印度节奏怎么学

⑴ 印度舞的手形是怎样的！！！超超超超快

印度舞的手一定要伸的很开很开，小拇指和无名指往里面其他三个往外面，最好能上翘的那种程度，还有一种就是第四个手指弯下去，别的手指伸直，还有一个就是伸出大拇指，当然那要看舞蹈需要什么动作了，建议你最好看看印度舞的舞蹈就会知道了。

(1)印度节奏怎么学扩展阅读：

印度舞基本动作：

印度舞节奏明快，一段4分钟舞蹈有大约50多个动作。包括了手势、眼神、内心所想、面部表情，这种变化万千的姿势可以代表人的七情六欲，甚至可以代表天地山水等自然景物和昼夜等自然现象

起舞前，腿保持弯曲，手合起来，行开启礼。手伸展开，脚向前跨一步。变换脚步动作。保持微笑。舞蹈动作越来越快，手姿变化丰富。

⑵ 印度音乐特点

解开你最神秘的等待—印度音乐之夜，即将于12月9日在半度雨棚揭开神秘的面纱，先带朋友们了解一下演奏家是如何品评印度音乐的。

(图为当代最杰出的Tabla大师Zakir Hussain在孟买的音乐会，两位打击乐大师的“对阵”。每年2月我都会去这个音乐节。）

初听印度古典音乐，一定大为此中的绚丽的技术，华丽的鼓点，和机智的即兴所震撼，特别如果是身临现场的话，观看到音乐家的演奏行为，尤其令人振奋。但我觉得其他音乐类型，比如爵士乐，也有毫不逊色的同样的特征。

那为什么印度音乐令我觉得格外好听呢？是有什么更加特别之处呢？有人说，我感觉它很“神秘”。我觉得这还真是一个完全不能表达出确切意思的，但在此处很确切的词。

第一：我觉得就最整体的层面来看，传统印度音乐虽然是一种演奏和娱乐，但最终极来说，这种艺术形式是一种美学的表达。是一种令演奏者和听众对于“美”的一种经验。而这种体验通过乐器、声音、节奏、技术、情绪等等手段作为媒介。就像吃迷幻蘑菇，蘑菇本身不是主体，而蘑菇激发的体验才是重点。从这个角度来说，演奏家的技巧、人格处于一种谦卑的地位，他们服务于一种美。

第二：Tanpura——Drone效果。Tanpura这个传统的印度音乐，通常有4到5根弦，没有品，只弹奏空弦。这个乐器的作用就是持续制造一种不间断的声音效果,通常的音建立在主音和属音上，但也要根据不同Raga而定。

看到一句很厉害的话，分享一下：

"Of all harmonic devices, it [a drone] is notonly the simplest, but probably also the most fertile".“所有的和声性乐器中，Drone绝不是最简单的，反而是最富饶丰满的。”来源：van derMerwe, Peter(1989).Origins of the Popular Style: TheAntecedents of Twentieth-Century Popular Music, p.65. Oxford: ClarendonPress

非常赞同！Tanpura制造的一个充满泛音的声域，就像一个神秘的结界，乐器在这个保护场中如泉水般流出来。

第三：Meend。这个是一种在传统印度音乐旋律中最有特征的一种技术。就是从一个音高缓慢或者快速的流动到下一个音高。这种技法在弦乐、弹拨乐中都有。但我觉得，这种技术在人声中的效果最好。或者说，人声在印度音乐旋律方面最有效果。人声具有滑动的能力非器乐能及，在音量上、速度上、运动方式上极度自由。聆听一条旋律中的Meend，就好像音符之间在游动，光影在变幻。

因此，我细细思索了一下，我觉得首先吸引我的是这种音乐传达了一种精神力量，这是一种人对于美的一种实践和探索的质朴纯粹的追求。在服务于这种“大美”的原则下，用音律raga和节奏tala孕化出的音乐表演艺术，不仅仅体现出非凡的技术，但也必须内化成一种精神力量。

印度人普遍热爱音乐，尊敬音乐家，甚至连对乐器都是特别尊重。绝不会跨过一件乐器。我想他们是领悟了印度音乐的这种力量把。

⑶ 印度节奏圈的结构特征是什么,与西方音乐的不同是

印度节奏结构是三拍子、四拍子，不同是自成独立体系。
印度节奏有均分律动也有非均分律动，三拍子、四拍子是最常用的基础节奏。印度音乐的音律、节奏、旋律均不同于西方音乐，自成独立体系。最显着的特征是大量的微分音，典型的印度音律体系将一个八度分为22个微分音。
印度音乐中，节奏节拍的运动总是以某种相对固定的模式而反复地进行着，由于这种模式具有循环的特点，因此被人们称为节奏圈(Rhythm，Circle)——“塔拉”(北印度称Tala或Tal，南印度叫Thala)。

⑷ 我想学印度舞，请问大家好学吗

印度舞有很多动胯的动作
要是你学国舞蹈的话
应该不难
没学过的话
只有靠你自己的领悟力和肢体语言了
你的韧带软的话就没什么问题
当然还要多加练习
我学过舞蹈
也学过印度舞
我觉得并不是很难
加油哦

⑸ 印度歌曲为什么难唱

印度歌曲难唱是因为调子不统一。根据查询相关资料信息，国内的多数歌曲在创作时的特点为节奏统一，便于识别、学习，而印度歌曲在创作时语调速度不一致，并且节奏混乱，时而快时而慢，不易学习，这就是印度歌曲难唱原因。

⑹ 印度舞和肚皮舞

印度舞不是肚皮舞，可以说没有多少相似的地方。
印度舞分为三类：电影歌舞（宝莱坞），民间歌舞（土风舞），古典歌舞。
其中古典歌舞分为八大种类：卡塔克，婆罗多，奥迪西，普契库迪（西游记玉兔精类似），曼尼普利，卡塔卡利，摩西尼，乔舞。
目前国内有教授的是：卡塔克，婆罗多，奥迪西，普契库迪。
撇开起源于宗教不谈，印度古典舞的特征主要靠步法、身、手、眼神。
步法是印度古典舞的基础，学任何一种古典舞，都必须先学步法。
至于腰身，是熟悉了步法套路之后慢慢修炼出来的，卡塔克洒脱的流线型、婆罗多的雕塑感、奥西迪的优雅三道弯，普契库迪的敏捷灵动，都是随着全身的不断练习和配合慢慢凸显出来。
电影舞蹈，是根据印度的多民族特征，在古典舞的基础上‘改良’而来。
而且从电影舞蹈中发展出一种单独的宝莱坞舞蹈，中国没有的学，在美国火爆。
民间土风舞，不是很了解，种类也是很繁杂很多，但跟肚皮舞都得太大的关系。
如果非要问印度有没有肚皮舞，也还是有，在印度侨居的一些土耳其人带过去的，过去没几个人学，现在也有印度人学了。
哦，顺便说一句，波斯舞娘也不是人们想象的那样，带个面纱，穿着大胆清凉，身上挂好多钱币。波斯的舞娘跟新疆的差不多，跳的舞也差不多。

⑺ 我想学印度舞，但在百度知道上看到印度舞有好多种，我分不清每种是怎么样的，学哪种好不学肚皮舞。

印度舞蹈可分古典和民间两类。古典舞蹈有四个，即曼尼普利舞、婆罗多舞，格塔克里舞和克塔克舞。印度舞也可以分为北印度舞（Kathak）和南印度舞（BharataNatyam）。北印度舞的音乐为Hinstani，南印度舞蹈则采用了Carnatic音乐，两种音乐节奏和旋律不同，表现形式也不同。跳Kathak时，腿须笔直，身体曲线始终保持流线形，这种舞蹈讲究用夸张的面部表情和丰富的手部动作，结合华丽的服饰和化妆，通过肢体语言而非音乐来演唱来传情达意；而跳BharataNatyam时，腿可弯曲，身体幅度变化很大，更具欣赏性。 从地区角度看，印度舞蹈可分为北印度舞蹈和南印度舞蹈两类。北印度舞蹈主要有克塔克舞和曼尼普利舞。南印度的古典舞蹈主要有婆罗多舞和格塔克里舞。 1．曼尼普利舞 曼尼普利舞是印度四大古典舞蹈之一，产生于曼尼普尔地区，因而得名。曼尼普尔一向有“舞蹈之乡”的称号，舞蹈是曼尼普尔人生活中的重要组成部分，也是妇女必备的一种美德。 曼尼普利舞，由优美的民间舞蹈发展而来。据民间传说，在古代，湿婆神和雪山神女创造了一种舞蹈，并且选择了一片适于跳这种舞的山谷地带，但是地势低洼，淹在水中。于是湿婆神用他的三叉戟劈山排水，填平了洼地，开辟了一片跳舞的地方，这个地方就是今天的曼尼普尔。湿婆神和雪山神女在曼尼普尔跳的第一个舞蹈叫拉伊哈罗巴舞。拉伊哈罗巴舞就是曼尼普利舞的原始形式，它是一种祭奠村神的舞蹈，跳舞时，往往全村人参加。 曼尼普利舞是几种舞蹈的总称，属于曼尼普利舞的有与颂神有关的班格·贾兰恩舞（快步舞）、格拉达尔·贾兰恩舞（击掌舞）、表现克里希纳（黑天神）童年生活的拉卡尔舞（伙伴舞）、泼水节时跳的塔巴尔·金格比舞（月光舞）等。平常人们所说的而且也是闻名全印的曼尼普利舞，是指充满艳情的拉斯·利拉舞而言。据说，大约在1700年前，曼尼普尔地区出了一位国王，名叫杰辛格。一次，他在梦里看到了拉斯·利拉舞，听到了优美的音乐，便教他的女儿学会了这种舞蹈。从此，使这个舞蹈得以流传至今。 拉斯·利拉舞又包括瓦森德·拉斯舞（春舞）、衮古·拉斯舞（林舞）、马哈·拉斯舞（大舞）、尼碟耶·拉斯舞、迪沃·拉斯舞等。所有这些舞蹈，都是表现克里希纳和高比族（一种牧族）姑娘们之间的爱情和嬉戏情景的舞蹈。舞蹈的主角是拉塔和克里希纳。 拉塔和高比族姑娘们穿一种叫巴尼格的圆圈裙，没有褶纹，裙子上罩一件薄纱，腰部系一根腰带，上身穿一件紧身短衣，头戴薄纱巾和帽子。克里希纳穿黄色衣服。他们的服装色彩，同舞蹈气氛十分协调，使舞蹈显得更加婀娜多姿，优美动人。 2．婆罗多舞 婆罗多舞是南印度泰米尔纳德邦的传统舞蹈，为印度四大古典舞蹈之一。印度学者认为，这个舞蹈渊源于北印度的雅利安文化，但在南印度得到了发展和完善。婆罗多舞在南方的发展，与南方各庙宇里的神奴有密切关系，传说仙人婆罗多是这个舞蹈的祖师。 关于婆罗多舞的来历，说法不一，但不管哪种说法，都与阿周那有关。有一个故事说，在阿周那寄居他乡时，他把这个舞蹈教给了摩德斯耶（维拉特）国的公主乌特拉。后来，这个舞蹈又从维拉特（今天的斋普尔）传到全印度；另一个故事说，阿周那在羯陵伽国京城马勒格·巴登摩时，把这个舞蹈教给国王吉特拉瓦亨的女儿吉特朗格达（她后来同阿周那结了婚）。所以在南印度，一般认为，吉特朗格达后来当了神奴，阿周那回国时，她没有和他一起走。还有一种说法，认为这个舞蹈是由泰米尔纳德邦着名的民间舞蹈古拉温吉舞发展而来。古拉温吉是一个流动的山族，他们在全邦范围内活动，靠看手相和跳舞卖艺营生，他们跳的舞就叫古拉温吉舞。古拉温吉舞比婆罗多舞简单，但是很受欢迎。 哑演是婆罗多舞的特点，通过身体各部分的动作表达丰富的思想感情，诸如战争、爱情、仇恨等等。它需要道具，戴各种面具表达不同故事也是此舞的一大特点。婆罗多舞一般由格尔纳塔克音乐伴奏。阿尔利布琴一响，演员并拢双脚，两手向头上方伸去，然后随着幕后传来指挥演员动作的乐器声，演员用颈部、嘴、眼睛、双手及身体其他各部分的动作和表情，自如地表现各种思想。
3．格塔克里舞
格塔克里舞是喀拉拉邦最有名的舞蹈，也是印度四大古典舞蹈之一。格塔克里舞实际上是一种故事性很强又独具特色的颂神舞。大诗人瓦拉多尔称格塔克里舞为“艺术的皇后”。把故事、诗歌、音乐、舞蹈。表演和绘画巧妙地结合起来，是格塔克里舞的一大特点。 格塔克里舞通常在庙会期间于夜晚演出，剧中所有角色均由男子扮演。表演的形式是哑演，但有敲打乐器伴奏。舞中的故事情节，用朗诵诗的形式表达。诗句都是梵语化的马拉雅拉姆语，一个人在幕后朗诵。演员身躯的姿态和手势，都有一定的象征意义。通过双脚跳动的快慢，两手和十指的各种动作以及眼睛、鼻子和嘴唇等的不同动作和表情来表现诗句的内容。演员们只表演不说话。优秀的格塔克里舞演员，十分精通身体各部分的动作和表演技巧，他们只用眼神就可以表现各种思想感情，用眼睛转动的快慢，表现圆圈，阿拉伯数字“8”等。他们表演天鹅、蛇和猴子等动物的动作，形象也非常逼真。他们甚至可以用半边脸表演憎恶和愤怒，用另一半脸表演高兴和欢乐。 面部化妆在格塔克里舞里占有重要地位。这种化妆，是一种特殊的绘画艺术，经过化妆的面部，有助于表现舞蹈的各种思想内容。他们用米粉熬成的稠浆糊，涂在面部，根据角色的不同，再涂上绿色、红色和黄色等五种颜色，正面人物脸上再涂浅绿色和白色；反面人物脸上涂几层粉白色，鼻子四周涂红色，眼睛四周涂黑色，佩戴红胡须；女角在黄色和淡红色的底色上，涂一层白色。 格搭克里舞，一般都取材于《罗摩衍那》和《摩诃婆罗多》两大史诗，但是现在也有人用它作为政治宣传的手段。 格塔克里舞蹈艺术，一般人不太容易欣赏，但是在喀拉拉邦，人人都能领会它的艺术美，而巳城市乡村都会演格塔克里舞。
4．克塔克舞
克塔克舞产生于北方邦的首府勒克瑙，是北方邦和拉贾斯坦邦的着名舞蹈，也是印度四大古典舞蹈之一。 克塔克本是一个种姓，专门从事舞蹈，以卖艺为生，他们所跳的舞叫克塔克舞。克塔克舞原是一种宫廷艳情舞，在封建帝王时代，专供王公贵族茶余饭后消遣。现在成为大家皆跳的舞蹈。 克塔克舞男女均可表演。内容主要是表现克里希纳与拉塔的爱情故事。克塔克舞演员的脚上系有许多小铜铃，演员随着鼓声的变化而发出不同响声，时而铿锵有力，繁音流泻；时而细碎悦耳，娓娓动听。随着鼓点和音乐用身体各部分的动作和面部表情，表现各种感情，所以有人称它是表演各种体态的舞蹈。目前这种间蹈大多出现在银幕上和舞厅里。 印度除古典舞蹈外，各地还有许多着名的民间舞蹈。印度的民间舞蹈历史悠久，在古典文献《夜柔吠陀》和两大史诗《摩诃婆罗多》与《罗摩衍那》中都有记载。有些是属于宗教性的，有些是属于季节性的等等，不仅内容丰富多彩，而且各具特色，深受群众欢迎，所以有些民间舞蹈能够世代相传。现择要分述如下： 彭戈拉舞，是旁遮普人在丰收季节跳的一种庆丰收舞。舞者不拘老幼，任何人都可参加。只要有块空地，一群人聚在一起，敲起鼓，便可跳起来。开始是沿圆圈跳，新来者可随时加入，而不会打断舞蹈的连续性。鼓手站在场地中央，舞者围着鼓手转圈。鼓者击一会儿鼓，便把鼓槌向上举起，跳舞的人看到举起的鼓槌，便加速步伐，越跳越快，全身也随着快速抖动，并且一只脚着地，举起双手，不断跳跃转圈。跳到高潮时，他们双手击掌，不时发出“巴莱！巴莱！”或“嗬！嗬”的喊叫声。喊声异常威武雄壮，舞蹈欢乐活泼，跳的人常常乐而忘形，看的人也往往手舞足蹈。高潮过后，就变为慢步舞，随着悦耳的音乐，用一只脚缓缓地跳。这时其中一个人突然用手蒙住左耳，唱支歌，大家又立刻像起初那样狂舞起来。如此快慢相间，反复几次，跳的时间可长达几个小时。熟练的彭戈拉舞演员甚至能做出十分复杂的杂技动作，例如躯干接近地面，脊柱后仰或者一个跳舞者站在他的肩膀上，他则屈膝跪着跳舞。由于彭戈拉舞没有严格的规则，它给人们一种新鲜、自然和充满活力的印象。这种舞的动作明确无误地体现了旁遮普邦人的男子汉气概。 彭戈拉舞有几种，其中主要有鲁迪舞、秋莫尔舞、纠格尼舞等等，彼此略有区别。这种舞技巧高超，队形多变，无矫揉造作之感。用音乐和手鼓伴奏，旋律优美，和谐有致，而且自然感人。 舞者的服饰是头上缠时髦的头巾，下身围条漂亮的围裤，上身穿一件丝织宽衣，衣上染着蓝或深红颜色，绚丽夺目。脚上系有脚铃，舞者足部的动作熟练，伴随着音乐、手鼓和脚铃有节奏的响声，生动地表现出勤劳、勇敢的印度人民对生活的热爱；那愉快的曲调和灵巧、优美的舞姿，以及那丰富的表情，体现了印度人民战胜自然，获得丰收的决心与乐观精神。 格塔舞，是旁遮普邦最古老的舞蹈。“格塔”的意思是击掌。从前跳格塔舞是为了取悦天神。今天在人们结婚等喜庆活动时也跳这种舞蹈。 格塔舞非常简单，然而舞姿动人。这种舞通常是在月夜跳，舞者先围成一圈，然后随着急促的鼓点，逐步把圆圈扩大。这时，有三四个人走到圆圈中央开始起舞。他们边跳边唱，起着领唱作用。他们唱的歌叫塔拜或巴德，每次唱到最后一句时，其他人一边拍手，一边重复唱一次，如此反复，直到结束。 格塔舞一般是妇女跳的舞蹈，男子也可以跳，但是要和妇女分开，另外围成一圈。只有庆祝结婚时，男女才可以共舞。 秋莫尔舞（即狂舞），是男子跳的一种舞蹈。虽然不像彭戈拉舞那么着名，但在旁遮普的广大农村也很盛行。因为它是与农业节日有关的舞蹈。这种舞蹈任何时候都可以跳。它和格塔舞类似，跳时先围成圆圈，在鼓声伴奏下，有时男子每人各持一短棒，相互有节奏地敲击，转圈跳舞。跳秋莫尔舞的人，头上要系一种带缨络的华丽头巾，穿白色圆领长衫，披各色布单，布单两头系在左腰，色泽鲜艳的宽边下衣一直笼到脚面，脚穿软鞋。秋莫尔舞十分优美动人，一跳就是三四个小时。 另外，喀喀舞、鲁递舞等，都是盛行的女子舞蹈。 波瓦依舞，是古吉拉特邦的一种着名民间舞剧、形式很特殊，舞中有音乐、舞蹈和戏剧表演，与歌舞剧相似。角色全由男子扮演，观众也全是男的。 表演波瓦依舞剧是袍吉格族、纳耶格族和迪拉格尔族的祖传职业，他们组成歌舞剧团，串乡走村，四处巡回演出。尤其在九夜节时，一定要表演皮瓦依舞，以迎接波瓦依神母（即难近母），这就是舞剧名字的由来。 这种舞剧没有舞台，在露天广场或庙宇的庭院内演出。不过演出时，需要在庭院或广场里放一个难近母神像，并在像前点盏油灯。演出常常从头天晚上持续到第二天清晨。每一个波瓦依舞分几个部分，每一部分叫做一个斯旺格，每个斯旺格有一两个角色，表演某一个神话故事、历史人物或社会人物。舞剧中往往夹杂一些讽刺性的笑话，用以达到某种揶揄目的，很有意思，深受人们的欢迎。 格尔巴舞属于敬神舞，是古吉拉特·邦最受欢迎的民间舞蹈。它有两种形式，即“格尔巴”和“格尔比”。格尔巴舞是女子跳的，格尔比舞是男子跳的。 妇女跳格尔巴舞时，把点着灯的陶罐或某种农作物的青苗放在舞场中央，然后围成圆圈，头顶带孔点灯的陶罐，在伴唱声中，尽情舞蹈，以表示对大地母亲祈祷。此舞别具一格，由于头顶带孔点灯的陶罐，随着身体的摆动发出闪烁的灯光，如同钻石一样美丽，灯光照出的影子也特别好看。过九夜节时，妇女们尤其喜欢跳格尔巴舞。美丽的姑娘们头顶点灯的陶罐，成群结队地跳着舞前往各家，邀请大家前来参加跳舞。连续九天的节日期间，处处是舞蹈，家家有歌声。除了敬神性的节日，如在克里希纳降生节、罗摩诞生节外，其他一些节日也可跳这种舞蹈。春节、姑娘节、寡妇节等节日，也跳格尔巴舞。 格尔比舞是在九夜节时，男子们为纪念难近母神而跳的一种舞蹈。其他时间一般不跳这种舞。舞场的布置和跳法，同女子跳的格尔巴舞一样，只是男子跳舞时，头上不顶陶罐。跳格尔比舞的人，上身裸露或穿带花边的古式长衫，下身穿一条拉贾斯坦式的裤子。 拉斯舞，是古吉拉特邦另一种着名的民间舞蹈，历史悠久。这是一种男女混合舞，有三种形式，即登得·拉斯格（棍子舞）、达尔·拉斯格（击掌舞）、拉黑德·拉斯格（表演舞）。登德·拉斯格舞（棍子舞）在北印度尤为流行。在秋月节时，处处都可以看到跳这种舞的场面，其他节日时也有跳这种舞蹈。从前，拉斯舞只是表演黑天神的生平事迹，只唱与黑天神有关的歌曲，今天歌词内容有了变化，也可唱其他歌曲。跳拉斯舞时，服饰打扮没有一定之规，一般女的穿宽上衣和裙子，男的穿长衫或瘦腿裤，有时要有一个演员打扮成黑天神的模样。
编辑本段特点
基本动作：
印度舞节奏明快，一段4分钟舞蹈有大约50多个动作。包括了手势、眼神、内心所想、面部表情，这种变化万千的姿势可以代表人的七情六欲，甚至可以代表天地山水等自然景物和昼夜等自然现象。 ● 起舞前，腿保持弯曲，手合起来，行开启礼。 ●手伸展开，脚向前跨一步。随着音乐开始变换手姿。 ●音乐中开始出现“咚咚”的节奏，开始变换脚步动作。 ●保持微笑。 ●舞蹈动作越来越快，手姿变化丰富。

⑻ 有谁能简要介绍一下关于拉丁曲、印度音乐、巴西音乐和歌剧等音乐知识

关于拉美音乐
丰富多彩的拉丁美洲音乐

拉丁美洲指的是美国以南直到南美洲最南端的广大地区。面积相当于两个欧洲，包括墨西哥，中美洲，加勒比，南美洲四个部分，古代印第安人曾在这里创造了灿烂辉煌的玛雅、阿兹台克、印加三大文化。音乐在当时也得到了较高的发展。玛雅人的器乐与歌唱、舞蹈紧密地结合在一起，他们用敲击乐器较多，如用半个葫芦制成放在水盆中敲击的水鼓和用坚硬的长豆荚相互敲击的乐器，还有能吹出鸟鸣声的管乐器等。阿兹台克人则经常使用木鼓、竹笛、海螺和葫芦制成的摇铃。在印加人的音乐中，以排箫和竖笛着称，据说当时曾有多达百人的竖笛乐队为舞蹈伴奏。在印加贵族子弟的教育中，音乐是很重要的一部分。无半音的五声音阶是印第安人普遍采用的音阶。

经过300多年的殖民统治后，拉丁美洲的音乐文化发生了巨大的变化。由于大量欧洲（尤其是地处伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙）的音乐文化传播到了整个拉丁美洲。同时，来自非洲的黑人奴隶也带来了非洲的音乐艺术。长时期种族间的混血，也形成了各种新的混合民族。拉丁美洲的文化正是欧洲文化、印第安文化和非洲文化经过长期的碰撞、冲突、渗透、吸收后融合而成的一种统一而又多元的文化。它源于这三种文化而又不同于原有的文化，以崭新的面貌出现在世界上。从宏观的角度看，拉丁美洲音乐也是欧洲音乐、印第安音乐、非洲音乐的混合体。但由于混合的类型、层次、成份、程度各不相同，就形成了十分丰富、多种多样的音乐风格。如今，拉丁美洲音乐正以其色彩的丰富。节奏的独特，旋律的美妙，和声的浓郁，吸引着广大的音乐爱好者。它那无比的热情，充沛的活力，神奇的风貌，使世人为之瞩目。正如拉丁美洲伟大的革命家古巴诗人何塞·马蒂所说的：“这是一片用音乐和大自然秀丽景色装点的和谐和富有艺术的国土”。

拉丁美洲的音乐文化大致可分为三种类型：即印第安人音乐；以黑人音乐为中心的非洲--美洲音乐；以土生白人、混血人音乐为代表的拉美民间乐。

印第安人音乐大致可分为两类：一类是处于孤立偏僻地区印第安人的音乐，如亚马逊热带丛林区的印第安人。由于处于较原始的状态，其音乐比较简单；又如厄瓜多爾尔尔希法罗人的音乐只采用了三个音。巴西卡马尤拉人的音乐也比较简单，但却拥有世界上最长的管乐器--由两根植物茎（一长1.6米、一长2.2米）捆绑在一起的乐器，他们的音乐与舞蹈是紧密相连的，而且往往是在各种仪式、庆典上才表演。这些，对于研究音乐的起源和发展是很有用的。另一类是发展得较高的印第安人的音乐，如秘鲁、玻利维亚、厄瓜多爾尔尔等国的安第斯高原音乐，它是印加传统音乐的继承和发展。他们演奏的排箫、竖笛音乐很有特点，在表现高原印第安人的风情方面十分出色。庄严的太阳神颂歌，忧郁抒情的亚拉维情歌，欢快活泼的瓦衣诺舞曲，都是他们的创造。美妙动人的民间花腔女高音唱法一安第斯高原唱法是世界民间音乐中的瑰宝。印加古都库斯科被称为“美洲考古之乡”，每年6月24日是着名的太阳祭节日，在隆重的庆典上可以见到传统的印地安人音乐歌舞表演。玻利维亚高原的普诺也被誉为"美洲大陆民间歌舞之乡"。

黑人音乐亦称美洲--非洲音乐。这种音乐主要分布于加勒比海和巴西以及秘鲁、哥伦比亚、委内瑞拉的沿海地区。苏里南的原始森林中，逃亡的黑人奴隶和加勒比海的海地保存了较纯的非洲音乐。在巴西的巴伊亚地区和古巴、特立尼达多巴哥等国的黑人音乐，则受葡萄牙、西班牙文化的影响较多。美洲--非洲音乐的特点是节奏在音乐中起主导作用，切分很强烈，常采用多线条节奏，呼应式的歌曲，乐段结构不方整，使用欧洲乐器多，且偏爱敲击乐器。加勒比海流行的钢鼓乐就是黑人的创造。这是一种用汽油桶制作的旋律性敲击乐器。这种来自汽油桶的美妙音乐震惊了世界。巴西的桑巴、伦都和古巴的伦巴，加勒比海的卡立普索、曼波、恰恰恰以及秘鲁的马里涅拉、冬德达等舞曲，都是较典型的美洲--非洲音乐歌舞体裁。

拉美民间音乐指的是：主要受到欧洲音乐强烈影响的土生白人、印欧混血人的音乐。这类音乐直接来源于伊比利亚半岛，但在几百年的漫长岁月中己适应了拉丁美洲的风土人情，产生了变异。它基本保留欧洲音乐体系的基础（包括调式、和声、节拍、乐段结构等），但它那热情洋溢的风格，激荡人心的气氛，已根本不同于伊比利亚半岛的民族音乐了。这种音乐的特点是带有淡淡的怀乡、忧愁的色彩，重唱形式多，唱法放松，音色柔和抒情，采用3/4及6/8节拍多，乐段结构较方整，采用吉他很多。来自西班牙的竖琴在拉美也流行很广，但乐器音色变得嘹亮明快、"竖琴之国"巴拉圭还发展了用竖琴伴奏的独唱、重唱等形式。具有小吉他形状和曼陀林音域的恰朗戈（五弦琴）、蒂波里（三弦琴）、瓜德罗（四弦琴）等弹拔乐器都是欧洲音乐文化与印第安音乐文化巧妙结合的硕果，现已成为拉美音乐中不可缺少的乐器。在墨西哥还发展了一种溶吉他、小号、小提琴、低音吉他为一体的马里阿奇乐队音乐，特色鲜明，很受欢迎。

墨西哥的松，智利的库艾卡，阿根廷的探戈，秘鲁的秘鲁园舞曲等都是典型的拉美民间音乐歌舞体裁。

文字
关于印度音乐

夫天籁者,吹万不同,而使其自已也,咸其自取,怒者其谁呼!聆听Nikhil Banerjee的现场演奏,此时是一种坐忘形骸,天人合一的境界.我想告诉你那种感受,却不知如何去描述,或者只能心传而不能口述.如果想了解印度音乐就先来看看它的发展历史和它与印度历史的联系,印度音乐是一个古老的系统,据说它的起源可以追溯到吠陀经.很多民间传说伴随着印度古典音乐的发展,这些传说奠定了印度古典音乐的美学,声学理论基础.Long time ago,由于处于两个时代的变迁,人们变得焦虑,不可教化.他们被欲望,贪婪,魔鬼,yakshas神以及一切邪恶的精神支配着.这些邪恶的幽灵成群浮游于地球上.Indra(印度教主神)恳求梵天赐予人类一样无形的玩具,供人们解闷.传说中的圣地便是今天阿富汗首都砍大哈,sangeet就是神赐予人们的玩具,一种天上的艺术.人们必须选出有能力的代表去接受这个礼物.sangeet一直都只属于半神半人的领域,因为它需要超人类的精神力去接受,领悟.直到Narada的出现,他是第一个人类接受者.

Sangeet同义于音乐,即印度古典音乐,具体包括三种艺术形态:声乐,器乐,舞蹈.印度古典音乐是神圣的,是一种精神上的救赎.它要求学习者忘其形骸,用心灵去接受.进行印度音乐的学习如同修行.需要年复一年的时间,因为印度音乐非常非常复杂,经过多年的练习才能自如控制它,进而得到另一种提升，进如半人半神的境界.Sangeet有一复杂的系统,准确来说是高度完善的节奏和旋律系统.rag是旋律系统,tal是节奏系统.印度音乐演奏一般都是即兴的,演奏时装饰音是基础,从一个音到另一音不是直线的,而是一种精妙的运动,是婉转曲折的.这里提供给音乐家一个可以自由发挥想象,自由表达的空间.

重要的一点是印度音乐有它自己的记谱法,在世纪初的西方音乐运动中,众多音乐家到印度采风,把印度音乐的音阶,音律,调式介绍到西方.古老的记谱法得到翻译,也便于学习了.

rag起源于梵语的"raga",意热情.rag是sangeet的主要表达手段.

印度的古书中记载有九种基本的情感,其他的情感可以由它们混合而成.就象所有的色彩都可以由三原色混合得来.这九种情感是:Shringar-Love/Hasya-Comic/Karuna-Sadness/Raudra-Furious/Veera-Heroic/Bhayanak-Terrible/Vibhats-Disgusting/Adbhuta-Wonderment/Shanta-Peace

印度古典音乐建立在rag这个旋律美妙的声学媒介之上.rag不同于西方音乐理论中的任何概念,它有四个基本特征:swar,modal structure,jati,Arohana and avarohana.

swar是印度音乐的七音符:sa,re,ga,mapa,dha,ni,基本的音符组成音程.七个音符之间都有特殊的联系,比如说你从ni上升到sa,下个音的开始并不在sa,可以在re,ga,ma等开始,是跳跃式的.这是印度音乐的基本装饰音,是精巧典雅的螺旋式的细部.

modal structure,这里类似西方音乐理论的调式.swar的特殊运动产生出了调式的复杂,共有32种,其中常用的且为人熟知的也就十种,分别是:Bilawal,Khammaj,Kafi,Asawari,Bhairavi,Bhairav,Kalyan,Marwa,Purvi,Todi

jati就是一个rag里用到的音符,一般的rag不会用完7个音.有五个音的rag,有六个音的rag.前者称为audhav jati,后者是shadav jati.用到全部7个音的rag就是audhav-sampurna.Arohana and avarohana描述rag用的是上升结构还是下降结构.

节奏系统比rag出现得早,因此tal在印度古典音乐里的重要地位是毋庸置疑的.tal的节奏乐器主要是tabla,陶罐,帕克瓦吉双面鼓等,随着时代发展,后两种在现在已经很少用到.今天tal的主奏乐器便是tabla.tal由九个基本概念构成，分别是Tali,Khali,Vibhag,Matra,Bol,Theka,Laya,Avartan,Sam.

Tali没有什么明确的概念,英文中字面意思是clap(拍手).它的实际运用在于现场演奏时,音乐家用拍手声去指定哪一个小节是需要强调的,rag的特色能由一定模式的拍手次数刻画出来.另外也方便其他演奏者,singer与tabla鼓手的沟通.tali对于概念化印度音乐节奏系统是非常重要的.

Khali是tali的相对概念,动词化它就是挥手的意思.演奏时通常用挥手的动作指定需要强调的第一拍或第一小节,它的主要运用是指定每个小节的第一个重拍(sam).Khali对匀称的节奏性16拍的Tintal,6拍的Dadra是非常重要的.举个例子:Khali对匀称的Tintal作精确的定位,如果没有Khali，Tintal会混乱成一小节四拍没有重点够不成基本的16拍循环节,因为很难去找到开头的重拍。Khali在北印度古典音乐中经常用到.

Vibhag类似于西方理论中的小节(注意这里只是类似,在印度音乐中循环的概念比小节重要)两小节线间有一定的拍子,一小节通常可以由两拍,三拍,四拍,五拍组成.习惯上一般Tintal为四个小节四拍,Ektal一般为三小节两拍(不包含段落线).另外,用挥手去定第一个强调的拍子,用0做记号,2标记的是次强调的拍子,依次类推,sam是最重的,用x标记.

Matra类似于拍子.sam是一个循环节(avartan)的开头第一拍,也是最重要的一拍.印度音乐并不是按节拍器时间行进的.拍值可以自由伸展或压缩.非常自由!

Bol就是击打鼓面发出不同的音高.它对于tal异常重要.有了音高的区别就重新定义了tal,tal并不是简单的节奏系统了.这也是北印度古典音乐于南印度古典音乐的一点区别.在北印度音乐中,bal是一种即兴的,自由表达的语言,而在南印度音乐中,bol只是作为一种公式化的语言存在.Zakir Hussain之所以为鼓王,因为他就是bol的绝世高手.基本音高如下:
XDha Dhin Dhin Dha | 2Dha Dhin Dhin Dha | 0Dha Tin Tin Na | 3Na Dhin Dhin Dha

Theka是组织bol和Vibhag的确定模式,类似于节奏性.Tintal是基本的类型,它用到Dha,Dhin,Ta,Na,Tin这些基本bol,例如:"XDha Dhin Dhin Dha | 2Dha Dhin Dhin Dha | 0Dha Tin Tin Na | 3Na Dhin Dhin Dha ",这些bol基本上是由pakhawaj(帕克瓦吉双面鼓)定音.

Chautal是另外一种节奏型,用到as Dha Dha Din Ta, or Te Te Ka Ta Ga Di Ge Na等bol,这些bol也是由pakhawaj定音.如:"XDha Dha Din Ta |2KiTa Dha Din Ta |3TeTe KaTa |4GaDi GeNa ".通过观察发现Theka是建立在一定对称的结构上.例如:"jhaptal:XDhin Na | 2Dhin Dhin Na | 0Tin Na | 3Dhin Dhin Na Dadra "节奏型如:"XDha Dhin Na | 0Dha Tin Na "有些也是不对称的,Rupak节奏型如:" 0Tin Tin Na | 1Dhin Na | 2Dhin Na ".从以上的描述中可以看出Theka的组织形式不是定死的,可以有很多变化,无论是一个循环节还是小节部分或bol部分,这就考验了演奏者的技术.这也是北印度古典音乐独有的标签,并非为了演奏而演奏.

Laya类似于频率(tempo),单位为拍/分钟.基本类型有:ati-ati-drut 640 /ati-drut 320 /drut 160 /madhya 80 /vilambit 40 /ati-vilambit 20 /ati-ati-vilambit 10.laya的一个有趣运用就是tal的tempo高于singer的tempo,造成一种类似蒙太奇的对比.另外在演奏中tempo不是定死的,而是不断变化的,随心情而定.
sam上面说过就是一个循环节的第一拍,重拍.用x注明sam.

Avartan是基本循环节,由一定的拍组成,有16,14,12,10,8,7,6.现在的印度音乐基本上用到的就是那几个.

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⑼ 印度舞蹈基本动作16个有哪些

印度舞节奏明快，一段4分钟舞蹈有大约50多个动作。包括了手势、眼神、内心所想、面部表情，这种变化万千的姿势可以代表人的七情六欲，甚至可以代表天地山水等自然景物和昼夜等自然现象。

1、起舞前，腿保持弯曲，手合起来，行开启礼。

2、手伸展开，脚向前跨一步。随着音乐开始变换手姿。

3、音乐中开始出现“咚咚”的节奏，开始变换脚步动作。

4、保持微笑。

5、舞蹈动作越来越快，手姿变化丰富。

(9)印度节奏怎么学扩展阅读：

印度舞的一个重要元素是手姿。手部姿态约有100多种，每一种手姿都有特定的意义，有的代表美丽，有的代表和平，有的代表生气，有的甚至表示丑陋。印度人相信手姿是人和神交流的符号，而不同的神喜欢不同的手姿。

印度舞手语变幻莫测。比如用手指脸的姿势表示美丽，荷花手姿是表演给神看时常用的手姿。手姿不仅表演起来令观者眼花缭乱，花样繁多的手姿还反映了表演者活跃的思维，是一种真正的脑部锻炼，可谓“心灵手巧。