如何融入中国画写意

Ⅰ 中国写意人物画技法是什么样的

因性别与年龄的不同，画法也略有不同。一般的画法是头部可用浓墨，也可用淡墨，也可浓淡并用，这要依据具体人物与环境而定。在勾勒面部与五官时，可按结构，也可略微结合一定的明暗关系来处理。勾画后，可稍以淡墨渲染，如眼角、眼眶、鼻底、嘴角、唇中线、下巴等处，渲染以少为好，不要留笔触。

人物的手、足较为难画，尤其手更难一些，画时只要抓住指尖、指中关节及基部关节等处的基本形，手指就可画好。同时注意性别、年龄、质感的不同。如女性的手，柔软而有弹性，男性的有力、沉厚。脚的画法，基本上同手的画法一样，但用笔可比手更粗实些。

衣服画法，浅色衣服，用勾勒法。深色衣服，用没骨泼墨法。用勾勒法时，较薄织物，用线可略细些，坚挺些；较厚织物，用线较粗壮些。这样可表现出不同质感。要注意表现结构的衣纹。不是结构衣纹，可大量省略，同时要注意衣纹的组合与疏密关系。

着色，以墨为主，以色为辅。人物画的色彩，基本上用浓淡的固有色。女性以朱磦为主，男性以赭石为主，面色白些的可适当调粉。写意人物着色，一般情况下，水分宜大些，色彩淋漓渗化，使色墨融为一体。

Ⅱ 不会欣赏中国写意画，怎么办

相对于细致缜密的工笔画，写意画则似乎显得凌乱粗糙、恣肆纵放。其实所谓写意，是要求用极简练概括的笔墨，来描绘出物象的形神，表达一种抽象的意境。

以形写神、形神兼备，不仅要画出物象的外在形貌，而且要表现出对象的精神气质和性格特征。写意画由于对物象内在精神特征的强调，外在的形似就显得相对次要。形体、颜色等都可以夸张、简化。所以不论红花绿叶、青山绿水都可用水墨来画。多少年来，水墨的梅、兰、竹、菊等似乎都较色彩画更具生命力。苏东坡曾以红色画竹，有人觉得不可思议，而东坡说：世上又哪有墨竹呢？显然在苏东坡眼里，颜色的是与非，都是无关紧要的，重要的是竹所具有的精神特征。

要抓住物象的特性气质，必须长期观察，对所画对象非常熟悉。同时必须经过高度概括，去粗取精，才能将客观对象提炼成艺术形象，虽然简练，却更集中，更典型，更具艺术魅力。至此，画家胸有成竹，胸罗丘壑，纵笔写就，恰到好处。因此，写意画看似简略，其内在的蕴含却是极为丰富的。

写意画一般画在生宣纸上，由于生宣纸的渗化力很强，就要求利用好水分，掌握笔墨的轻重快慢、干湿浓淡，这样才能创造出好的艺术形象。

所谓“不似之似”是说形象虽不是十分逼真，而精神特征却更为突出。齐白石画虾脚与真虾不符，却比真虾更加概括，因而也更有魅力。

写意画较之工笔画更强调书法性。书法上的修养直接对绘画产生影响。晚清画家吴昌硕学画较晚，但其书法上的成就决定了其绘画的成功。清代画家八大山人绘画线条的图劲，石涛用笔的恣肆，金农的拙重均可从他们的书法上找到一致之处。

中国绘画强调诗画结合、状物抒情，好的题句能使画的内涵升华。钱松岩以江苏常熟农田为蓝本，作画命名“常熟田”，寓年年丰收之意，一语双关。徐青藤画水墨葡萄，题句以“闲抛闲掷”的“明珠”自喻，慨叹怀才不遇的遭际；郑板桥喻萧萧之竹为“民间疾苦声”，表露了自己的关切之情；唐伯虎画“秋风执扇”以感慨世态炎凉……写意画重“意”的抒写，画有尽而意无穷，并辅之诗文。读画品诗，意味隽永，境界全出。

Ⅲ 如何训练才能画好中国画的写意人物画

画好中国画的写意人物画方法：

1. 众所周知，中国画的写意人物画要画好，其难度是很大的。一位成熟的写意人物画家的成长要经过几十年的培养锤炼。

2. 首先，除具备艺术天分外，还需要高超的造型能力和辛勤刻苦的投入，这当然只是基本条件。

3. 第二，好的中国画家要具有较高的文化素养，尤其要热爱祖国传统文化，从古典文学和古典哲学中理解中国画审美精神的真谛所在。

4. 第三，中国画家要懂得写意精神，懂得追求意境、意趣的审美高度；要涉猎书法，狠下工夫，进入笔墨殿堂，通过书法艺术的抽象美进一步体会中国画崇尚高简的美学境界。第四，画家还要热爱生活、关注人生。要有大爱的胸怀、高尚的人格、开阔的心胸、广阔的视野，这是中国文人爱国主义的优秀历史传统。

5. 艺术高峰的攀登绝无轻松坦途可寻。眼下社会上流行的是快餐文化，青年人对于中外文学经典知之甚少，对于古文、诗词更少接触。浮躁冒进、急功近利的气氛弥漫，青年画家们也难逃影响，这为他们的成长增加了另一考验。令人感到欣慰的是，中华民族文化的伟大复兴，随着民族自信心的日渐提高，正在一步步由理想到现实不断前进。中国画艺术的核心价值——写意精神，坚守的底线——笔墨神韵，也必将得到更多的重视与发扬。

Ⅳ 引用怎样欣赏中国写意画

元代吴镇论画有云："墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。写意画讲究意，欣赏中国绘画创作应当按照南齐的谢赫的六条标准"即六法，它们分别是：1、气韵生动；2、骨法用笔；3、应物象形；4、随类赋彩；5、经营位置；6、传移摸写。这里对六法的解释为：气韵生动：指创作上主题明确，表现真实，形象生动。骨法用笔：指描绘形象上的笔致与线条。应物象形：指选择题材的合度，观察与描绘对象要深刻细致与正确。随类赋彩：根据不同的描绘对象，准确而必要的着色。经营位置：指题材上的取舍与组织，画面的构思与安排。 在欣赏中国写意画时要把握以下几个特点，如此才会从中得到艺术的享受。 立意 古人说作画必先立意，所谓立意就是画的主题。画家在作画之前应把意放在笔先，通过绘画来表达他对生活的看法，把自然景色和个人的感情结合在一起。如画梅就要把梅花迎风斗雪和耐寒的品格画出来，画菊要有傲霜的精神，画竹要亭亭玉立，虚心有节，蒸蒸日上。立意的生动是中国画内在美的流露，这里即有画家的主观因素，又有欣赏者的主观因素，所谓画家的主观因素就是画家对所描绘的客观自然景象的观察、感受、体验，并把感情移入其中。所谓欣赏者的主观因素，就是欣赏者在看画时所产生的想象和联想。因为欣赏者看画的角度不一样，以及欣赏者本人的文化修养素质的高下都决定着欣赏水平的高低。如当代画家李苦禅画的墨荷，水墨淋漓，洒脱奔放，开创了中国近代大写意的一代画风，看上去好像画家在横涂竖抹。可是在特定的空间和时间里它却常常显现出一种特定的性格。 形与神 形与神一直是中国画创作和欣赏所重视的问题，欣赏中国的写意画用自然景物作为标尺，是不全面的，追求表现对象的形体准确、逼真，并非写意水墨画的主要使命，写意画贵在得意，它不但写出对象的外形，更要写出对象的神情，同时也强烈地包涵着画家自身抒发的意境和意趣。只求形似，不是艺术。如动物和植物的标本挂图，可以画的非常准确，但没有人把它们挂起来欣赏。我们在欣赏中国写意画的时候经常看到画面的景物变形。这也是写意画通常运用的手段，变形犹如文学上的夸张手法如李白的诗句"飞流直下三千尺"，或平时人们激动时常说的心要"跳出来"了一样，它强烈、新奇但依然是自然而近情理。 构图 写意画的构图，通常要随手拈来而清新不俗。看一幅画的好坏应掌握两个主要方面的内容：①虚实：中国画里虚实关系可以说无所不在，贯穿在一种艺术的始终，没有虚实的辩证统一艺术就失去了节奏，失去了变化，失去了发展。宾主、疏密、轻重、大小、纵横、开合等等绘画法则，都是从虚实出发，根据虚实的要领进行构图处理的。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合才产生无穷的变化来，有景为实、无景为虚，这是指画面上的虚实；有景、有情，有意化为虚，化虚为实，这是指创作者的构思与欣赏者的联想。②奇特：构图的不平凡总是发源于画家不平凡的构思。作为二十四番花信之首的梅花，先春而绽，傲霜斗雪，冰清玉洁，疏影清雅，暗香宜人。尝观陈简斋墨梅诗云：'意足不求颜色似，前身相马九方皋。此真知画者也"。比如李煜的“清香更何用，犹发去年枝”，李清照的“浓香吹尽有谁知”，王安石的“墙角数枝梅，凌寒独自开”，陆游的“驿外断桥边，寂寞开无主”及“雪虐风号愈凛然，花中气节最高坚”等等。因了这些缘故，我对梅似乎多了一份敬而远之之心，使我对梅似乎有了另外一种感悟。可见艺术离不开奇思妙想，离不开艺术天地里特有的真实性。 笔墨 笔墨是中国写意画的主要特征，是由中国画有一套完整的笔墨工具所形成的。一幅画里笔和墨如同骨肉，不可分离，欣赏一幅画用墨水平高下，要看用墨是否灵活，还是呆板，用墨没有干湿、浓淡的变化，乱成一片，没有光彩叫做融会贯通墨，相反用墨灵活，变化多端，叫做活墨。笔墨是相通的，墨色在中国绘画里似乎能替代一切原色，比如梅兰竹菊多用墨色画线，如郑板桥擅长书法和绘画，相互参融，以画法作书，又以书法的笔法作兰花，风格明快劲峭。清人蒋士铨评曰："板桥作字如写兰，波磔奇古形翩翩；板桥写兰如作字，秀叶蔬花见姿致。" 这出神入化的水墨表现令人痴醉。 成功写意画家的用墨使欣赏者懂得，一张水墨画的高下不但要看画家抖擞的气魄，更要看他透过随意的精心刻划而表现出的胆力和闪烁的魂灵。 诗与画 诗和画有姊妹艺术之称，看了一幅画就像读了一首诗。所谓"诗中有画，画中有诗"，是提倡诗和画都要追求一种美妙的意境，一幅成功之作，它给人的不只有景而且有情，有情与景的交融，这就是所谓一片自然风景是一个心灵的境界。 写意画强调作者的个性发挥。作画不拘常规，肆意涂写.《郑板桥集补遣》金冬心画竹也是喜"乱"，曾言：" 用焦墨竿大叶，叶叶皆乱." 写意画多以书法的笔法作画，同时写意画的用笔也极大地丰富了书法的表现形式，所以写意画家多半是书法学。 以菊入诗，借菊花抒写品格、性情、魏晋陶潜以“采菊东篱下，悠然见南山”自怡，潇洒于归隐和超迈；而后南宋李清照低吟“廉卷西风，人比黄花瘦”，抒发国破流离的凄惋； 以菊入画，寄情于笔墨，在中国画的发展中，花鸟画独立较晚，南北朝以前一直是人物、山水的陪衬，只能屈居于一角或半边，直至南北朝才成为独立的画种，五代时期才趋于成熟，出现徐黄两个画派。但是这两个画派都是以写实为主，直至苏轼提出诗画一律，花鸟也应有感而绘，才引发了花鸟画的变革，入画的菊花也才有了人的品格和情感。 作为情与景的交融，诗和画都有着同样的要求。"远上寒山石经斜，白云生处有人家，停车坐爱枫林晚，霜叶红于二月花"。这是诗，但读起诗好像又似一幅画。一幅成功的画，可把观者带到诗的境界中去，一幅出色的中国写意画，配以书法、诗文、印章，就能蕴蓄深厚博大的意境。 中国写意画本身就是多方面艺术修养渗透、补充而成的综合艺术，有的画初看似乎平淡，但看了几次之后，你就会发现它有丰富的内在美。因而从欣赏的角度应具备以上诸方面的体验，这样才能真正获得艺术的欣赏力，从中得到其艺术享受。

Ⅳ 学习中国画（写意）首先应从哪些方面入手

芥子园》画谱知道不？那可是历代大家初学国画的书啊。齐白石学画就是从芥子园画谱开始的·我学了3年了。强烈推荐

Ⅵ 中国画的写意绘画技法有哪些

写意有小写意、兼工带写、大写意之分。但一般画法并不是截然分开的。

小写意是写意的一种，其特点是简练概括，强调笔墨趣味，在形神关系上，它不求惟妙惟肖而注重“以形取神”，部分摆脱了形的约束。小写意着重整个画幅的整体气势，而工笔则着重结构的交割。但这也不是说小写意可以不要形似，而是和工笔的要求不同罢了。

兼工带写是小写意与没骨工笔之间一种画法。有时也采用一些工笔的画法，也可采用粗画细染的方法，即采用大写意泼墨粗画，再以工笔的烘染法细染收拾，放而不野，细而不腻。大写意是在小写意基础上，进一步削繁成减，更为简括洗练。写意画一般采用先墨后色的方法，常用的技法有泼墨法（墨或色）、破墨法、积墨法和宿墨法。

Ⅶ 如何将绘画的艺术融入摄影作品中

摄影术的发明其实是源于绘画（西画）的，第一代摄影师都是西画师，在摄影发展史中会有介绍。
所以摄影和绘画在很多地方都是相通的，也都是把三维的东西展示在平面。

中国画，特别是写意画更多表现的是“意”，通过深入了解也并不是不能用摄影的形式表现，简单地说，就是在构图上要把画面“简”到极致。

想拍出“像”画的照片，就先去了解画的风格和特点，也要了解相机的特点，然后找到共通点去表现。

一张拙作，希望对您有所帮助！