A. 序曲是什么
曲是最古老的器乐体裁之一，它对其他一些器乐体裁的发展，特别是交响曲和交响诗，起着很重要的作用。顾名思义，序曲可以比作一部作品的序言或绪论，它在音乐中最初是指歌剧、清唱剧、大合唱、舞剧或其他戏剧作品演出之前的一段前奏式的器乐曲，即主要是一种闹场性质的音乐。但是，这种早期的闹场音乐非常简单，实际上只是几声响亮的号声而已，相当于现今剧场演出之前的三遍铃声。最古老的民间市集戏台或木偶戏演出就是这样，甚至十七世纪初在意大利歌剧中，像蒙特威尔第(Monteverdi，1567-1643)的歌剧作品，有时也还是这样。
十七世纪末，开始出现两种不同范型的戏剧前奏——法国序曲和意大利序曲。所谓法国序曲，是法国民族歌剧的奠基者吕里Lul1y（1632—1687）所创立的。这种序曲从一段宏伟、壮严、缓慢，而且往往是进行曲式的引子开始,当中接上快速、活跃的一段音乐，多半用复调的风格写成，最后重复开头那段慢速度的音乐，或用慢速度的小步舞曲作为结束。法国的这种歌剧序曲具有“慢-快-慢”的结构。意大利序曲则相反，它也可以分成明显的三段，但是它的开头一段速度疾快、活跃而有力，当中则插入一段缓慢如歌的旋律，最后又是快速度的舞曲性段落，而且时常运用意大利民间的塔兰台拉舞曲或基格舞曲的节奏。这样，意大利序曲构成的是“快-慢-快”的结构。这种意大利的歌剧序曲主要是由意大利作曲家阿·斯卡拉蒂(A．Scarlatti，1660-1725)创立的,这种序曲可以说就是在一个世纪之后出现的多乐章交响曲的雏型。由于当时的法国歌剧主要用于波旁王朝的节日庆典，而意大利歌剧却拥有更广大的观众，因此很自然地，意大利歌剧序曲在风格和内容方面都不如法国序曲那般“雍容高贵”。不过，十七至十八世纪的这两种歌剧序曲，同歌剧本身的内容和情绪并没有深刻的联系。因为当时轻浮的观众在角色出台之前，总是忙于应酬他们的朋友，剧场秩序安静不下来，而作曲家也知道观众从不注意序曲的演奏，因此也不想在这方面多花功夫。这样一来，一首歌剧序曲多次被用于不同的歌剧，已经司空见惯，无论是作者或是听众，谁也不在意。
序曲作为一种艺术形式，成为戏剧中的重要组成部分，始于十八世纪下半叶。那时，德国歌剧作曲家格鲁克在进行歌剧改革时，曾为序曲定出一条划时代的准则——他在自己的歌剧《阿尔刻提斯》的绪言中写道：“我认为，序曲应该暗示出作品的主旨，为观众即将观赏的戏剧先在情绪上做好准备”。格鲁克的歌剧《伊菲革涅亚在奥利斯》序曲，就是当时这种歌剧序曲的优秀范例之一。由格鲁克始创的这种古曲歌剧序曲，直到十八世纪末才最后定型，基本上采用奏鸣曲形式的结构，莫扎特的歌剧序曲多半属于这一类。
歌剧序曲要同歌剧本身保持有机的联系，再简便不过的方法，就是直接摘用歌剧中同剧中发展关系最密切的片段或者最能体现歌剧主角的性格的旋律(如咏叹调等)作为主题。莫扎特的歌剧《唐-璜》序曲和格林卡的歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》序曲，都是这方面的范例。但有的序曲同歌剧本身并没有主题上的联系，例如莫扎特的歌剧《费加罗的婚姻》序曲和罗西尼的歌剧《塞维勒的理发师》序曲等。
贝多芬的序曲在音乐史上具有非常重要的意义，他在序曲这种规模不大的体裁中，用朴实简洁和高度概括的音乐形象，表达出深刻的思想内容；他的戏剧序曲已经远远超过一般的“绪言”作用，而变成了整部戏剧作品的中心内容的集中体现。
然而，贝多芬的才华毕竟还是集中反映在交响曲方面，序曲的发展终于落到他的年轻的同时代人、德国浪漫主义歌剧之父——威柏身上。威柏的歌剧序曲无论是音乐主题，或者是情绪色彩，都同歌剧本身密切相关，成为一种精致的音画，把听者引入歌剧的情绪氛围之中。威柏的歌剧《自由射手》、《奥布朗》和《优兰蒂》序曲，都是这类作品中的杰作。
十九世纪上半叶是浪漫主义歌剧序曲的黄金时代，随后，序曲的影响便明显消退了。这方面有两个原因：第一，十九世纪下半叶有些作曲家，例如瓦格纳，认为歌剧本身已经足以说明戏剧故事的情节，序曲无须再涉及故事的内容，因此，许多作曲家倾向于压缩序曲的规模。宁愿改用前奏曲这种比较简短的体裁，只限于在幕前酝酿一种情绪；第二，当时抒情剧院的新观众，一般都是真心来看演出的，而且也有一定的欣赏能力，因此也没有必要用很响的音乐去延迟开幕的时刻。结果是：像十九世纪末意大利作曲家普契尼的歌剧《波希米亚人》，几乎只有几个小节的引子，便立即转入歌剧的第一幕。
除了歌剧序曲之外，十九世纪许多作曲家还热衷于创作一种并非起“序言”作用的新型序曲，这种序曲并不从属于任何戏剧作品，但它往往带有标题，同一定的诗意内容、如古典文学或民间创作的形象和情节以及民间生活的画面有联系。这种独立的标题性序曲叫做音乐会序曲，它的创始者是德国作曲家门德尔松，第一首专为音乐会演奏而写的这种序曲，便是他的《仲夏夜之梦》序曲。标题性音乐会序曲的数量很多，如门德尔松的《芬格尔的岩穴》序曲、格林卡的《西班牙序曲》、柴科夫斯基的《一八一二年》庄严序曲和《罗密欧与朱丽叶》幻想序曲等，这类序曲有的实际上是标题性交响曲或交响诗的一个变种。
B. 急死人~~~~求 巴哈《意大利协奏曲》一系列相关背景
意大利协奏曲(BWV 971)是巴赫最受欢迎的键盘作品之一。创作于1734年，巴赫把此曲题为“依意大利趣味的协奏曲” (Concerto nach Italienischem Gusto )。现在简称为“意大利协奏曲”。从登科时代起，巴赫受了意大利的影响，而到了莱比锡时代之后，把研究所获得的意大利型协奏曲的方法，活用于单一乐器的企图，促成了“意大利协奏曲”的这部作品。
这首作品于1735年在巴赫键盘练习曲(Clavier-Ubung)的第二册中与BWV 831法国序曲(Ouverture nach franzosischer Art)同时出版。这首意大利协奏曲是为双层键盘的大键琴所作，在双层键盘的曲目中，这是一首非常重要的作品。从库普兰(Couperin)到莫扎特(Mozart)这段期间的双层键盘大键琴作品中很少有标明如何运用上、下层键盘，都是任凭演奏者自己对音乐的诠释来处理。几乎可以说，只有巴赫的这首意大利协奏曲是将如何使用双层键盘标示最清楚的一首作品。这首作品不但在音乐的内涵、音乐的结构、以及音色上的运用有相当完美的表现与安排，对演奏双层键盘大键琴的技巧更是能够发挥到淋漓尽致。或许是因为时代的变迁使得钢琴兴起而大键琴势微，人们较少谈论这首在双层键盘大键琴中属于重量级的作品。该段音乐选自其中的急板(Presto)。
C. 名词"意大利歌剧序曲"怎么解释
意大利歌剧、清唱剧、舞剧、其他戏剧作品和声乐、器乐套曲的开始曲。17世纪早期歌剧的序曲是一种简短的开场音乐，没有固定的形式。A.斯卡拉蒂的序曲，定型为由“快板—慢板—快板”3段组成,除了开头的快板常用模仿复调技术外，其余两段都用主调体制。这一形式的序曲史称意大利序曲，又称交响曲，如G.B.佩尔戈莱西的《女仆夫人》序曲、C.W.格鲁克的《帕里斯与海伦》序曲。创始于J.-B.吕利的法国序曲,则包含壮严缓慢的引子(常用附点节奏)和赋格式的快板，最后以悠长缓慢的尾声或舞曲结束。G.F.亨德尔和J.S.巴赫的序曲都属这一类型。巴赫的 4首乐队序曲（又称组曲）是冠以法国序曲的组曲。18世纪后半叶以后的古典序曲，大多采用奏鸣曲式的戏剧性结构。歌剧序曲必须起着暗示剧情和引导听众进入戏剧的作用，是格鲁克从事歌剧改革的目标之一。他的《伊菲格涅亚在陶罗人里》序曲，预示了第1场的暴风雨气息。其后的多数歌剧序曲都采纳了格鲁克的这一原则。W.A.莫扎特的《唐璜》和《女人心》序曲，还采用了歌剧中的音乐主题。L.van贝多芬的3首《莱奥诺拉》序曲、C.M.von 韦伯的《魔弹射手》序曲和R.瓦格纳的歌剧序曲，又进一步加强了表现剧情的功能。反之，19世纪法国大歌剧的序曲，往往只是把歌剧中的曲调串连在一起的集成曲。贝多芬的《埃格蒙特》序曲开了为话剧写作序曲的风气之先。继起者有F.门德尔松的《仲夏夜之梦》序曲。19世纪浪漫派作曲家，把序曲发展为一种独立的标题性管弦乐曲，世称音乐会序曲，如门德尔松的《赫布里底群岛》、《平静的海和幸福的航行》、《美丽的梅露西娜》，H.柏辽兹的《罗马狂欢节》、J.勃拉姆斯的《学院节庆序曲》和《悲剧序曲》，都是交响诗的先驱
D. 序曲的乐理知识
乐理中的序曲是指歌剧、舞剧等开幕前演奏的短曲，亦称“开场音乐”，由管弦乐队演奏，其使命在于综合地叙述全剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角发旋律。下面我给大家带来序曲的相关 乐理知识 ，欢迎阅读!
序曲的乐理知识(一)
1、序曲是歌剧、舞剧等大型作品的前曲，最早只是为等待观众入场而演奏的简短音乐段落。
2、从18世纪中后期德国音乐家格鲁克的歌剧改革开始，将剧情因素引入序曲，使之逐步与歌剧的戏剧性融为一体，从而能更有效地引导观众进入歌剧发展的过程。
3、19世纪以后的序曲越来越向音乐会序曲发展，并演变成单乐章的交响诗形式。
序曲的乐理知识(二)
17世纪早期歌剧的序曲是一种简短的开场音乐，没有固定的形式。A.斯卡拉蒂的序曲，定型为由“快板—慢板—快板”3段组成，除了开头的快板常用模仿复调技术外，其余两段都用主调体制。这一形式的序曲史称意大利序曲，又称交响曲，如G.B.佩尔戈莱西的《女仆夫人》序曲、C.W.格鲁克的《帕里斯与海伦》序曲。
创始于J.-B.吕利的法国序曲，则包含壮严缓慢的引子(常用附点节奏)和赋格式的快板，最后以悠长缓慢的尾声或舞曲结束。G.F.亨德尔和J.S.巴赫的序曲都属这一类型。巴赫的4首乐队序曲(又称组曲)是冠以法国序曲的组曲。
18世纪后半叶以后的古典序曲，大多采用奏鸣曲式的戏剧性结构。歌剧序曲必须起着暗示剧情和引导听众进入戏剧的作用，是格鲁克从事歌剧改革的目标之一。他的《伊菲格涅亚在陶罗人里》序曲，预示了第一场的暴风雨气息。其后的多数歌剧序曲都采纳了格鲁克的这一原则。莫扎特的《唐璜》和《女人心》序曲，还采用了歌剧中的音乐主题。贝多芬的三首《莱奥诺拉》序曲、C.M.von韦伯的《魔弹射手》序曲和R.瓦格纳的歌剧序曲，又进一步加强了表现剧情的功能。
反之，19世纪法国大歌剧的序曲，往往只是把歌剧中的曲调串连在一起的集成曲。贝多芬的《哀格蒙特》序曲开了为话剧写作序曲的风气之先。继起者有F.门德尔松的《仲夏夜之梦》序曲。19世纪浪漫派作曲家，把序曲发展为一种独立的标题性管弦乐曲，世称音乐会序曲，如门德尔松的《赫布里底群岛》、《平静的海和幸福的航行》、《美丽的梅露西娜》，H.柏辽兹的《罗马狂欢节》、J.勃拉姆斯的《学院节庆序曲》和《悲剧序曲》，都是交响诗的先驱。
序曲的乐理知识(三)
早期的序曲，即十七世纪末叶和十八世纪前半叶的序曲有两种主要类型：一种是法国作曲家吕里创始的法国式序曲，由慢板-快板-慢板三个段落组成;另一种是意大利那不勒斯歌剧乐派代表人物斯卡拉蒂确立的意大利式序曲，由快板-慢板-快板三个段落组成，它的快慢顺序恰恰和法国式序曲相反。
亨德尔的清唱剧《弥赛亚》的序曲是法国式序曲，分慢板-快板-慢板三个段落。一开始是慢板的引子，音乐采用一长一短的节奏，显得庄严肃穆。然后是快板乐段，它是序曲的主要部分，用“赋格段’写成。赋格的主题短小精悍，雄健有力。最后，音乐又回到慢板。构成一个短短的结尾。
格鲁克的歌剧《巴里斯和海雷娜》的序曲，是典型的意大利式序曲。分快板-慢板-快板三个段落。第一段是进行曲性质的快板，富于英雄气概。第二段是抒情的中板，同第一段形成了刚柔的对比。第三段是欢快活跃的回旋曲，分成a-b-a-c-a五个小段，是回旋曲的主题。这首序曲三个段落的主题各不相同，但第三段和第一段的旋律有密切的联系。
早期的歌剧序曲和歌剧的内容没有直接的关系，往往一部歌剧的序曲可以借用于另一部歌剧。以后，格鲁克和莫扎特在不同程度上提高了歌剧序曲的表现力，使歌剧序曲开始具有暗示剧情的作用。而贝多芬为歌剧《费台里奥》所写的四首序曲，则把这一体裁提高到交响音乐的水平。尤其是其中的《雷奥诺拉》第三序曲，表现人物性格和戏剧冲突更为深刻。
贝多芬的《雷奥诺拉》第三序曲，是采用歌剧音乐的主题贯串着戏剧性的发展而写成的。如果仅仅把歌剧中几个最精彩的主题组合起来，而没有贯串这种戏剧性的发展，那就叫做“集锦式”的歌剧序曲。法国作曲家托马的歌剧《迷娘》的序曲，就是一个典型的例子。
《迷娘》是根据歌德的小说《威廉·迈斯特的学习年代和漫游年代》创作的。歌德笔下的威廉·迈斯特，是资产阶级启蒙运动时期德国市民青年的代表，他要摆脱狭隘的生活天地，走向自由世界，到实际斗争中去认识生活的意义。序曲包含歌剧的五段音乐：第一段是老艺人在迷娘养病时所唱的摇篮曲，吐露了慈父对爱女的舐犊深情。第二段是老艺人的竖琴音乐。第三段是迷娘对威廉倾诉自己的身世时所唱的歌。这首歌很有名，被称为“迷娘之歌”。这是一首波洛涅兹体裁的三拍子舞蹈歌曲。第五段是菲丽娜的福拉纳舞曲。福拉纳是一种六拍子的威尼斯舞曲，表现出生动活泼的情趣。五段音乐既不是随意的凑合，也不是顺着在歌剧中出现的次序排列，而是按照美学原则精心剪裁的一幅镶嵌画。
E. 序曲是什么
序曲指歌剧、舞剧等开幕前演奏的短曲，亦称"开场音乐"，由管弦乐队演奏，其使命在于综合地叙述全剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角发旋律，它仿佛是剧情的缩影。十七、十八世纪的歌剧序曲分为"法国序曲"及"意大利序曲"两类。
F. 意大利歌剧是什么时候兴起的有什么样的文化背景
诞生于佛罗伦萨的意大利歌剧，在威尼斯和罗马的发展并未突破蒙特威尔第所开创的风格，直到17世纪下半叶在那不勒斯出现了一个新的歌剧流派，才出现了根本性的转变。
那不勒斯的作曲家们将宣叙调与咏叹调清晰地区分开来，并更加倾重于咏叹调，尤其强调美声演唱技巧，发展管弦乐以服务于歌唱，还固定了歌剧序曲的三个组成部分，确立了后世意大利歌剧风格的主要特点，可以认为，是那不勒斯乐派确立了19世纪意大利歌剧的民族性。
到18世纪初，那不勒斯乐派独具个性的歌剧风格达到成熟，喜歌剧由正歌剧的“幕间剧”发展出来。———“幕间剧”又叫“插剧”，是大型正歌剧中间休息时上演的短剧。亚历山大·斯卡拉蒂(A.Scarlatti,1660-1725)是那不勒斯乐派的开创者之一，随后出现的佩尔戈莱西(Pergolesi,1710-1736)、奇马罗(Cimarosa,1749-1801)和皮钦尼(Pic?鄄cinni,1728-1800)三人，则代表了这一乐派的顶峰。
佩尔戈莱西23岁时创作的《女仆作夫人》是早期意大利喜歌剧的杰作，也是那不勒斯乐派的代表作，它是1733年上演的正歌剧《高傲的囚徒》的“插剧”，全剧长度不足五十分钟，共两幕13曲，讲的是一个女仆如何做了自己主人的夫人的故事。佩尔戈莱西一生十分短暂，只活了37岁，他去世前不久完成的《圣母悼歌》为同类作品的典范。
在《女仆作夫人》之后，奇马罗萨创作于1766年的《秘婚记》和皮钦尼创作于1760年的《好姑娘采基娜》两部喜歌剧，不论规模还是结构，都已经非常成熟了。那不勒斯乐派歌剧风格的影响此时已经遍及欧洲，并一直持续到18世纪中叶以后的二十多年间。
到19世纪上半叶，意大利歌剧传统经由罗西尼、多尼采蒂和贝利尼等作曲家，传承到了威尔第的手中。
G. 什么是巴洛克时期的前奏曲
巴洛克时期音乐
概述：
时间：大约1600到1750年，也叫通奏低音时期。
分三阶段：早期 1600-1640是巴洛克风格的形成期；
中期 1640-1690是巴洛克风格的定型期
晚期 1690-1750是巴罗的风格的盛期，也是完善期
背景：（兴起的原因）
这种风格的重要推动力是16世纪的人文主义思潮。
科学和文化的发展，特别是实验科学的进步。
宗教仍然很兴盛，新教和天主教的斗争都在利用这种新风格为其服务。
具体内容：
巴洛克音乐的主要特点
共六点
1． 两种作曲常规
蒙特威尔第提出“两种常规”思想。即“古代风格”为第一常规，他自己的新手法为第二常规。这种思想象根源于柏拉图，强调音乐要为歌词服务。
2． 通奏低音
是一种不同于文艺复兴时期的复调织体的主调和声织体。
起源：16世纪末教堂管风琴音乐中应用的“管风琴低音”声部
实现：至少两种乐器；1演奏和弦的基本乐器2演奏低音部的低音乐器。
第一个提出通奏低音这个名词的人是 维亚达纳
意义：通奏低音的运用贯穿于整个巴洛克时期，成为巴洛克音乐的一个最重要的技术特征。
3． 情感论
4． 调性和声与对位
大小调的调性和声体系在巴洛克时期趋于成熟。
第一部调性和声语言完全成熟的音乐作品是意大利作曲家科雷利创作的。
首次对这种和声体系做出理论解释的是法国作曲家拉莫，着有《和声学》于1722年在巴黎出版。
5． 节奏与记谱
音乐史上，通常节奏变化会导致记谱变化。
典型的巴洛克及走一般分为两类：一种是非常规整的；另一类是非常自由的。
巴洛克时期出现了小节线并被系统的使用于有规律的节拍之中。
作曲家在作品的开头标记一个谱号成为一种习惯性的做法。
6． 声乐与器乐
巴洛克时期器乐与声乐的发展是并行的。
声乐：单声歌曲这种新风格的出现，歌剧，清唱剧，康塔塔诞生。
器乐：纯器乐的体裁得到了长足的发展。
乐器制造：小提琴家族形成；晚期，最初的钢琴出现；管乐器得到发展。
歌剧的诞生及其早期的发展
时间：1600年前后出现在意大利的佛罗伦萨。
定义：歌剧是一种用音乐来表现的戏剧。是一种集美术、音乐、文学、戏剧、舞蹈等相关艺术的综合艺术形式。
第一部歌剧的产生与佛罗伦萨的“卡梅拉塔”活动直接相关。
形成：古希腊时代就有了与音乐有关联的悲剧；中世纪的教仪剧是一种歌唱的戏剧；文艺复兴时期，带音乐的戏剧更充分的发展起来，出现牧歌剧；15世纪末，意大利的一些宫廷里出现了幕间剧（所有的幕间剧都是带音乐的，大部分是装饰性的旋律和简单的和声伴奏构成）。
歌剧最直接的来源是16世纪末意大利北部的宫廷娱乐活动和在这种活动中产生的幕间剧。
早期的歌剧：《达夫尼》是利努契尼写的一部田园剧，科尔西为它谱曲，佩里花了三年时间将它完成，1598年上演。
《优丽迪茜》是第一部音乐完整保留下来的歌剧，由佩里和卡契尼作曲，利努契尼作脚本。
卡瓦里埃利也是最早的歌剧作曲家之一。
早期的歌剧中，一些重要角色通常是由阉人歌手担任，这种做法
一直持续到莫扎特 、格鲁克、梅耶贝尔的时代。
在唱诗班里使用阉人歌手的做法直到20世纪初才被教皇正式禁止。
蒙特威尔第与《奥菲欧》
克劳迪奥.蒙特威尔第是巴洛克早期的一位伟大的作曲家，他的创作是从文艺复兴晚期通往巴洛克的一座重要桥梁。
1601年他建立起自己的名声，在贡扎拉宫廷被提升为乐长。
1607年2月他的第一部歌剧《奥菲欧》在曼图亚上演。
现存作品有：三部歌剧，一部芭蕾，十二卷牧歌，五部宗教音乐作品。
他的最后一部歌剧是《波佩亚封后记》
《奥菲欧》 共五幕，纯粹的宣叙调占的比例较小，而是大量的运用了牧歌、单声歌曲、咏叙调和各种器乐形式。明显的体现了蒙特威尔第对人性的深刻洞察和他用音乐刻画性格的能力。
虽说这不是最早的歌剧，但却是早期歌剧中艺术成就最高的一部。
罗马、威尼斯和那不勒斯的歌剧
罗马
背景：歌剧在罗马主要通过富有的教会人士的兴趣和赞助来发展
作曲家及作品：阿加扎利《尤米利奥》
兰迪《奥菲欧之死》《圣阿莱修》
罗西《魔法宫殿》
卡瓦里埃利《关于灵魂与肉体的戏剧》
威尼斯
1637年，威尼斯建立了第一座公众歌剧院——圣卡西亚诺剧院。
作曲家及作品：曼内利《安德罗梅达》
卡瓦利的33部歌剧大部分是在威尼斯上演的
《卡利斯托》《基亚逊》等
切斯蒂 《金苹果》
那不勒斯
17世纪末，那不勒斯的歌剧创作和演出活动日渐繁荣，达到了前所未有的高峰，形成了18世纪意大利歌剧的标准形式。
标准形式：
两种不同形式的宣叙调：1干唱宣叙调，用于较长的对白或独白，独唱声部只用通奏低音伴奏
2带伴奏的宣叙调，用于富有情感性和戏剧性的紧张场景中，独唱由乐队伴奏。
返始咏叹调得到了很大发展。
斯卡拉蒂
着有115部歌剧和多部清唱剧，康塔塔。
代表作有《格丽塞尔达》、]
特点：他的歌剧中，神话题材较少，他喜欢情节严谨的历史题材；主人公大多是经历爱情风波的贵族，结局通常是大团圆；他一般使用干唱宣叙调来处理那些对白较多的叙述情节的场景。
斯卡拉蒂的乐队编制：弦乐器，通奏低音乐器，双簧管和大管，偶尔使用小号或圆号。
法国、英国和德国的早期歌剧
法国
背景：有深厚的戏剧传统；杰出的戏剧家高乃伊、拉辛、莫里哀
有悠久的芭蕾舞传统；意大利歌剧的影响。
作曲家及作品：法国早期歌剧的主要代表是吕利，共有13部歌剧（抒情悲剧），代表有《阿尔米德》《阿尔采斯特》他的歌剧序曲被称为法国序曲（有两部分：1是慢板，主调风格；2是快板，赋格风格）
1669年，法国的第一座公众歌剧院在巴黎建立。
英国
英国歌剧受法国和意大利的双重影响。
《围攻罗德》通常被认为是英国的第一部歌剧。
完整保留至今的有约翰.布洛的《维纳斯与阿多尼斯》和亨利.普塞尔的《迪多与伊尼》（他是英国巴洛克时期最伟大的作曲家，这是他唯一的一部真正的歌剧，故事情节以迦太基女王迪多的悲剧为基础）
德国
海因利希.许茨是德国宗教音乐的重要作者。
1678年，在德国北部的汉堡建立了一座公众歌剧院。
作曲家及作品：汉堡最重要的歌剧作曲家是凯泽，1696-1734年见他共写了75部歌剧在汉堡上演。
其他还有马泰松、泰勒曼、亨德尔等
其他大型声乐体裁
清唱剧
清唱剧是一种类似歌剧的大型声乐体裁；
它源自教堂会众在仪式中劳达的歌唱，几乎和歌剧同时产生；
大部分清唱剧是宗教内容的，在教堂或音乐厅演出；
它有一个叙事故事的人，更强调合唱，没有舞台动作和服装布景；
除了合唱，还采用歌剧中使用的各种咏叹调、宣叙调和咏叙调；
创作清唱剧最重要的作曲家是卡里西米。
康塔塔
康塔塔既可以使用宗教体裁也可以使用世俗体裁，有小型和大型两种。
罗马是早期康塔塔创作的主要中心。两位多产的作曲家是罗西和马拉佐利
亚.斯卡拉蒂是最重要和最多产的康塔塔作曲家（约600首）
宗教康塔塔在巴赫的创作中达到了一个完美的顶峰。
受难乐
用音乐表现《圣经》福音书中有关耶稣受难故事的一种古老体裁
1650年，德国出现了一种清唱剧式的新型受难乐。
协奏风格的宗教音乐
是一种声乐和器乐结合在一起的作品
重要作曲家
许茨 《扫罗.你为什么要迫害我》《圣诞清唱剧》《大卫诗篇》（他的第一部宗教作品）
器乐的发展
诞生了赋格曲、奏鸣曲、和协奏曲
博洛尼亚乐派
背景：博洛尼亚的公众音乐生活是以当地的很多教堂为中心的。
圣彼特罗尼奥教堂就是其中最重要的一处；
着名的博洛尼亚乐派就是从这开始的。
奏鸣曲在巴洛克时期泛指器乐作品，康塔塔泛指声乐作品。
1600年前后，奏鸣曲被分为两类：教堂奏鸣曲和室内奏鸣曲。
17世纪奏鸣曲的特点：1大部分是为两个高音乐器和通奏低音而作
2一种独特的奏鸣曲在1700年后逐渐流行
3无伴奏的独奏奏鸣曲和乐队演奏的奏鸣曲
作曲家及作品：卡扎蒂、维塔利和科雷利
科雷利是巴洛克时期最有影响力的小提琴家，他几乎只为弓弦乐器创作，其中大部分是当时流行的三重奏鸣曲。《f小调三重奏鸣曲》
各国的键盘音乐
巴洛克时期的键盘音乐包括管风琴和古钢琴两类
德国
管风琴
17世纪管风琴音乐与制造业最发达的地方是德国，大部分着名的管风琴作曲家都集中在信仰路德教的德国中部和北部地区。
体裁：有三种——托卡塔，赋格曲和以众赞歌为基础的作品
以众赞歌为基础的音乐有四种：众赞歌赋格曲；众赞歌前奏曲；
众赞歌变奏曲；众赞歌幻想曲。
17世纪初荷兰的斯威林克和德国的沙伊特是重要的管风琴作曲家。
17世纪末成就最高的德国管风琴音乐家是布克斯特胡德。
古钢琴
包括击弦古钢琴和拨弦古钢琴
体裁：托卡塔；幻想曲；前奏曲；赋格曲；变奏曲；组曲；奏鸣曲；其中最重要的是主体与变奏和组曲这两种。
组曲：来自意大利的室内奏鸣曲，包括阿拉曼德舞曲；库朗特舞曲；萨拉班德舞曲；基格舞曲。
作曲家：弗罗贝格 出版过三卷古钢琴组曲 他对巴洛克组曲的标准形式的建立做出了贡献。
意大利和法国
17世纪上半叶，意大利最重要的键盘作曲家是弗雷斯科巴尔第。他最重要的作品集是《音乐之花》
法国键盘音乐的代表人物是弗朗索瓦.库普兰，代表作有四卷古钢琴组曲还有两部理论着作《伴奏的规则》《羽管键琴演奏艺术》
协奏曲
巴洛克的器乐协奏曲有两大类：大协奏曲（器乐协奏的一种最早的形式）和独奏协奏曲
1682年前后，科雷利在罗马完成了他的第一部大协奏曲。
独奏协奏曲是影响最深远的一种形式。
安东尼奥.维瓦尔第强化、完善、扩展了巴洛克协奏曲的风格。
巴洛克晚期的几位大师
让-菲利普.拉莫
他是法国18世纪最重要的作曲家、理论家和键盘乐器演奏家。
主要作品：4卷羽管键琴独奏曲；1卷室内乐作品；约30部舞台作品
特点：他的歌剧从吕利的传统中继承了很多东西，加强了戏剧效果，使用大乐队伴奏和更旋律化的宣叙调，合唱与每幕中娱乐性的歌舞场面篇幅更大
他的最重要的理论着作是1722年发表的《和声学》他的功能和声理论不仅对当时的作曲实践作了总结，而且对随后两个世纪的和声理论产生了影响。
多米尼科.斯卡拉蒂
代表作有：555首键盘奏鸣曲，都是单乐章，每一首都类似一首练习曲，要求演奏者从中解决一定的技巧运用和音乐解释方面的问题。，多用再现二部曲式。
格奥尔格.弗利德里希.亨德尔
1685年2月23日出生于德国哈雷
他一生大部分时间是在创作歌剧，大约40部，首创英语演唱的清唱剧
他的写作风格基本上是意大利式的
代表作：《水上音乐》《弥赛亚》（以《圣经》和英国国教祈祷书的诗篇为基础，分三部分，分别叙述了耶稣的诞生、受难、复活。）
约翰.塞巴斯蒂安.巴赫
出生于德国中部一个着名的音乐家族
1708年，他在魏玛宫廷担任管风琴师，创作了包括《18首众赞歌前奏曲》等的管风琴作品。
1718-1723年，他在科滕的利奥波德亲王那里担任乐队指挥，创作主要是世俗器乐曲。有《平均律钢琴曲》第一卷、《无伴奏小提琴奏鸣曲》、《勃兰登堡协奏曲》等。
1723年5月，他迁至莱比锡，担任托马斯学校的乐监和莱比锡市的音乐指导。这时，他计划为教会年写五套康塔塔，最后完成了两套，现存的巴赫的康塔塔有两百多首。他还创作了两不受难乐——《耶稣受难乐》。这些作品超越了宗教仪式的局限，具有很强的戏剧性，体现了巴赫作品中深刻的人道主义精神。
重要作品：《平均律钢琴曲集》是他的器乐创作中非常重要的作品，各有24首前奏曲与赋格，共48首。向人展示了运用十二平均律便可以在任何一个调上自由的转调。
1721年他收集了他的最好的6首协奏曲献给勃兰登堡的克里斯蒂安.路德维希侯爵，即着名的《6首勃兰登堡协奏曲》。展示了他写作大协奏曲的技巧。这部作品规模较大，使用了多种多样的独奏乐器组合。
1733年，他创作了《b小调弥撒》晚期代表作有《戈德堡变奏曲》《音乐的奉献》和《赋格的艺术》（40年代中期开始创作，对巴洛克时期发展到顶峰的赋格曲进行最后总结）
巴赫音乐的特点：1作品中广泛吸收了18世纪初流行于欧洲各国各种音乐风格与形式，并把它们发展到了新的高度；
2使和声与复调这两种对立的因素在作品中取得了完美的平衡：
3既有十分简洁而有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美地的音乐技巧
本章名词解释与听辨内容：
名词解释：
现代风格（装饰风格）指在作品中采用无预备的不谐和音或非正规的解决等
通奏低音：有一个独立的低音声部持续在整个作品中；上方有比较华利和富于装饰性的高音部。
单声歌曲：17世纪上半叶在意大利出现的一种带通奏低音伴奏的独唱世俗歌曲的总称。
宣叙风格：一种近乎语言的音乐风格
幕间剧：一种穿插在喜剧幕间表演的寓言剧、神话剧或田园剧，出现于15世纪的意大利宫廷。
意大利序曲：被认为是交响乐的前身，包括三个不同的部分快-慢-快，中间是对比性的柔板，最后的快板是三拍子的，带有基格舞曲式的节奏。
赋格曲：一种严格运用卡农模仿手法的复调体裁。
破碎风格：一种节奏精致的琶音织体。
协奏曲：独唱与合唱、两个分开的乐队、不同的乐器连在一起，协同合作，进行演唱和演奏． 简介“巴洛克”这个词在音乐史上的含义。
葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和8世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格（见下文）。
2． 巴洛克时期音乐的旋律有什么特点？
乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注目的是旋律中有明确的和声属性。
3． 巴洛克时期音乐的节奏是怎样的？
主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。
4． 巴洛克音乐采用什么调式？
大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。
5． 巴洛克音乐的和声是怎样的？
已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。
6． 什么是通奏低音（thoroughbass, 又称作数字低音figured bass或basso continuo）？
巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器(通常为古钢琴)的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字（如数字6表示该音上方应有它的六度音和三度音）。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。
7． 巴洛克音乐的织体是怎样的？
复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。
8． 巴洛克时期的曲式是怎样的？
以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。 [ 相约加拿大:枫下论坛 rolia.net/forum ]
9． 巴洛克时期有哪些主要的音乐体裁？
声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。 器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲（以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主）、协奏曲（管弦乐协奏曲、大协奏曲、、独奏协奏曲）。
10.巴罗克时期音乐的情绪是怎样的?
在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比.
11.巴罗克时期音乐的力度是怎样的?
不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。
第一节.歌剧的诞生和早期歌剧
1. 歌剧（Opera）诞生于何时何地？它是怎样诞生的？
16世纪末、17世纪初诞生于意大利的佛罗伦萨。由巴迪宫廷的卡梅拉塔会社（camerata，意为俱乐部或小集团）成员巴迪、温琴佐.伽利莱伊以及佛罗伦萨学者梅在经过大量的对古希腊悲剧研究的基础之上诞生的。
2. 歌剧的前身是哪些音乐形式？
音乐和戏剧的结合可以追溯到古代，包括古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教神秘剧、奇迹剧，文艺复兴的牧歌套曲、田园剧、幕间剧等形式。
3. 简介幕间剧（intermedio）、田园剧（pastoral drama）。
幕间剧是在戏剧两幕之间演出的有音乐的短剧。田园剧是传奇题材或乡村题材的带有音乐的舞台剧。
4. 历史上第一部歌剧是哪一部？谁创作的？故事取材于哪里？
＜ r o l i a. n e t ＞
1597年由里努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》，取材于希腊神话。但乐谱已遗失。
5. 现存的第一部歌剧是哪一部？谁创作的？故事取材于哪里？
1600年里努契尼写剧本、佩里和卡契尼作曲的《优丽狄茜》。取材于希腊神话。
6. 在最早的歌剧中音乐形式是怎样的？
声乐部分以接近于朗诵的宣叙调为主，由少量乐器伴奏，采用通奏低音。音乐形式较为简单。
7. 简介蒙特威尔第（Monteverdi）的歌剧写作观念以及他所奠定的早期歌剧形式。
主要是加强音乐性和情感表达。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长，使其具有歌唱性，并与短小的歌曲、二重唱和牧歌式的重唱交替，形成对比。他采用较大规模的乐队伴奏，并通过弦乐器的震音、拨弦以及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。在歌剧中加入器乐段落，如一开始的“托卡塔”（即后来的序曲）、中间的舞曲等。歌剧的基本模式正是在他的创作中形成的。
8. 举出蒙特威尔第的两部代表作。
《奥菲欧》（或译作《奥尔菲斯》）、《阿丽安娜》。
9. 继蒙特威尔第之后，17世纪威尼斯歌剧的代表人物（歌剧领域的威尼斯乐派）是谁？
蒙特威尔第的学生卡瓦利（Cavalli,1602-1676）、切斯蒂（Cesti,1623-1669）。
10. 18世纪意大利拿坡里（那不勒斯）歌剧（拿坡里乐派或那不勒斯乐派）主要代表人物是谁？他的创作有哪些特点？
阿.斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti,1660-1725）。他重视音乐在歌剧中的抒情作用，强调咏叹调的表现力，创立了ABA形式结构，称作“返始咏叹调”或称“再现咏叹调”（da capo aria）。他的乐队更加完备，还创立了“快-慢-快”的歌剧序曲（当时称作“交响曲”sinfonia）。
11. 拿坡里歌剧的特点是什么？
注重独唱者声音的美感和音乐外在的效果，追求音乐语言和形式的程式化，音乐织体较简单，主要是独唱旋律和简单的和声伴奏。缺点是缺少真实性和戏剧力度。这种倾向导致了歌剧在18世纪的衰败。
12.介绍宣叙调和咏叹调.
宣叙调在歌剧(或清唱剧)中用于人物对话和剧情发展,其旋律接近于朗诵,咏叹调用来抒发人物感情并表现演唱技巧,音乐优美华丽，音域较宽。
13. 什么是白话朗诵宣叙调（又译作清宣叙调、干宣叙调，recitativo secco,dry recitative）和带伴奏宣叙调（recitative obbligato，accompagnato）? { 枫下论坛 rolia.net/forum }
前者是只用羽管键琴和一件低音乐器伴奏的宣叙调，主要用于大段的对话和独白。后者采用乐队伴奏，用于紧张的戏剧性场面，由于它在某中程度上带有咏叹调特点，因此又称之为咏叙调（arioso或recitativo arioso）。
14．什么是“Da Capo Aria”（返始咏叹调）？
ABA三段式咏叹调，再现时可以随歌手喜好加上一些自由的炫技。
15． A.斯卡拉蒂确立的意大利歌剧序曲是怎样的？
（见本节第10题）
16． 法国歌剧是怎样形成的？
十七世纪从意大利传入后，立即带上了法国化特征：重视宣叙调，在其中突出了法语特有的韵律和节奏感；在歌剧中加进大量舞蹈场面；舞台装饰极为华丽，表现帝王生活的气派；歌剧序曲采用与意大利相反的速度安排：慢——快——慢。
17． 奠定了法国歌剧形式的是哪一位作曲家？
原籍意大利的吕利（Lully，1632—1687）。（歌剧风格见上面第15题）
18． 简介法国作曲家拉莫的历史贡献。
作有大量歌剧和古钢琴作品，但更重要的是在1722年发表了《和声基础理论》，为现代和声理论奠定了基础。
19． 英国歌剧创作的代表人物是谁？请举出代表作一部。
浦赛尔（Purcell，1659—1695），代表作是《迪东和伊尼》。
20． 简介德国“歌唱剧”（singspiel）。
有对白的德国民间喜歌剧，音乐带有鲜明的民族特色。对德国歌剧的发展有重要影响。
21． 简介清唱剧（Oratorio）、受难曲（Oratorio Passion）和康塔塔（Cantata）。
清唱剧：将宗教或史诗题材的歌词谱曲，音乐形式包括独唱、重唱、合唱和管弦乐，在教堂或音乐厅演出。与歌剧不同之处在于清唱剧没有复杂的舞台装置和戏剧动作表演。
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受难曲：音乐形式与清唱剧一样，在题材上集中于基督耶稣受难（钉十字架）的故事。
康塔塔：也译作大合唱，是带有独唱、重唱、合唱及管弦乐的体裁，内容有宗教的也有世俗的。与清唱剧一样的是没有舞台装置和戏剧动作表演。
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H. 意大利歌剧《卡门》的创作背景是什么
嘿嘿·真巧 我刚听完卡门序曲 就看到你的问题了、 创作背景神马的我也不是很清楚 随便查了下、 参考于: http://ke..com/view/8697.htm#sub5380354 歌剧《卡门》是法国作曲家比才的最后一部歌剧，完成于1874年秋，也是当今世界上上演率最高的一部歌剧。 四幕歌剧 《卡门》主要塑造了一个相貌美丽而性格倔强的吉卜赛姑娘——烟厂女工卡门。卡门使军人班长唐·豪塞堕入情网，并舍弃了他在农村时的情人——温柔而善良的米卡爱拉。后来唐·豪塞因为放走了与女工们打架的卡门而被捕入狱，出狱后他又加入了卡门所在的走私贩的行列。卡门后来又爱上了斗牛士埃斯卡米里奥,在卡门为埃斯卡米里奥斗牛胜利而欢呼时,她却死在了唐·豪塞的剑下。
I. 交响乐序曲指的是什么意思
序曲是指开幕前演奏的短曲，亦称“开场音乐”，由管弦乐队演奏，其使命在于综合地叙述全剧发展的重要关键场面，奏出剧中代表主角的旋律，它仿佛是剧情的缩影。
17世纪早期歌剧的序曲是一种简短的开场音乐，没有固定的形式，A.斯卡拉蒂的序曲，定型为由“快板—慢板—快板”3段组成，除了开头的快板常用模仿复调技术外，其余两段都用主调体制。
这一形式的序曲史称意大利序曲，又称交响曲，如G.B.佩尔戈莱西的《女仆夫人》序曲、C.W.格鲁克的《帕里斯与海伦》序曲。
(9)意大利序曲背景是什么扩展阅读：
发展历程
18世纪后半叶以后的古典序曲，大多采用奏鸣曲式的戏剧性结构。歌剧序曲必须起着暗示剧情和引导听众进入戏剧的作用，是格鲁克从事歌剧改革的目标之一。他的《伊菲格涅亚在陶罗人里》序曲，预示了第一场的暴风雨气息。
其后的多数歌剧序曲都采纳了格鲁克的这一原则。莫扎特的《唐璜》和《女人心》序曲，还采用了歌剧中的音乐主题。贝多芬的三首《莱奥诺拉》序曲、C.M.von韦伯的《魔弹射手》序曲和R.瓦格纳的歌剧序曲，又进一步加强了表现剧情的功能。
反之，19世纪法国大歌剧的序曲，往往只是把歌剧中的曲调串连在一起的集成曲。贝多芬的《哀格蒙特》序曲开了为话剧写作序曲的风气之先。继起者有F.门德尔松的《仲夏夜之梦》序曲。
参考资料来源：网络-序曲
J. 意大利歌剧《卡门》的创作背景
在空气中洋溢着浪漫与激情的十九世纪，在美丽的西班牙小城塞维利亚，
有一位迷人的吉普塞姑娘用她短暂的生命轨迹奏响了一曲震慑人心的爱情咏叹。
她的名字叫卡门。当她爱上一个男人，她会全心全意；
当她不再爱的时候，就义无返顾地放弃。
放荡不羁的卡门轻而易举地诱惑了年轻的士兵堂·何塞，
并引发了何塞对她疯狂的爱情。
然而当卡门遇到了斗牛士埃斯卡米洛时，她意识到这才是她的真爱。
在何塞的疯狂与艾斯卡米洛的爱情面前，卡门选择了真爱的同时也选择了死亡。
何塞的匕首被卡门的鲜血染红。这与卡门所钟爱的红裙一样鲜艳刺目的颜色，
正映衬了卡门用生命所捍卫的对真爱的追寻。
卡门是命运的牺牲品。即使她的生命危在旦夕，她也决不退缩，决不妥协。
只有弗拉门戈舞静若凝松、动如疾风的踢踏、扬腕、击掌、转身
才能与卡门爱情中非理性的灼热力量所匹配。堂·何塞也是命运的牺牲品。
她为爱神所纠缠苦苦奔波，而一步步滑向爱情和宿命的终点。
只有弗拉门戈舞中疾风骤雨、摄人心魄的鼓点，
才与何塞神秘莫测、难以控制、如痴如狂的心跳共振。
根据法国作家梅里美的同名小说所改编的、由音乐家比才所创作的歌剧《卡门》
被推为法国歌剧中流传最久、上演次数最多的经典之作。
它更是被以挑剔出名的哲学家尼采誉为歌剧艺术“完美无缺的永恒典范”。
·几乎人们都以为《卡门》的序曲是兴高采烈的、热情明朗的。
的确，当那主题从乐队中倏然升腾起来的时候，谁会不为之振奋呢！
·这条旋律是作曲家从歌剧最后一幕中选来的，
它是斗牛士埃斯卡米洛入场时的进行曲，充满了男性的勇敢、潇洒气概，
有一种必胜的信心。序曲中的第二条旋律也十分让人喜爱，爽朗、舒展，
只听一遍就能记住。
·作曲家再一次热情地把开头那首进行曲送给我们，
然后，他干脆利落地让音乐划上了一个句号。
这就是我们大家常常在音乐会上听到的《卡门》序曲了。
可是，绝大多数人还不知道，在歌剧院的乐池里，这儿还不能划句号－－
序曲还有另一半呢，它令人吃惊地一下子变换了情绪：
暗淡的色彩、迟疑的节奏、下行的音调，就像是哭泣一般。
·这才是歌剧《卡门》的真正主题：悲剧的、无可抗拒的命运。
它在整部歌剧中不时地出现，向听者揭示故事的主旨。
下载：
http://www.gdzyzx.cn/art/m-liupai/dy1301.MP3卡门序曲