17世纪意大利舞女主要做什么

㈠ 17世纪初意大利学院派艺术的特色是什么

学院派艺术：欧洲的学院派艺术首先在意大利形成。17世纪卡拉奇兄弟创造了自己的风格和欧洲第一所美术院校，在学院中，崇尚希腊罗马。称学院中的古典主义或学院派艺术。

㈡ 17世纪意大利的3个艺术流派 及其特点和影响

三个流派：学院派艺术、巴洛克艺术、现实主义艺术。
学院派艺术：产生最早的美术学院—波伦亚学院，其创始人为卡拉奇兄弟
巴洛克艺术：其特点为它是为当时封建宫廷、贵族和教会服务的艺术；在艺术风格上，与文艺复兴时期的严肃、含蓄、和谐相反，具有生动、豪华、气势雄伟、注意光和光的效果等特点，代表人物是贝尼尼。
现实主义艺术：其特点为注重写实，热爱自然，渴望即刻可及的现实。对鲁本斯、委拉斯贵支、伦勃朗等都产生过影响。

㈢ 外国美术史的主要画派分别是什么

19世纪以来在西方流行的主要美术流派：新古典主义美术、浪漫主义与现实主义美术、印象画派、现代主义美术五大流派。

(3)17世纪意大利舞女主要做什么扩展阅读：

意大利的达"芬奇、米开朗基罗和拉斐尔是文艺复兴美术的三位代表。达"芬奇既是艺术家又是科学家，其杰作《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》等皆被誉为世界名画之首。米开朗基罗则在雕刻、绘画和建筑各方面都留下了最能代表鼎盛期文艺复兴艺术水平的典范之作。

他塑造的人物形象，雄伟健壮，气魄浑宏。拉斐尔则以其塑造的秀美典雅的圣母形象最为成功。他的圣母像寓崇高于平凡，被誉为美和善的化身，最充分地体现了人文主义的理想。

㈣ 舞女是干做什么事

舞女指旧中国大城市的舞厅中，由于女性较少出现在这种场合，为了满足男性跳舞需求，就出现了以伴舞为职业的女性。

㈤ 艺妓主要做什么

日本艺妓产生于17世纪的东京和大阪。最初的艺妓全部是男性。18世纪中叶,艺妓职业渐渐被女性取代,这一传统也一直沿袭至今。 艺妓并非妓女。她们的交易是满足男人们的梦想——享乐、浪漫和占有欲。通常与她们交易的,都是上层社会有钱有势的男人。 今天,仍有少数女性抱着浪漫的幻想以及对传统艺术的热爱加入艺妓行业。但在二战以前,绝大部分艺妓是为了生计,被迫从事这一职业的。在艺妓业从艺的女妓大多美艳柔情,服饰华丽,知书识礼,尤擅歌舞琴瑟,主业是陪客饮酒作乐。 艺妓业是表演艺术,不是卖弄色情,更不卖身。行业规定,艺妓在从业期内不得结婚,否则,必须先引退,以保持艺妓“纯洁”的形象。 日本历史上的艺妓业曾相当发达,京都作为集中地区曾经艺馆林立,从艺人员多达几万人。不过,艺妓业在二次大战后大为萧条了,只是在经济恢复后一段时间内,随着公司公关业的升温,旅游业的兴旺,艺妓又兴盛了一时。据估计,目前京都的艺妓只不过200人左右，一些艺馆转作他用,艺妓业的衰退已成不争事实。 艺妓虽衰犹存,虽也努力进行改革，但风光不再,消亡也只是时间问题。因为在现代青年男女看来,艺妓已过时了。值得注意的是,尚操此业的艺妓却不失信心。她们甚至周游各地,借以提高身价。有的人更明确地说：艺妓是京都的象征,传统的古老文化必须加以保护。近年来,对于艺妓的衰与兴、保与弃还存在针锋相对的斗争。

㈥ 17世纪意大利背景

十七世纪的意大利仍然是欧洲文化艺术的中心。

开始于十五世纪的伟大的文艺复兴运动，唤醒了在中世纪中沉睡了数百年的欧洲。国王和教皇们的昏庸、跋扈与腐朽动摇了他们自身的统治地位。为了维护其神权的不可憾，他们倾其所有，礼聘艺术大师用雕刻、绘画、建造装饰教堂时极尽豪华，以展示宗教的肃穆、崇高与威严。

而欧洲各国的君主（如法兰西、西班牙）为了表明专制集权的"君权神授"也紧步其后尘。此时，处于上升时期的资产阶级在社会生活中的咄咄逼人之势显露了强大的生命力。同时，它的奢靡与腐朽也使这些统治者们的艺术趣味完全享乐主义化了，这是巴洛克风格形成的深层次的社会原因。

㈦ 舞女为什么被人看不起，什么是舞女，都做什么呢

因为很多人都觉得舞女是卖肉的.我也这么觉得咯..穿一两件衣服 扭扭屁股 很骚的....

㈧ 意大利文艺复兴时期日常生活中有啥礼仪或风俗

意大利人性格豪放，感情丰富，待人热情，彬彬有礼。意大利人的姓名多由两节组成，前一节为名，后一节为姓，如安东尼奥·布朗卡乔，“安东尼奥”为名，“布朗卡乔”为姓。在文函、信件、请柬里要书写姓名全称；在社交场合，一般在姓的前面冠以先生、女士、小姐；相互关系亲密的朋友见面，可以直呼对方的名。意大利人见到外来客人，总是热情打招呼，握手致意，寒暄问候，有时也行举手礼。亲朋好友相见，除握手外，还要拥抱并相互贴对方的面颊。异性之间可以握手问好，也可以男性吻女性的手背。意大利人喜欢以头衔相称，并同名字或先生、女士、小姐连称。

意大利人十分注重公共场合的文明礼貌。观看足球比赛，遇上精采的场面，意大利人可能欣喜若狂，尽情发泄内心的感情，但在歌剧院，影剧院则鸦雀无声、任何 郧运接 都会招来周围一片斥责的“嘘、嘘”声。如果向意大利人问路，即使是陌生人，对方也会热情指点，耐心解答，有时甚至会开车将问路人送到目的地。意大利的警察在公众的心目中有着良好的形象，他们讲究职业道德，态度热情，服务周到，遇有外国客人和上了年纪者横过马路，他们都要主动护送，人们有什么事情都爱找警察帮助。

意大利人在谈话时，喜爱用手势和表情加强语气或代替语言，初到意大利的人，由于语言不通，有时要用手比划，用表情或动作来表达自己想要说明的意思，但要弄明白，你的动作在当地是否含有你要表达的意思。在日常生活中，意大利人的手势主要有这样几种：用拇指和食指围成圆圈， 其余指头向上竖立，表示一切顺利，事事如意；用食指按在腮帮上转两下，是赞美某位女
性的漂亮；伸出食指，来回摆动，说明“不能这样办”、“我不赞成这样做”；伸出两手，手掌向上，耸耸肩膀，表示“我不知道这件事”；五指并拢，手心向下，对着腹部来回转动，表明“我饿极啦，想吃点东西”；用食指放在脸颊上来回转动，表明“我真爱吃这种食物，味道好 了”；五指并拢，用食指敲击自己的额头表明“你真是一个傻?”、“你简直笨得可以”。

㈨ 一种起源于意大利的舞蹈剧。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。

芭蕾舞……

【芭蕾舞传统和形成】
“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是法语"ballet"的音译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和结构形式、其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫廷形成。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。
芭蕾舞是用音乐、舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：①一种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段,综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体,用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当一部分没有故事内容,也没有情节,编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。
ballet一词,源于古拉丁语ballo。最初,这个词只表示跳舞,或当众表演舞蹈,并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术,孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,17世纪形成于法国宫廷,这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下,具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演,由专业的舞蹈教师设计,国王和贵族担任演员,女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央,观众则围绕在大厅周围观看;演员戴皮制面具标志不同角色,故又称假面芭蕾。
1661年,路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变,引起了舞蹈技术和审美观点的变化,演员站立的姿势越来越外开,由此正式确定了脚的5个基本位置,这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生,并逐步取代了贵族业余演员,职业女芭蕾演员也开始登台演出,舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的,宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面,实际上是一连串舞蹈表演,剧情反而显得无关紧要,这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张,强调舞蹈不只是形体的技巧,而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮,在他和其他许多演员、编导的持续努力下,芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革,这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离,形成一门独立的剧场艺术。
在芭蕾发展史上,主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为,芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导B.de博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美,几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节,往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前,这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中,舞蹈要表现戏剧性内容,"情节和舞蹈设计要保持统一,有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题,和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消",舞剧中"不仅是舞蹈技术光辉夺目,更须通过戏剧性表现,从情绪方面感动观众"。上述两种主要观点至今仍在起作用,不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品,也有的编导热衷于无情节芭蕾,注重形式美,两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的,并作为保留剧目经常上演。20世纪以来,各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显,出现了许多不同风格的作品。
创作一部芭蕾作品,编导是关键人物,他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思出舞剧结构或舞蹈结构,再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾语汇)--芭蕾技术技巧,以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力,编导应该深谙它们长于表现什么,不能表现什么;而演员则应该训练有素,能适应并创造性地体现编导的构思,只有具备这些基本条件,芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有:独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等,编导运用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈)、现代舞等,按上述形式可以编出多幕芭蕾(分场或不分场,如《天鹅湖》)、独幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品(如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化,以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中,这些规范和程式已被大大突破,不断出现新的探索和创造。