意大利为什么是传统音乐的土地

‘壹’ 意大利音乐之乡

意大利·那波利——音乐之乡

提到那波利，很多人的第一反映就是这里的民歌。从某种意义上讲，我们熟悉的意大利民歌几乎都是那波利的民歌。行车在路上，导游大伟不时告诉我们，路过的港湾叫做Santa Lucia（桑塔路齐亚），远处港湾尽头的那片美丽的地方就是着名的苏连托。
车子里播放的意大利民歌，是采访过的一位那波利歌王送给我们的唱片。嘹亮的歌喉，动人的旋律，当然还有丰沛的情感，总会在音乐响起的那一瞬间敲入你的心房。然而，还有一件事情恐怕却是许多人所不熟悉的——那波利曾是西方古典音乐的一个重镇。

国王音乐学院深藏在一个窄小的巷子里，很小的门脸儿，看上去并不起眼。18世纪时，这里原本有四座附属于教堂的孤儿院，为了让被收容的孤儿们能有一技之长，国王下令让他们学习音乐。于是，孤儿院里飘出了风钢琴、提琴、圆号的声音，孤儿们被引入了音乐的殿堂。

当时的那波利王国富甲一方。这个位于南意大利的王国拥有优越的气候条件，每年出产的葡萄酒和橄榄油早已远远超过本地的需要。加上优良的港湾和精明的商人，那波利集中了大量的财富。衣食足而知荣辱，那波利王国从宫廷到普通的老百姓，都十分喜爱音乐。于是，当时欧洲最着名的音乐家云集于此,，这里几乎就是欧洲音乐的中心。

国王音乐学院的图书馆至今收藏着3万多件珍贵的古典音乐乐谱手稿。这批珍贵的资源让它成为所有与古典音乐有关的音乐家和理论家眼中至为推崇的圣殿。几年前，一场大火把图书馆底层的音乐厅烧了个精光，火灾一度引起世界范围音乐界的震动，很多人千里迢迢赶来询问图书馆的情况。好在图书馆安然无恙，我们也得以进入一探究竟。

推开厚重的大门，墙上挂着的音乐家肖像画和书柜里那成排的乐谱，以及许许多多着名歌剧的首演纪念牌，渲染着这里浓郁的音乐氛围。莫扎特的手稿、威尔第的椅子、贝利尼用过的纸笔……这一切的存在让人恍如隔世，又惊诧于这样一个深藏在小巷中的音乐学院竟会和这么多音乐界的大家发生联系。

带着我们参观的指挥系教授Francesco Vizioli先生坐到了一架红色的风琴面前。跳跃的手指间流淌出那波利民歌悠扬的曲调，那竟是《我的太阳》。无需多言，这里的过去和现在，都已在音乐之中。

‘贰’ 为什么意大利语歌曲有很浓的古典味道

1. 由于意大利本身就是欧洲古典文化的集大成者。意大利是欧洲历史古国，在旧石器时代就已有人类在这片土地上生活。伊特鲁里亚、大希腊是欧洲文明古国。罗马共和国和罗马帝国曾经统治世界的一部分达数个世纪，为后世留下深远的影响的贡献。意大利也是文艺复兴运动的摇篮。经过长期的分裂后，意大利终于在19世纪成为一个统一的国家。

2. 同样也是得益于这种古典文化的滋养和熏陶，意大利专业音乐的早期发展，继承了古希腊罗马的音乐文化,且与基督教有密切关系。公元前4世纪，古希腊的音乐理论家亚里士多塞诺斯生在意大利的塔兰托，该地后来成为罗马音乐文化中心。古罗马音乐除军乐外，高度发达的声乐和戏剧音乐都来自古希腊。

‘叁’ 意大利音乐的历史

意大利音乐

意大利音乐在欧洲音乐文化中占有重要地位，尤其是从文艺复兴以来，在声乐（主要是歌剧）、器乐（主要是弦乐）方面都起了开拓者的作用，对西欧各国的音乐发展有重要影响。

19世纪末意大利器乐在德国的后期浪漫派和法国印象派的影响下开始复兴。意大利器乐复兴的最主要的作曲家是O.雷斯皮吉。他在配器上受R.施特劳斯、Н.А.里姆斯基－科萨科夫的影响，在和声上受法国印象派的影响，在结构上则受德国音乐的影响。意大利现代器乐作曲家还有G.F.马利皮耶罗，他立志发扬从格列高利圣咏以来的意大利音乐传统，他的交响乐与19世纪的一般交响乐不同，是意大利古典交响乐以现代形式的再现，在他的创作中可以看到从印象主义到新古典主义的转变。
意大利歌剧诞生于佛罗伦萨，成长于威尼斯，成熟于那不勒斯。1600年左右，随着歌剧的诞生，马罗克风格在意大利出现。1637年，首次向公众开放的剧院在威尼斯建成，歌剧从此不再是贵族的专利。罗马、威尼斯、佛罗伦萨、那不勒斯等城市相继成为音乐中心，每个城市都有自己的传统、赞助人、艺术家和相应的剧目。

那不勒斯乐派时期，意大利歌剧形式结构已基本成熟。那不勒斯歌剧由于注重优美、华丽的美声技巧而忽略戏剧性。而阉人歌手和女歌手的精湛技巧成为吸引人的重要因素。

‘肆’ 意大利民歌的特点

意大利民歌以流利生动，富有歌唱性和浪漫色彩着称于世。是世界音乐宝库的一颗灿烂的明珠。意大利语言明亮、圆润，民间文学丰富多彩，构成了意大利民歌得到发展的极有利因素。那里的人民热情豪放，善于歌唱。威尼斯的船歌，那坡里的情歌、小夜曲和饮酒歌都十分着名。民歌演唱者常用六弦琴伴奏。旋律一般都比较朴素，没有很多的装饰音，三拍子占多数。“船歌”是一种声乐体裁，指具有歌唱般的优美旋律与摇摆般伴奏音型的声乐曲。通常为6/8拍子，中等速度，伴奏中的节奏模仿均匀的船身摆动和摇桨的动作。

‘伍’ 为什么说意大利是文艺复兴的发源地

我们说意大利是欧洲文艺复兴时期的发源地，主要是这一时期的意大利绘画，无论是风格、题材的体裁，不论是美学理论或绘画基础（解剖、透视、素描、色彩）以及画家个人的专着都比欧洲同时期的其它国家来得系统、丰富和成熟。

比如，当尼德兰的画家们在寻找和试验调色用油的时候，意大利的画家们不约而同也地试验适用于调色粉和油料。如乔托、马萨乔、唐那太罗、弗兰西斯卡等画家，他们对蛋清胶粉表层的油质涂料试验（包括材料和方法的试验，以及对人体的解剖、透视等作了许多成功的探索和研究。它说明意大利文艺复兴时期的画家们对人体解剖结构和透视的研究取得了良好的效果。

‘陆’ 为什么说意大利是欧洲文艺复兴的发祥地

14世纪西欧兴起了一场思想解放运动就是文艺复兴，当时这场运动并没有发生在最强大的葡萄牙和西班牙，也没有发生在中世纪的欧洲文化中心法国，而是发生在四分五裂的意大利，为什么说意大利是文艺复兴的发源地呢，主要有以下几个因素。

首先来看一下意大利的地理位置，意大利位于欧洲东南角，背靠欧洲大陆。意大利的地理位置非常有优势，正好可以担任西欧和东方的贸易中转站，东方的丝绸，茶叶，陶瓷等必须经过意大利才能进入欧洲的市场，这也大大推动了意大利的商品经济发展。

当时的意大利城邦很多，政治及其不稳定。因此意大利的资产阶级和爱国主义者希望能够实现国家的统一，正是这种主张统一的希望逐渐唤醒了意大利的民族意识，这也是意大利文艺复兴产生的重要原因。

‘柒’ 意大利音乐的特点

凡是学过声乐的人。恐怕也都学过意大利语歌曲。通常练完了“合唱音程练习曲”，而孔空五十首的练习曲练到一半左右，大体上教师都会指定简单一点的意大利俄去，例如“Nel cor piu non mi sento”或“Caro mio ben”。学生自教师接到这些歌曲之后，通常都盲目地探索其旋律，找罗马字拼音的方式，把歌词一字一字勉强地去念，然后不知就里地在老师的面前咏唱一番，，至于意大利歌曲具有的古典性，无以伦比的美妙或朴实，既无法理解它，也无从感受它，这是所有初学者的通病。初学这只知道遵从老师的提示，“这里时f，哪里是p，最后别忘了渐慢！”如此这般练唱。

总之，一般人以为所谓意大利语歌曲只不过是一些干燥无味的东西，他们顶多只高兴去练唱旋律比较优美的“Piacer damor”或“Nina”那样的歌曲，像“Amarilli，mia bella，”“Per la Gloria dadorarvi”等歌曲却毫不感兴趣而把它打入冷宫。盖药了解这类歌曲具有的美，是需要相当岁月的音乐学养始有可能，所以刚开始学习声乐的人，对此类没有刺激性的歌曲往往格格不入，反而喜欢些像托斯蒂或库蒂斯等人所作的富于甘美梦幻性的歌曲。

然而，起初会令你觉得乏味的这些古典歌曲，即使尚不了解其中滋味，也可以从学习中不知不觉地领悟到其古典性格调，这是很重要的。

这些古典歌曲完全是由典雅性的格调所衬出的缘故，决不允许听任感情而以激情的表情去唱它。粗枝大略的抑扬、缓急、尽情夸张的渐慢是浪漫派音乐所允许的，可是这对古典音乐是不适宜的。唯始终求其清静，朴素地把旋律浮现出来的训练才是重要的。这样有节制的表现法才是声乐的基本课题，误以为表露感情便是音乐性的表现是现今的通病，这一点颇令人深深感慨，所以在此应该避免其表现过分。

从着这意大利歌曲起步，经年累月涉猎各类歌曲之后，前次所学习的这些歌曲，你必然会深深地感到它对你有如瑰宝散发的光芒那样裨益非浅。我以为再也没有比它更混杂的材料了，况且也没有什么比它更不可能去蒙混。实质上这便是歌的生命，是歌的真面目。

‘捌’ 美声唱法为什么诞生在意大利

艺术歌曲的变迁历史

文艺复兴是十四世纪末至十六世纪在欧洲一些国家先后发生的文化和思想革命运动，它要求以“人”为本，反对神的权威，反对教会的禁欲主义和来世思想，歌颂爱情，肯定现世生活。意大利是文艺复兴的发源地，新兴资产阶级特别需要新的音乐来丰富它的精神生活，在帕莱斯特理那(Ciovanni Pietiuig Palestrina，1525—1594)和拉索(Qiando di Lasso，1532—1594)已将多声部复调合唱发展到高峰顶点的情况下，许多意大利作曲家想寻求新的创作天地，以发挥他们的才智。他们认为在一首歌曲中同时存在多条独立旋律的进行，不同声部同时唱出不同歌词对表达词义和情感都是一种干扰，于是提出了“向对位法宣战”，恢复古希腊单声歌曲的主张，以利于表达人的思想感情。于是卡奇尼(Giulio Caccini，1546—1618)出版了题名为“新乐曲”的独唱歌曲集，附上通奏低音伴奏。为恢复早已被遗忘的古希腊悲剧，艺术家们探索试验、在实践中却创造出一种新的艺术形式——歌剧。作曲家佩里(Jacopo Peri，1561—1633)和诗人里努奇尼创造了歌剧《达芙尼》，1597年在宫廷里作非正式演出(乐谱现已失传)，1600年他们又写出了《优丽狄茜》(Euridice)，并作公开演出，于是1600年便成为歌剧诞生之年。

为了使宣叙调的演唱能取得像古希腊人在广场上朗诵悲剧台词那样响亮的效果，就得有充分的呼吸支持，消楚的咬字和洪亮又能传远的声音，为了改进演唱的方法，就产生了“美声”(bel canto)唱法，可以这样说：美声“是早期歌剧的产物”。

与此同时产生的其它种类的声乐作品，如坎佐那(Conzone)乐器伴奏的独唱歌曲康塔塔(Cantata)，清唱剧(Oratorio)等也逐渐完成了向主调音乐的转变，并有不少佳作问世。

1607年蒙特维尔第创作了歌剧《奥菲欧》(Orfeo)，在这部作品中，音乐的旋律性大大加强，出现了咏叹调式的歌曲和主调风格的多声部合唱，并扩大了乐队，从而使音乐在歌剧中的作用大大提高，这部古老的歌剧至今仍在演出，并有一定的舞台效果。大家熟悉的阿丽安娜(Ariana)的悲歌《让我死亡》以古典式的感情表达使当时的观众泪流不止。蒙特维尔第使歌剧成为意大利最广泛的雅俗共赏的艺术形式，上至王公贵族，下至平民百姓，大家都热衷于创作、演唱和观赏歌剧，意大利和欧洲各大城市都效仿威尼斯建立起歌剧院。继蒙特维尔第之后，活跃在威尼斯的是卡瓦利(Pietro Francesco Cavalll，1602—1676)和切斯蒂(Marco Antonio Cesti，1623—1669)，他们更为重视咏叹调写作，在旋律的抒情性上也有所发展。切斯蒂的作品还很重视声乐技巧的发挥。

在17世纪和18世纪之交，歌剧艺术的中心地从威尼斯移至那波里。那波里乐派的代表作家是亚·斯卡拉蒂(Alessandro Scarlatti，1660—1725)。那波里乐派特别注意发挥人声美，使声乐水平特别是花腔技巧，得到空前提高。这个乐派在18世纪上半叶闻名于全世界，欧洲许多国家都有这个乐派的大师在工作。但那波里正歌剧是在宫廷剧院的条件下发展起来的，因而不免受到了贵族观众享乐主义趣味的腐蚀影响而日趋衰落，虽经约梅里(Niccolo Jomelli，1714—1774)等努力，也未能克服其危机。与此相反，接近民间生活的那波里喜歌剧却得到发展，代表人物有佩戈莱西(Giovani Battista Pergolesi，1710—1736)、普契尼(Nicolo Piccini，1718—1880)、帕伊谢洛(Giovani Pasiello，1740—1816)等。

那波里乐派奠基者亚·斯卡拉蒂的创作能够保持戏剧要求和音乐要求的一致性，没有他的后继者的那些弊病，他确立了三段体咏叹调形式，第三段重复第一段音乐素材时，演唱者可添加装饰和花腔。他的创作对学习声乐技巧颇为有益。

十七世纪意大利歌剧在国外传播，促成了一些国家民族歌剧的诞生。法国，原籍意大利的宫廷作曲家吕利(Jean Baptiste Lully，1632—1687)写出了受到法国古典悲剧朗诵声调影响的法语宣叙调，并在歌剧中加进了豪华的芭蕾舞场面。拉莫(Jjean Philippec Rameau，1683—1764)是继吕利之后的一位富有独创性的法国作曲家。他的歌剧作品，在艺术风格上比吕利有更多的旋律性和抒情性，和声的运用清晰、新颖，使用管弦乐队也更为充分。英国作曲家帕塞尔(Heny Purcell，1659—1695)写过大量的配剧音乐，其中有不少好的歌曲。他在晚年写的《狄朵与埃涅阿斯》(Dido and Aeneas)是英国的第一部民族歌剧，遗憾的是后继乏人。

在音乐史上，一般把文艺复兴后的十七世纪初至十八世纪中叶这段时期称为巴洛克时期，在创作上取得成就者大多是意大利人。但巴洛克音乐的集大成者却是两位德国人——巴赫(Johnn Sebastian Bach，1685—1750)和亨德尔(George Friderie Handel，1685—1759)，他们继承过去的传统，吸取同时代各国音乐的成就，使他们的创作达到前所未有的高度，对后来的欧洲音乐产生了不可估量的深远影响。巴赫没有创作过歌剧，其声乐作品大多是以宗教为主要内容的合唱，而且比较注意发展德国本国音乐的传统。亨德尔则不然，他广泛地学习了意、法、德、英各国的音乐文化，创作了大量的歌剧和清唱剧。美籍华裔斯义桂教授在沪讲学时，再三强调要多唱亨德尔的作品，以利于声音的规范。

十八世纪下半叶七、八十年代德国掀起了“狂飙突进”文艺运动，提倡和人民接近，使用人民的语言，柏林歌曲作曲家舒尔兹(Johan Abraham Peter Schulz，1747—1800)、赖夏特(Johan Friedrich Relchardt，1752—1814)和策尔特(Carl Friedrich Zelter，1758—1832)创作了颇受人民欢迎的“民间风格歌曲”他们以民歌曲调为素材以哥德(Johann Wolfgag Goethe)等着名诗人的诗篇作为歌词，写出了简单而有艺术性的歌曲。赖夏特和策尔特还是哥德的好朋友，他们的歌曲主要是用哥德的诗谱成的。与此同时，晚年的格鲁克(Christoph Willibald Gluck，1714—1787)也在维也纳推进这一运动。

维也纳古典乐派的几位大师在交响乐、歌剧、清唱剧、协奏曲、重奏曲、奏鸣曲……等各个领域都取得辉煌成就，他们虽然不很注意艺术歌曲写作，但他们有限的作仆品却推进了德奥艺术歌曲的发展。如海顿在歌曲中加上前奏和间奏，增强了钢琴伴奏的作用。莫扎特也写了三十多首受人喜爱的歌曲，其中的《紫罗兰》是一首当时罕见的具有浓厚的浪漫风格的通谱歌，为刚刚兴起的艺术歌曲体裁树立了一个典范。贝多芬用哥德诗谱写的歌曲，真挚纯朴，也是不可多得的佳作。三位大师的创作，为舒伯特(Franz Peter Schubert，1797—1828)、舒曼(Robert Schulmann，1810—1856)、勃拉姆斯(Johahnnes Brahms，1833—1897)……开拓出十九世纪德奥艺术歌曲的灿烂前程。

带伴奏的独唱歌曲文艺复兴后期兴起于意大利，但是这种写作势头并没有在意大利等国家持续下去，因为意大利人后来更热衷于创作更为精致而复杂的歌剧咏叹调；而德国人则热衷于写芭蕾舞音乐；英国自珀塞尔以后，长期没有出现伟大作曲家，连改编民歌这类事情，也要请外国人海顿(Franz Joseph Haydn，1732—1809)和贝多芬代劳；只有在德国，这种艺术歌曲在十八世纪下半叶古典时期就有了初步的兴盛，而且顺利地导向十九世纪浪漫主义艺术歌曲的空前繁荣。

从歌剧诞生以来的十七、十八世纪古典歌曲，它的内容反映了当时的先进思想，在声乐写作技术上亦有可供借鉴之处，而在风格的纯正和表现古典美方面则是无与伦比的。它们是发展美好音质，学习真正的美声唱法过程中必不可少的经典，是全世界声乐教学普遍采用的好教材。

十七、十八世纪的“美声唱法”(Bel Canto)，也有称之谓“美声唱法的黄金时代”。与十九世纪大歌剧形成后的“美声唱法”，即“新美声时期”的唱法上是有所区别的。大歌剧形成前的意大利歌剧称之谓正歌剧或严肃歌剧(Opera Seria)。正歌剧中唱主角的都是阉人歌手，如着名的意大利阉人歌手法瑞奈里(Farinelli)和卡法瑞里(Caffarell)等都是人人皆知的歌唱家，很多歌剧作曲家如蒙特维尔第、卡西里米、亨德尔、格鲁克、莫扎特等都为阉人歌手创作。

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