱乐的需求也出现了多元变化，音乐剧这种新的艺术样式很快以其视听兼备、雅俗共赏的特质吸引了一批固定的并且正在不断扩大的受众人群。 音乐剧结构音乐剧的文本由以下几个部份组成：音乐的部份称为乐谱（score）、歌唱的字句称为句诗（lyrics）、对白的字句称为剧本（book/script）。有时音乐剧也会沿用歌剧里面的称谓，将歌词和剧本统称为曲本（libretto）。音乐剧的长度并没有固定标准，但大多数音乐剧的长度都介乎两小时至三小时之间。通常分为两幕，间以中场休息。如果将歌曲的重复和背景音乐计算在内，一出完整的音乐剧通常包含二十至三十首曲。 音乐剧特点音乐剧和歌剧的区别是：音乐剧经常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制;在音乐剧里面可以容许出现没有音乐伴奏的对白；而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，歌唱的方法也不一定是美声唱法。但音乐剧和歌剧的区分界线仍然有不少学者争议，例如格什温（Gershwin）作曲的《波吉与贝丝》（台湾翻译“乞丐与荡妇”）（Porgy and Bess）就曾同时被人称作歌剧、民谣歌剧（Folk Opera）和音乐剧。一些音乐剧如悲惨世界是从头到尾都有音乐伴奏，而一些轻歌剧如卡门却有对白。音乐剧普遍比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。虽然着名的歌剧作曲家华格纳（Richard Wagner）在十九世纪中期已经提出总体艺术（Gesamtkunstwerk），认为音乐和戏剧应融合为一。但在华格纳的乐剧（music drama）里面音乐依然是主导，相比之下，音乐剧里戏剧、舞蹈的成份更重要。 音乐剧与歌舞片音乐剧与歌舞片的区别是：很多音乐剧后来又被移植为歌舞片，而剧场版本和电影版本并不一定完全相同，因为剧场擅长于场面调度和较为抽象的表达形式，利用观众的想象去幻想故事发生的环境，而电影则择长于实景的拍摄和镜头剪接的运用。《西城故事》（West Side Story）是其中一个将舞台版本成功移植为电影版本的音乐剧，在横街小巷取景，开创了后来很多音乐电影的先河。亦有歌舞片移植为音乐剧的例子，例如《雨中曲》（Singing in the Rain）是先有歌舞片，后来才被移植成音乐剧。音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的发展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的强烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。在一首曲之中，时空可以被压缩或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的过程之中由相识变成堕入爱河，这是一般写实主义的戏剧中不容许的。音乐剧简介戏剧指以语言、动作、舞蹈、音乐、木偶等形式达到叙事目的的舞台表演艺术的总称。文学上的戏剧概念是指为戏剧表演所创作的脚本，即剧本。戏剧的表演形式多种多样，常见的包括话剧、歌剧、舞剧、音乐剧、木偶戏等。是由演员扮演角色在舞台上当众表演故事情节的一种综合艺术。 戏剧旧时专指戏曲。后为话剧、歌剧、舞剧、诗剧等的总称。现今在台湾地区也指电视剧。综合艺术有两种含义：狭义专指以古希腊悲剧和喜剧为开端，首先在欧洲各国发展起来继而在世界广泛流行的舞台演出形式 ，英文为drama，中国称之为话剧。广义还包括东方一些国家、民族的传统舞台演出形式，如中国的戏曲、日本的歌舞伎、印度的古典戏剧、朝鲜的唱剧等。 戏剧形态在古代希腊 ，艺术被划分为音乐、绘画、雕塑 、建筑与诗，戏剧被划归诗的范畴。但是，真正的戏剧艺术应该包容诗（文学）、音乐、绘画、雕塑、建筑以及舞蹈等多种艺术成分，因而被称为综合艺术。 每一种艺术都有特殊的表现手段，从而构成形象的外在形态。作为一种综合艺术，戏剧融化了多种艺术的表现手段，它们在综合体中直接的、外在的表现是：①文学。主要指剧本。②造型艺术。主要指布景、灯光、道具、服装、化妆 。③音乐。主要指戏剧演出中的音响、插曲、配乐等，在戏曲、歌剧中，还包括曲调、演唱等。④舞蹈。主要指舞剧、戏曲艺术中包含的舞蹈成分，在话剧中转化为演员的表演艺术——动作艺术。 戏剧中的多种艺术因素分别起着不同的作用，它们在综合整体中的地位不是对等的。在戏剧综合体中，演员的表演艺术居于中心、主导地位，它是戏剧艺术的本体。表演艺术的手段——形体动作和台词，是戏剧艺术的基本手段。其他艺术因素，都被本体所融化。剧本是戏剧演出的基础，直接决定了戏剧的艺术性和思想性,它作为一种文学形式，虽然可以像小说那样供人阅读，但它的基本价值在于可演性，不能演出的剧本，不是好的戏剧作品 。戏剧演出中的音乐成分，无论是插曲、配乐还是音响，其价值主要在于对演员塑造舞台形象的协同作用。戏剧演出中的造型艺术成分，如布景、灯光、道具、服装、化妆，也是从不同的角度为演员塑造舞台形象起特定辅助作用的。以演员表演艺术为本体，对多种艺术成分进行吸收与融化，构成了戏剧艺术的外在形态。 西方戏剧的诞生西方戏剧的曙光，普遍认为是古希腊悲剧，而古希腊悲剧则是源于古希腊城邦的 蒂厄尼索斯（Dionysus）的崇拜仪式。在祭典中，人们扮演蒂厄尼索斯,唱“戴神颂”，跳“羊人舞”（羊是代表蒂厄尼索斯的动物）。古希腊悲剧都是诗剧，严谨古雅、庄重大气。表演时有歌队伴唱，史实表明歌队先于演员存在。关于这个起源，也可以参考德国哲学家尼采的早期哲学着作《悲剧的诞生》。 中国戏剧的诞生中国戏曲的根源在可以追溯到先秦到汉代的巫祇仪式，但是宋代南戏的发展才有了完备的戏剧文本创作，现存最早的中国古代戏剧剧本是南宋时的《张协状元》。元代时以大都、平阳和杭州为中心，元杂剧大放异彩。后世形成了诸多戏曲形式，也就是各剧种。明代的昆曲经过发展，首先得到士族大夫的追捧和喜爱，他们大量创造剧本，不断修改曲谱，同时修正昆曲的戏剧理论，并使得传奇剧本成为一种新的主流文学形式。随后昆曲又得到晚明和清代宫廷皇室的喜爱，成为贵族生活的一部分，成为获得官方肯定的戏剧艺术，故称“雅”；而以各地方言为基础的地方戏，广受民间喜爱，则称“花”。于是在清代形成了“花雅之争”，实际上是戏曲共同繁荣的局面。这丰富了戏曲艺术的门类，也形成了各自的艺术特色。 近年来台湾的戏剧研究学者曾永义提出一套说法，认为在讨论中国戏剧起源时，应该要区分“大戏”与“小戏”，大戏是成熟的戏曲，而小戏则是戏剧的雏型。大戏是在到了金元杂剧之后才发展完成，而之前的宋杂剧、唐代的代面、踏摇娘、钵头、参军戏、樊哙排君难等，都可列入小戏的行列，而中国在非常早之前，就有小戏。 中国在与近代西方有文化接触前，没有西方意义上的“戏剧”（主要指话剧）传统。中国传统的戏剧为一种有剧情的，“以歌舞演故事”的，综合音乐、歌唱、舞蹈、武术和杂技等的综合艺术形式，也就是戏曲曲艺。 戏剧的种类按容量大小，戏剧文学可分为多幕剧、独幕剧和小品； 按表现形式，可分为话剧、歌剧、诗剧、舞剧、戏曲等； 按题材，可分为神话剧、历史剧、传奇剧、市民剧、社会剧、家庭剧、科学幻想剧等； 按戏剧冲突的性质及效果，可分为悲剧、喜剧和正剧。 不过最基本、使用最多的分类是悲剧、喜剧和正剧，其中悲剧出现的时间早于喜剧，正剧也称为悲喜剧。 悲剧：冲突的实质：“历史的必然要求和这个要求的实际上不可能实现”。悲剧的审美价值：“将人生的有价值的东西毁灭给人看”。 喜剧：审美价值：“将那无价值的撕破给人看”。 正剧：将悲剧和喜剧“调解成为一个新的整体的较深刻的方式”。 戏剧演出场所在中国古代，所谓的舞台最早是用在歌舞仪式上，舞者进行仪式时所站的一块以土推成的高台，随着戏剧发展逐渐成熟，而出现了戏棚、戏台、戏亭、勾栏等演出场所。 西方戏剧的演出从希腊的露天剧场、古罗马的圆形剧场（即“角斗场”），发展到近世的“镜框式舞台”，适合先锋实验戏剧演出的“黑匣子”（Black Box,或作黑盒、黑箱）、“小剧场”（Experimental Theater） 戏剧组织中国：中国国家话剧院、北京人民艺术剧院、上海话剧艺术中心、表演工作坊、台湾现代戏剧表演团体列表、台湾传统戏剧表演团体列表、香港话剧团。 欧洲、北美：美国百老汇、英国皇家莎士比亚剧团、英国伦敦西区。 艺术院校：中央戏剧学院、上海戏剧学院、中国戏曲学院。 戏剧的代表人物京剧名家：梅兰芳、评剧：新凤霞、越剧：袁雪芬、黄梅戏：严凤英、豫剧：常香玉 影视剧叙事艺术上世纪八九十年代，中国影视从美学观念、艺术语言等领域率先迈出了走向现代化的第一步，那么今天这一步伐，将在影视制度体系、经济体系、科技体系等纵深领域迈进。20世纪五六十年代，美、英、法、意、日等国的电影电视教育开始在大学中得到普及，使设有相关专业的高校成为这些国家电影电视发展的人才库和智囊团。以美国电影为例，60年代后半期至70年代崛起的“新好莱坞”代表人物，如乔治·卢卡斯、弗朗西斯·科波拉、马丁·斯科塞斯、史帝汶·斯皮尔伯格、奥立弗·斯通等，大多毕业于着名大学的电影系科或专业。 21世纪的中国影视业，影视教育是电影电视产业发展到相当程度时的产物。作为一种观念形态，它反映着影视产业的发展实践，而作为一种制度形态，它又以源源不断的人才供应，支撑乃至影视业的进步。 lt;/SPAN;lt;/p;
5. 英国和美国音乐剧的区别普西尼的创作特点
英国和美国音乐剧的区别？
西音乐剧的起源方
音乐剧是以具有吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐、舞蹈得以充分发挥其潜能，并把这些因素融合为有机统一体的艺术。英国和美国是音乐剧的全盛国度，从音乐剧发展的角度来看，伦敦西区和纽约百老汇可称作为音乐剧的发源地。然而音乐剧在英、美两国也有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢踏舞、戏剧性的话剧和含歌唱的喜剧的影响；在英国，音乐剧更多的与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里哀、易卜生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更接近芭蕾。但英国音乐剧自吉尔伯特（Arthur Sullivan）和苏利温(William Gilbert)之后，便继续着小歌剧传统，一直难以与百老汇的作品抗衡，直到70年代局面才开始扭转；而在美国虽然最初上演的多是英国的舶来品，但不久以后，美国艺术家便创造出完全美国化的音乐剧作品，并使其不断发展和完善。因此，从历史的角度来看，是英国启迪了美国创造出音乐剧这种融合通俗戏剧、音乐、歌舞的新型戏剧形式。在这里本文将进一步探究美国是如何把来自欧洲的各种音乐娱乐传统融合发展成为音乐剧。
1、英国的音乐喜剧
“音乐喜剧”（Musical Comedy）这一名称最早应用于英国，在19世纪末，社会生活节奏和公众心理节奏逐渐加快，人们对慢条斯理的轻喜剧风格渐渐失去热情，导致剧场票房收入惨淡，剧院老板亏本。在英国伦敦，一位剧院经理乔治·爱德华兹（George Edwardes）于1892年10月尝试性地在自己经营的剧院推出一部“音乐滑稽剧”《城里》，其中充满了插科打诨的滑稽表演和新鲜活泼的歌舞节目。该剧出台后大受青睐，大喜之余，爱德华兹于次年又推出一部融戏剧、音乐、歌舞于一体的《快活姑娘》（A Gaiety Girl）,并且第一次使用了“音乐喜剧” （Musical Comedy）这一称谓。该剧富有幽默情趣和戏剧色彩，加之其通俗易懂的音乐，引起了轰动，取得了可观的票房业绩。爱德华兹的空前成功，引得伦敦不少剧院老板的群起效法，争相推出形形色色的音乐喜剧。从此，音乐喜剧便成为伦敦乃至整个英国最为走红的舞台艺术，其后不久，它们便登上美国舞台。
2、美国的音乐喜剧
早在19世纪70年代，美国就有类似英国音乐喜剧这一舞台艺术形式流行于纽约社会中下层，只是当时美国称之为“音乐闹剧”（Musical Farce-Comedy）。使音乐闹剧进一步发展的是爱德华·哈里刚（Edward Harrigan）和托尼·哈特（Tony Hart），他们于1879年到1884年在百老汇合力创作了一系列的音乐闹剧，其中《卫队之舞》（The Mulligan Guards Ball 1879）和《热望》（Cordelia’s Aspirations 1883）在中下层社会极为流行。表演既保留了滑稽秀和杂耍秀的一些幽默形式，又在剧情方面有所发展，深入关注社会，但却总以诙谐的形式来表现，在这里更多的是对各种人生状况的同情而不是尖刻的批评。歌曲创作也有鲜明的美国色彩，但歌曲和情节总是很难对应，采用旧曲子填入新词是常事。到了1896年，英国爱德华兹制作的《艺伎》（The Geisha）以“音乐喜剧”之名进入美国并引起轰动后，美国人便用这一术语来指称疏离欧洲歌剧传统，具有美国特色的美国歌舞剧，它也包括上面提到的音乐闹剧。
这时期美国音乐喜剧已具备了基本的剧情，不只是片段式的歌舞与闹剧，但其情节与人物多不够深刻。在此类作品里“叙事”并非歌舞的目的，只是歌舞的借口，用“男生配女生”（boy meets girl）的公式，并将美国梦、灰姑娘神话的各种元素交错运用，在简单的剧情中穿插各种歌舞花招，形成一种固定的类型典范。就其内容和形式而言，表面看起来似乎与爱德华兹的《快活姑娘》如出一辙，甚至连名称也直接照抄英国人发明的“音乐喜剧”。实际上，就其内在精神而言,由于在艺术结构内包容了大量美国本土文化的基因，故而较之美国音乐喜剧更显其热烈火爆朝气蓬勃，尤其是它的音乐和舞蹈，充满了野性和活力、动感十足。这种文化精神蕴含的冲击力和内在气韵的震撼力正是美国音乐喜剧异于英国音乐喜剧的根本标志。
3、柯汉的美国风格
当音乐喜剧发展到乔治·M·柯汉（George M Cohan）就不再过多专注于笑闹梦幻剧情，而有了更严肃的主题。他选择了一条更戏剧化和平民化的探索路线，强调戏剧发展线索的完整性和连贯性，强调故事有头有尾，在内容上摒弃童话的剧情，而将戏剧主人公定位于普通平民和日常生活的小人物，以更贴近一般老百姓的生活情趣。同时，他的剧作又具有强烈的爱国主义，坚持要用美国式的音乐表现美国人、美国生活和美国社会。1904年柯汉给百老汇自编自导自演《小约翰·琼斯》（Little Johnny Jones），并凭此剧一举成名，进而横扫整个纽约，此后二十年间，共写出21部剧作，近500首歌曲。柯汉的作品形式是19世纪的歌舞杂剧和真正的美国音乐剧之间连接的桥梁，是音乐剧现代化进程的重要环节。在他的作品中，去除了基于英国和德国古老模式中的优雅情调，顺利地创造出符合快速运动变化的纽约生活的现代形式，柯汉的歌曲，虽然传唱到今天的并不多，但他在当时启迪了一代音乐剧作者，他对美国精神的艺术阐发和颂扬也感染了一代观众。越来越多艺术家意识到美国精神业已成熟，正迫切寻求它自身独特的表达方式。
五、音乐剧的成形
在20世纪第一个25年中，经过一批艺术家们的努力，美国音乐剧已逐步摆脱英国音乐喜剧的影响，完成从歌舞杂剧向真正美国式音乐剧的转变。美国音乐剧一方面接受欧洲不同风格的轻喜歌剧，甚至是在歌厅舞榭表演的歌舞杂剧的影响；另一方面也吸收了当时新兴的流行音乐和拉格泰姆、布鲁斯等因素。经过数十年的摸索和本土实践，正反两方面的经验积累已到相当程度，无论是社会公众、文化商人还是艺术家和音乐剧自身，都是在等待和呼唤着音乐剧大师与着作的出现。
1927年由小哈默斯坦（Oscar Hammerstein II）编剧、作词，吉罗姆·科恩（Jerome Kern）作曲的《演艺船》(Show Boat)在纽约百老汇首演，该剧被认为是美国音乐剧史上第一座里程碑。从音乐剧的角度来说，《演艺船》是上面提到的各种音乐舞台形式的融合。《演艺船》的故事产生于充满神秘与浪漫色彩的密西西比河，远离百老汇观众的生活经验，多少有小歌剧的味道；歌舞大王齐格飞尔德参与全剧制作也使该剧透露出富丽秀的雍容华贵；拉格泰姆和爵士乐的运用说明黑人音乐已经是杰出剧作不可缺少的成分；最后，从女主角成为明星并与男主角团圆等情节中不难发现音乐喜剧的影响。各种音乐舞台形式和各种音乐元素一起登上《演艺船》，这代表着以往的道路告一段落，并预示着新航程即将展开。
以上回顾早期音乐剧的发展历程，这是一个身份暧昧难明的时期，来自欧洲的各种音乐传统、娱乐杂剧和一些歌舞元素，它们相互影响、缠绕并融合生长。但大致说来这些娱乐传统可分为两大类：一类重剧情，一类重歌舞。重剧情的有产生于欧洲歌剧传统和在欧美都广泛流行的音乐喜剧。歌剧传统给后来的音乐剧带来了庄重典雅、浪漫主义化的成分，其内容多是表现古典神话或异域风味，而音乐喜剧则使音乐剧针对当前时事设计剧情，或针砭讽刺或插科打诨。重歌舞表演的一类音乐剧，则受包括欧美都流行的杂耍秀、综艺秀、时事秀以及富丽秀的影响，在表演形式上不断推陈出新。或重剧情、或重歌舞，在后来的音乐剧发展中，这两种倾向也始终可见，当然，两者融合也是自然而然。音乐剧自《演艺船》开始，其制作逐渐接纳了将戏剧文本与音乐整合为一体的美学标准，试图建议不断发展音乐剧的台词、旋律、戏剧和背景音乐水乳交融的创作技巧，它是严肃音乐剧的开始，它标志着“音乐戏剧”将取代插科打诨的“音乐喜剧”。因此，科恩成为第一位真正的美国音乐剧作曲家，而《演艺船》被认为是碑界式的作品，从这里开始，美国音乐剧作为艺术体裁开始走上了正轨。
http://www.musicalchina.com/bb/printpage.asp?BoardID=88&ID=802
6. 漫谈音乐剧
20年代以前的音乐剧在英、美两国有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢跳舞、喜剧性话剧和含有歌唱的喜剧的影响，另外美国一直有像"齐格菲"一类的轻歌舞剧（故事不重要，但歌舞制作得非常华丽），还有歌舞厅的小型娱乐性歌舞（多数在高档餐厅和宾馆演出，在现在的拉斯维加斯仍能看到）；在英国，音乐剧更多地与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里哀易卜生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更贴近芭蕾舞。
20年代以后，
以典型剧目的创新和突破为代表，美国和伦敦西区都有不同程度的长足进展。 它们是：《演出船》是真正把美国乡土的剧本故事与歌曲、舞蹈组织在一起的成功剧目，并首次在脚本和表演上都突破了种族歧视。
《波吉与贝丝》是把爵士乐与灵魂音乐以及全部关于黑人生活的故事搬上了舞台，并尽力维持了歌剧传统。
《俄克拉荷马》使音乐、舞蹈紧密地与故事进程结合，特别是舞蹈。
《长发》爵士音乐剧的代表作。真正体现了创新和不拘一格，不论是脚本、音乐还是登台方式，都让人充分体会到音乐剧的高度自由。
《平步青云》在音乐、舞蹈、表演三者的协同与整合上登上了新的高峰，创作过程也发生了根本变化。
《奥立弗》是古典的故事加上优秀的歌曲及创新布景技术。
音乐剧被认为是音乐、舞蹈和表演的大综合，《俄克拉荷马》（Oklahoma）一剧是具有典范作用、里程碑式的剧目。此剧中，舞蹈设计德米尔创新地使用了民族式芭蕾，而不是简单地照搬传统的踢腿舞或踢踏舞。它通过音乐、唱歌和舞蹈三种形式的融合，从而使音乐剧成为一种近乎完美的艺术形式。而听音乐剧也逐渐变成一种从属性文化，这把音乐剧中的舞蹈提到一个更高的境界。
《长发》（Hair）是摇滚音乐剧的代表作。它先在外百老汇的先锋剧场登台，剧情的发展并不紧凑，有明显而强烈的反越战内容。高特·麦可德莫（Galt Mcdermott）创作了极富感染力的现代音乐；歌词与剧情发展关系不大，而是一种情绪的表达，更象是嬉皮士的吟诗。它恰恰契合了当时英国的反叛年代和美国强大的反政府运动，因而一再走红。创造了各地巡演、大棚车演出公司及当地"土着"演出公司等商业运作的先例，为百老汇戏剧界带来了不少的活力和经验。使低成本音乐剧成为可能。
《平步青云》（A Chorus Line）是一部关于百老汇音乐剧的百老汇音乐剧，它的创意源于九位音乐剧舞蹈演员与他们的舞蹈老师一起展开的一次个人情感经历的讨论。1975年5月21日在外百老汇演出成功。从概念到演出，从实验发展为最终制作的成功，这在音乐剧史上是史无前例的。该剧把一组组序列演出拼在一起，让演员们共同分享他们每一个人自己的故事。而导演试图发现他们究竟是什么人。观演之间的距离被拉得那么近。创下了当时百老汇历史上连续演出时间最长的音乐剧（6137场）。该剧在1976年获9项托尼奖；1984年的托尼特别奖；1975年获纽约剧评奖及最佳音乐剧；1975年的普利策最佳戏剧奖；1976年戏剧界奖的五个奖项；1977年伦敦晚间标准奖的最佳音乐剧奖。
1916年，演员兼作家出身的奥斯卡·阿舍（Oscar Ashe）创作了欧洲轻歌剧模式的音乐剧《Chu Chin Chow》，该剧极具异国情调，剧情类似天方夜谭，成为英国现代音乐剧史上的突出杰作。再加上史无前例的大量广告宣传，该剧连演了2238场，时间比一战还长。从宣传攻势来讲，它创了纪录，直到卡麦隆·麦金托什的出现。
1953年，爱情音乐剧《男朋友》（The Boy Friend）再创佳绩，连演了2000多场之后转战百老汇。该剧以精确的传统风格、崭新的制作着称。同年，伦敦西区演出时间最长的音乐剧《沙拉日》（Salad Days）公演，在百老汇却惨遭失败。
1960年，《奥立弗》（Oliver）上演，该剧根据英国小说《雾都孤儿》改编而成，是伦敦西区的代表作，至今仍在重演。它创造了一个崭新的布景概念，以后的人确实接受了这一创新。
音乐剧的出台还导致对其它文化作品的讨论和了解庇隆时代的热情，舞蹈风格也就走入了音乐剧史上的第三阶段，第一阶段是以踢踏舞和踢腿舞风格为代表的二三十年代，第二阶段是以芭蕾舞和为主的40年代，第三阶段是《西区故事》所开创的更具有民族舞蹈和爵士舞蹈风格的五六十年代，他的研究产生了现实主义舞蹈语汇。
参考资料
http://culture.qianlong.com/6931/2004/03/02/[email protected]
7. 比较英法美三国音乐剧发展的差异
音乐剧首先在美国兴起、繁荣。“西方文化重视戏剧艺术，但基督教对戏剧的限制颇多。远涉新大陆的北美清教徒也照旧如此，而这种敌视恰恰促成了音乐剧在美国的出现。因为敌视戏剧，清教徒对音乐便较宽容，音乐不仅是教堂之必需，也被他们认为是陶冶性情的需要。由于音乐受到重视，许多剧场为免遭查禁，常宣称自己上演的不是戏剧，而是‘道德对话’。 北美清教徒们继承了基督教对戏剧的成见，却没有继承欧洲的歌剧传统。19世纪30、40年代，宗教宽容逐渐成为共识，新教戒律对人们的日常生活不再过分约束，加之美国工业与城市的繁荣，市民愈加需求各种娱乐形式以满足自己的精神需要。”[4]如此，音乐剧，一种侧重音乐的表演艺术形式，势在必行。
目前，音乐剧在世界各地都有上演，但最代表性的地方是美国纽约的百老汇和英国的伦敦西区。音乐剧的发展历史可分为两个大的时期：1、传统音乐剧时期；2、现代音乐剧时期。
（一）传统音乐剧时期（19世纪中叶至20世纪中叶）
1、早期音乐剧。此时的音乐剧主要从宗教音乐、欧洲歌剧与黑人音乐吸收艺术元素。它积极从民间歌剧（如1728首演的民间歌剧《乞丐歌剧》The Begger’s Opera。最初民间歌剧以对白取代宣叙调，偶尔穿插舞蹈，情节为喜剧而非悲剧，音乐曲调取自流传于街头巷尾的歌曲，音乐与剧情关联不紧。）喜歌剧，小歌剧（创立者——亚克斯?奥芬巴赫Jacques Offenbach,1819-1880），以及黑人音乐①（包括黑人剧、黑人灵歌与布鲁斯、拉格泰姆和爵士乐）中吸纳养分。笔者以为此时的音乐剧还非真正的音乐剧，而是歌剧。但这却证实了音乐剧脱胎于歌剧的历史事实。早期音乐剧如《乞丐歌剧》虽只是现代音乐剧的雏形，但它的大胆变化已经为后世音乐剧的登场做了积极意义上的开拓性铺垫。
这段时期的音乐剧风格与程式不明确，大致可分为侧重剧情与侧重歌舞这两类。
2、古典音乐剧（19世纪10、20年代）。1927年11月15日试演于华盛顿国家剧院，由杰罗姆?科恩（“现代美国音乐剧之父”）作曲，小哈姆斯坦撰写脚本与歌词的《演艺船》是音乐剧史上里程碑作品。《演艺船》“不再是‘那些小丑从楼梯上摔下来，或者公主假扮侍女寻找情人的俗套’，而是以严肃的态度触及了音乐喜剧从未涉足的许多美国社会的重大问题，例如黑人问题，妇女地位问题等等。”[5]大萧条时期的音乐剧（19世纪30年代），有乔治?格什温、埃拉?格什温兄弟发端的讽刺时事音乐剧，乔治?格什温的“美国民间歌剧”（代表作《波吉与贝丝》）。
3、黄金时期（19世纪40、50年代）。首先提及的是理乍得?罗杰斯和奥斯卡?哈姆斯坦。《俄克拉荷马》、《天上人间》、《南太平洋》、《国王与我》、《音乐之声》是他们的五大音乐剧作；其次科特?维尔的运用歌剧手法创作音乐剧的探索，欧文?柏林的《安妮，拿起你的枪》（Anni,Get Your Gun），科尔?波特的《吻我，凯特》（Kiss me,Kate），小歌剧的完美之作——曲作家佛雷德里克?洛依与词作家阿伦?杰依?勒纳合作的《窈窕淑女》（My Fair Lady）以及列昂纳德?伯恩斯坦和杰罗姆?罗宾斯合作的、于1957年9 月26日在百老汇冬园剧场上演的现代版《罗米欧与朱丽叶》——《西区故事》。
（二）现代音乐剧时期（20世纪中叶至今）
1、流行音乐时期(20世纪50、70年代)。摇滚乐出现并融入音乐剧。摇滚乐（rock and roll），1951由艾伦?佛里德首用，源自节奏布鲁斯（Rhythm and Blues）。代表人物是“猫王”艾尔维斯?普莱斯利以及甲克虫乐队。这个时期的音乐剧作品有杰里?赫尔曼的《你好，多丽》，杰罗姆?罗宾斯编导、杰瑞?鲍克和歇尔登?哈尼克作曲作词的《屋顶上的提琴手》（Fiddler on the Roof）。
2、概念音乐剧时期（20世纪70年代）。概念音乐剧又称“反音乐剧”，“它彻底打破传统音乐剧线性叙事（Liinear narrative）的模式，全剧以一个或多个概念（主题）为核心，一些非线性（nonlinear）的、零散的甚至是破碎的故事围绕这个概念展开；与此同时，音乐剧的导演、词曲创作、舞台布景、服装道具、演员表演等各种元素也都互相融合为这些‘概念’服务”。[6]概念音乐剧的开山之作是斯蒂芬?桑坦词曲、哈罗德?普林斯导演的《伙伴们》。之后他们继续开拓，于1971、1973年分别上演了《富丽秀》、《小夜曲》两部音乐剧。
3、国际化、多元化时期（20世纪80、90年代）。以英国音乐剧兴起为标志，其主要表现为：（1）伦敦西区成为与美国百老汇即交相辉映，又分庭抗争的音乐剧圣地。（2）以金牌音乐剧制作人麦金托什与音乐剧大师韦伯为代表的英国音乐剧巨匠的出现。麦金托什有“当代音乐剧沙皇”之美誉。现在我们耳熟能详的四大音乐剧：《猫》（Cats，1981）、《歌剧魅影》(The Phantom of the Opera，1986)、《悲惨世界》(Les Miseradles，1985)、《西贡小姐》(Miss Saigon，1989)。安德鲁?罗依德?韦伯被誉为“现代派音乐剧大师”。代表作有：《耶稣基督巨星》（Jesus Christ Superstar）、《艾薇塔》（1978）、《猫》、《歌声舞影》（Song and Dance，1986）、《歌剧魅影》、《爱的观点》（Aspects of Love，1989）、《落日大道》(Sunset Boulevard，1993)《微风轻哨》（Whistle Down With The Wind，1996）。除此之外，还有鲍伯利和勋伯格的史诗派音乐剧创作。作品有《悲惨世界》(Les Miseradles)、《西贡小姐》(Miss Saigon)。以及20世纪末的后现代音乐剧（“后现代”是20世纪后半叶的思潮，表现为批判性与反对传统和一切权威）。随后音乐剧带着辉煌的艺术成就走入了21世纪。三、纵观音乐剧的历史进程，可以得出音乐剧是生发在西方工业文明与西方人文主义文化共同作用的产物。现代工业文化给予音乐剧时尚多样的艺术表现手段，而人文主义文化赋予音乐剧深刻广泛的人性精神，二者合力把音乐剧一步步推向音乐艺术的颠峰。
8. 欧洲和美国音乐剧发展的历史,脉络和特点
在十七世纪——十八世纪的欧洲，在那些进步思想活跃的国家里。音乐成了人们用来表达思想和感情的有力工具。意大利人找到了用声音概括情感的方式；德国人找到了用声音概括哲理和刻画心理的方式；另外，在法国和英国也发展了富丽堂皇的音乐剧和英雄气概的清唱剧。这是进步的艺术家由于受到文艺复兴思想的启发，有意识地追求一种新的表现方法——最富于戏剧力量的表现方法的结果。歌剧在艺术上的用意是把崇高的情绪贯注给观众，使他们变得丰富而高贵。然而这种华丽的意大利式歌剧并不能完全满足观众兴趣和情感，于是一种被称之为“居于杂要和歌剧两端当中地带”的艺术形式得以产生。历史上第一部“音乐剧”是约翰·凯的《乞丐的歌剧》首演于1728年伦敦，当时被称为“民间歌剧”，它采用了当时流传甚广的歌曲作为穿插故事情节的主，在一定程度上讽刺了统治者和华丽的意大利式歌剧。1750年，一个巡回演出团在美国北部首次上演了《乞丐的歌剧》，这便是美国人亲身体验音乐剧的开端。之后英国喜歌剧、洁国歌剧和维也纳轻歌剧也进行了一些类型尝试，可谓旱期音乐剧的雏形。但是直到1866年，由于音乐剧《黑魔鬼》的冲击才使纽约的观众真正为音乐剧的链力所祈服。《黑魔鬼》也因此被公认为第一部美国的音乐剧。那壮丽的场面及一群赤膊的美丽少女给观众圈下了极为深刻的印象。从那时候起欣赏用歌曲进行润饰的剧目成为最具吸引力的娱乐方式。事实上，第一次使用“音乐喜剧”这一名称要追溯到19世纪后期，制作人乔治·爱德华在伦敦盖伊特剧院上演的作品。1893年英国人S·琼斯创作了一部熔戏剧、音乐、歌舞于一炉的作品《快乐的姑娘》，该剧富有幽默情趣和戏剧色彩，加之通俗易懂的音乐，引起了极大的反响，特别是乔治，爱德华把《快乐的姑娘》带到纽约时，不但很快被约人接受了，还促进了音乐剧在美国的发展。（二）音乐剧的发展经过十九世纪中叶之后半个多世纪的多方位的探索期，音乐剧逐步求得了音乐、舞蹈。戏剧的结合，到二十世纪中期它已成为一种独具魁力的戏剧演出形式。概括他说，它是以简单的有独特性的有吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐舞蹈得以充分发挥其潜能，并把这些因素融合为有机的同一体的艺术。正如《简明不列颠网络全韦》对音乐剧的界定所示：它乃是能“激发情感而又给人娱乐”的“戏剧表演的作品”。如果说，戏剧本身是一种综合艺术，那么与话剧相比，音乐剧则是“综合性”充分发挥的戏剧形式。凭其涤荡心胸的律动节奏，光怪陆离的艺术效果，令人陶醉的戏剧故事，百老汇音乐剧己成为一种与众不同的“日用商品”，被全世界的人们认同着，喜爱看。纵然它的形式本身派生于其它门类，但是它依然成为了一枝盛开的艺术奇葩。美国人自豪地说“美国已给了全世界一种新的形式！”。美国人对音乐剧的兴奋和拥护“就象当年米兰人等待普契尼的新歌剧，或维也纳人等待勃拉姆斯的新作交响曲一般”。他们不仅愿意花很多钱去看音乐剧，并在早餐或聚会中热烈地讨论着他们，而且还执着地期待着罗吉斯的下一部作品。虽然音乐剧是在美国诞生成长的，但其极富时代感的艺术形式和强烈的娱乐性使它正成为世界上所有国家的观众都喜欢的表演艺术。到今天。在美国。欧洲各国以及亚洲的日本，韩国等，音乐剧正以巨大的生命力在文化消费市场争奇斗妍。成为大众文化的一颗名珠。（三）音乐剧的探索期美国的历史虽短，但为使人类赏心悦目却贡献了种类繁多的娱乐。十九世纪，城市如雨后春笋在全美各地建立起来，于是应运而产生两种以城市观众为对象的娱乐形式：轻歌舞剧（Vandevi11c）及其更为粗俗的姐妹剧种---滑稽表演（Burlesque）。轻歌舞剧适合每个人的口味，每周的节目单上有杂技，魔术，舞蹈、动物表演。单口相声（monologist）唱歌和滑稽戏等等。轻歌舞剧的来源很多：合法剧院的幕间特别节目、黑人歌曲表演、卖野药的玩意儿，英国音乐厅的表演和只供男观众欣赏的下流，见不得人的“音乐沙龙”。
音乐剧（Musical theater）是由喜歌剧及轻歌剧（或称“小歌剧”）演变而成的，早期称作“音乐喜剧”，后来简称为“音乐剧”，是19世纪末起源于英国的一种歌剧体裁，是由对白和歌唱相结合而演出的戏剧形式。音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。音乐剧在全世界各地都有上演，但演出最频密的地方是美国纽约市的百老汇和英国的伦敦西区。因此百老汇音乐剧这个称谓可以指在百老汇地区上演的音乐剧，又往往可是泛指所有近似百老汇风格的音乐剧。 音乐剧起源可以追溯到十九世纪的轻歌剧(Operetta)、喜剧(Comedy)和黑人剧(Minstrel Shows)。初期的音乐剧并没有固定剧本，甚至包含了杂技、马戏等等元素。自从1927年演艺船(画舫璇宫)开始着重文本之后，音乐剧开始踏入它的黄金岁月。这时期的音乐剧多宣扬乐观思想，并经常以大团圆的喜剧结局。直至1960年代摇滚乐和电视普及之前，音乐剧一直是最受美国人欢迎的娱乐和演艺形式。1980年代以后，英国 伦敦西区(West End)的音乐剧演出蓬勃，已经追上百老汇的盛况。而随着英国和美国的音乐剧经常在世界各地巡回演出，音乐剧也开始在日本、中国、台湾、香港、新加坡等亚洲地区流行。 1893年曾经活跃一时的英国人琼斯完成了一部后来载入史册的音乐剧《快乐的少女》，在伦敦王子剧院首演时激起观众狂热反响。剧情故事生动连贯，舞蹈演员即是剧中人物，采用相关的舞蹈动作和话剧式的丑角说白，清晰叙述了这些演员如何千方百计跻身于贵族社会的故事。剧情、音乐、舞蹈、喜剧表演等诸多因素自然组合，令人耳目为之一新。这种初显形态的音乐戏剧，吸取了18世纪民谣歌剧和19世纪喜歌剧、轻歌剧的表现成分，融人古典舞、民间舞、话剧表演等多种因素，成为独具风采的新型舞台艺术门类。 第一次世界大战后，音乐剧后来传播到美国，并在美国得到高度冶炼和发展。美国纽约的百老汇，视其为音乐剧中心，甚至将音乐剧统称为百老汇音乐剧。美国音乐剧的内容，偏重于谈情说爱及幽默风趣，音乐轻松愉快，演出方式往往比较富丽堂皇，但仍不失其主要风格。其典型代表人物科恩人称“百老汇音乐剧之父”。 20世纪同样引人注目的还有格什温的《开始奏乐》(1927年)、《疯狂的女郎》(1930年)、《我为你歌唱》(1931年)以及1935年创作的黑人民间音乐剧《波吉与贝丝》，其中的《我为你歌唱》因为剧中讽刺了美国总统选举中的弊病，受到观众的热烈欢迎，并成为第一部获得“普利策奖”的音乐剧。 自20世纪20年代起，百老汇名家辈出，经典佳作频频登台，商业操作生意兴隆，持续铸造数十年的辉煌。百老汇音乐剧发展史上，除科恩、格什温兄弟等风云人物外，在40、50年代有过密切合作的作曲家罗杰斯和剧作家哈默斯坦也为音乐剧事业做出过巨大贡献。他俩合作的《俄克拉荷马》于1943年3月在纽约圣詹姆斯剧院首演，获得空前成功。这是一部反映农村青年爱情生活的故事。其中女主人公劳芮做梦的场景，描写梦幻中与恋人克莱的绵绵情语——雇工加德与克莱斗殴，劳芮相阻——劳芮在加德追逐下奔跑、挣扎……最后从梦中惊醒。德蜜尔在这里巧妙运用双人舞、三人舞，与剧情和谐巧妙的结合，舞姿舞步做了民俗化、美国化的改革，以区别古典概念的芭蕾舞。《俄克拉荷马》是一部里程碑式的作品，成功实践了多种要素的完美综合。此后，罗杰斯和哈默斯坦又合作完成了《旋转木马》、《南太平洋》、《国王与我》。还有一部中国观众十分熟悉的音乐剧。这就是《音乐之声》。这部音乐剧后来被搬上了银幕，作品中的许多歌曲，可谓脍炙人口，流传甚广。 美国百老汇音乐剧的形成具有多元化的音乐内容,它从18世纪30年代出现的民谣歌剧开始,又不断汇融了欧洲其它歌舞的表演特征,加之黑人早期的黑面人游艺表演艺术,到19世纪末为音乐剧演艺艺术的成型奠定了基础.在整个20世纪,美国音乐剧发展的千姿百态,大众化的娱乐性和商业化的盈利性是百老汇音乐剧的具体表现.
9. 如何欣赏音乐剧（２）
市场化（商业运营）
欧美音乐剧文化产业是成熟的产业。在美国的音乐剧界有很成熟音乐剧专业机构，每个相关协会、公会、联盟都有特殊的职能和功用。另外还有健全的演出经营管理机制。如果没有一个健全的音乐剧演出经营管理机制，音乐剧市场营销的诸多措施都是无法实施的。这其中有公会演员施行聘用制，演员中有明星制，创作者们遵循版税制等。
在百老汇一般都不是以固定剧团体制来进行其创作和演出，而是活动剧组。演出人、制作人或者导演，只要有两个条件就可以成立音乐剧创作和演出剧组。其一是自信心；其二是有资金。这自信心是建立在独到创意基础上的。认定自己所选择的题材和艺术构思可以有观众，便可以聚拢各方面的人才。当剧本、音乐和舞蹈创作完毕，就可以和剧场签订租用合同了，这时，也到了在演员公会里招募演员的时候了。这种艺术生产的方式已经存在了许多年，成为艺术市场的基本运作模式，也是促进艺术繁荣的最根本动力。在这个市场中，不仅提供给众多的演员、乐手、舞台美术人员和演出经纪人工作的机会，也赚取了巨额的利润。所有工作人员，无论歌舞演员、乐队成员或是舞美设计都必须一丝不苟的工作，因为在聘任制度下，任何一个参与工作的人员都随时面临着被解雇的危险。聘任制虽有些无情，但也确保了演出质量的艺术水准。
版税制是指着作者权益的分配制度，这个制度对于繁荣文化创作，提高编导的精品意识是有积极意义的。在百老汇音乐剧的发展历史上，由于对作曲家音乐版权的尊重使音乐剧得到了根本性的发展。
1924年美国作曲家、剧作家和发行人协会在长期争取作曲家权利的斗争中赢得了胜利，那些未经作者许可的音乐随便使用的不尊重作者的做法已经从此成为历史。音乐剧也取得了前所未有的发展势头。
在百老汇“版税制”和“利润分成制”都已经很成熟了。如果一首歌曲能幸运地在一部成功的音乐剧中被唱红，如果这部音乐剧同样具有票房号召力，那将意味着巨额财富的到来。这样从现场表演的票房、唱片、单曲、电影版权、巡回演出、家庭录象制品、活页乐谱、业余演出的版权等各种收入便会源源不断地揣进歌曲创作者和出版者的腰包。尤其是那些多年来仍经久不衰的剧目，如《猫》、《合唱班》、《西区故事》、《歌剧院的幽灵》等似乎都已经成为了“赚钱的机器”。
好莱坞的明星制与百老汇的明星制都是娱乐业发展到一定阶段的产物。所谓明星制就是以明星为中心，剧本创作、词曲创作、服装设计、营销推广、传播宣传等都围绕着明星进行，让明星成为大众关注的焦点，运用明星的影响力吸引更多的消费者，以获取更大的商业利润。美国戏剧界盛传这样一句话“在百老汇，如果你能拿到任何一个角色，你就已经成为中产阶级了。”全世界的音乐剧演员，最大的梦想就是在百老汇演出第一主角，也就是最后一个出来谢幕的人。不过耀眼的明星实质上是由制作人或制作企业进行操纵的，在明星们口袋饱饱的时候，更多的金钱流入了制作人或制作企业的钱袋。
操纵市场营销的音乐剧制作人的重要地位早已无可置疑，甚至可以说，现在是制作人的天下。许多音乐剧炒作的锦囊妙计都是出自他们之手。制作人充分考虑到市场的因素，结合当时人们的消费心理，来引导音乐剧的潮流走向。
不同的年代，都会出现出色的制作人。制作是由制作人筹集、组建剧组进行演出，编剧、作曲、作词都不一定具体参与制作，而往往是由版权代理公司将制作权以某种形式卖给制作人。制作人本身或许并不是作曲家、编舞家、剧作家或是明星演员，然而他们却能靠自己敏锐的市场触角来协调所有创作者和表演者、甚至观众。
目前音乐剧发达国家的杰出制作人都是多家剧院的拥有者。演出经营管理运作机制的健全体现在走“剧场策划”的路，使剧院除了传统的职能外，还是一个可以融资的实体，一个各种专业人才聚集的实体。也可以说，定点剧场是成功音乐剧的经验之一。
看“热闹”与看“门道”
“热闹”当然可以看，观众在欣赏音乐剧的时候，真是没有必要带上很沉重的理性包袱，只需用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。看音乐剧实际上是寻求一种体验，不用刻意去想挖掘隐藏在后面的东西。看戏本身也成为游戏。在这里，艺术与生活的界限消失，距离消失。看戏强调视觉与听觉的享受，强调参与。雅与俗的对立观念在此也发生了转变。它不是单纯的雅，也不是单纯的俗，而是雅俗共赏的。在俗的基础上追求雅的品位，在雅的目标下去寻找俗的轻松。在看“热闹”的娱乐中，也许你会情不自禁地被艺术感染。
如果你对这种随遇而安的欣赏方法不满足，你可以尽可能地先找到一些关于这部剧目的剧情及有关介绍和评论，对某位明星的表演、某首歌曲的旋律、某些着名段落做一下预习，这样当你在现场观看的时候，便会有与众不同的欣赏体会。你还可以有你自己的审美标准，而不是跟着评论家们的意见跑。如果你欣赏的是英文音乐剧，懂得英文就是最优越的条件了。因为无论译文怎么好，地方语言仍是无法真正表达出来。
对一部优秀的音乐剧作品，应该争取多看几遍。一部经得起时间考验的作品能够使你百看不厌，常看常新，每遍都有一些新的感受和理解。一般来说，在欣赏一部具体的音乐剧时，可以观察它的三个方面：一、对生活的揭示性；二、艺术独创性；三、娱乐价值。
其实，在实际欣赏的时候，不同的观众会从不同的角度欣赏，也会看出不同的“门道”来。而且欣赏的方法也会随着欣赏的对象而发生变化。由于音乐剧的类型是多样的，所以观众的群体也是多样的。
最传统的轻歌舞剧型的音乐剧主要能吸引对流行歌舞、流行时尚比较感兴趣的年轻群体；严肃性正剧型的音乐剧主要能吸引不满足于轻歌曼舞，不满足落于俗套的爱情故事的观众群体；摧人泪下的悲剧型的音乐剧通常带给观众的是极强的心灵震动和冲击；探索性音乐剧最能适合对现代风格追求的观众，这类音乐剧有极强的个人风格。
不过纵然音乐剧类型的多样，每一种音乐剧类型又有相似之处，好的音乐剧都有荡气回肠的歌唱，只不过有的是流行歌曲，有的却是歌剧风格；好的音乐剧也有令人忍俊不禁的幽默，只不过有的是喜剧中的笑料，有的则是悲剧气氛的调味品；好的音乐剧都有充分的娱乐性，只不过每一部戏的娱乐点不同。
只要你是“需要娱乐的都市人”，你就去看音乐剧吧！无论你属于音乐型、戏剧型、舞蹈型、还是娱乐、休闲型……
说了这么多，到底对不对？还是你实践一下吧！但愿读者朋友们在欣赏音乐剧当中不断有收获，而不止是停留在上述的认识水平上。