意大利牧歌属于什么

1. 16世纪的意大利牧歌有何特点

16世纪最代表意大利民族特征的世俗音乐体裁就是牧歌。16世纪的牧歌已不同于14世纪新艺术时期的牧歌，二者除了在名称上相同以外已没有任何音乐风格上的联系。14世纪的牧歌是分节歌形式，结尾带有利都奈洛（原意为“回复”，这里指结束段，而在17、18世纪中指乐曲中乐队全奏主题的反复器乐）段落作为叠歌，大部分为二声部，偶尔也有三声部，歌词一般有二到四个诗节，内容简单；而16世纪牧歌是通谱体形式，不使用叠歌，织体形式多样，以四声部和五声部居多，通常以多行诗文写成，有十四行诗，六行诗，或多诗节的诗文。诗文往往具有较高的文学水平，如当时着名的诗人彼特拉克、本博、桑纳扎罗、阿里奥斯托、塔索(李斯特以他为题材有一部交响诗作品)和瓜里尼的诗作都是牧歌经常采用的内容。

音乐家在写作牧歌时特别注重对诗文内容的表达，于是在诗人与音乐家，诗文与音乐之间形成了彼此辅助、互相影响的关系，体现在音乐上就是“表情性”的加强，尤其在16世纪后半叶，牧歌更朝着描绘性和戏剧性的效果发展，人文主义者理想中的音乐在牧歌中逐步实现，而这一发展最终导致歌剧的诞生。

牧歌的发展分为三个时期：早、中、晚，这是一个大约持续了一个世纪的发展时间。牧歌体裁的整个形成过程，可以说，表现为强烈地意大利化的尼德兰大师们的创作成果。1533年出版的第一本牧歌集包含了许多尼德兰作曲家创作的作品，他们保持意大利风格与尼德兰传统结合的写作方式，主要有韦尔德洛、阿卡德尔特和维拉尔特。除了费斯塔以外，意大利人最初好像并没有参与到牧歌的发展中。韦尔德洛的牧歌表现出对音乐纯净风格的敏感性，并带有朗诵的韵味，而且他努力让音乐表达出诗文的内在意思；阿卡德尔特是一位具有强烈表情力量的抒情音乐家，他特别受到晚期牧歌大师蒙特威尔第的钦佩，还承担起重新编辑阿卡德尔特牧歌作品的工作。阿卡德尔特的牧歌注重旋律并突出清透的织体结构；维拉尔特是若斯坎之后拉索之前重要的佛兰德作曲家，他的创作体现出文艺复兴时期艺术中特有的包容性与多样性。在牧歌中维拉尔特表现出清淡与雅致，带着一定的音乐直觉，他敏感地注意到词曲之间的关系，“特别注意表达出歌词的重音，是最早坚持在乐谱上歌词的音节要精确地印在音符下方的人”，在音乐的表现力上作出了新的探索。

早期的牧歌通常为四声部，有时为三声部，风格上比经文歌更为灵活。根据诗文的内容，作品中会出现以节奏的变化和较鲜明的段落来强调文字的意思。如提到天空和高山时，旋律会随之产生上行，而提到土地或地狱时，旋律会下行，在停止、不变或持续等字眼上，将以不动的旋律形态表达，等等。这样的象征手法在此之前或之后的音乐和诗中都有所运用，但特别在牧歌中我们又可以看出其新的灵感，象征不再是一种思想的转换，而是通过声音营造一种气氛，一种精神状态或一种情景，在这一点上，牧歌作曲家与19世纪末印象主义音乐家怀有相似的理想。

牧歌作曲家普遍带有一种强烈的要求，就是要表现出外观的和潜在的诗文内容，因而他们创造出了新的音乐象征。如对残酷，悲伤或死的描写，他们认为必须打破正常的规则，使用新的不协和音和突然转调营造变化的气氛。这些大胆的变化很少发生于宗教音乐中，而在牧歌中却成为公认的创作技法，这给牧歌提供了多种方式的试验机会，从而产生充实的表情资源，加强了理性创作原则的感性成分。牧歌的中期发展中，作曲家们在这方面作了许多新的尝试。中期的牧歌作曲家除了罗勒，开始加入更多的意大利人，有阿·加布里埃利，维森蒂诺。罗勒和维森蒂诺都是维拉尔特的学生，罗勒的牧歌开始受到老师的影响，后期就突出其个性风格，注重主调风格与复调风格的结合，尤其对半音化和声的探索影响到后人的创作。拉索、蒙特威尔第等人牧歌的音乐语言都受到罗勒很大的影响。半音化和声或称 “半音体系”（chromaticism，或称半音阶风格）是为了提供出音乐更多新的可能的表现性而出现的。16世纪半音体系并不具有现在我们所理解的意义，在早期意大利理论着作中，它仅表示短时值音符、四分音符和八分音符的运用，变化音（伪音）的使用也包含其中。当时的理论家力图保存教会调式的特点和色彩，无论选择何种调式都禁止使用变化音，只有在所谓的交错音（musica falsa）或伪音(musica ficta)中，允许有升F，升C，升G，降B和降E，因为这些音已被作曲家使用的较为普遍，所以要彻底禁止变化音则成为了不可能的事。为了尽可能表达意思的要求，牧歌作曲家开始更为频繁地使用变化音，如维拉尔特的另一个学生意大利作曲家、理论家维森蒂诺，他就是半音体系的倡导者，他追随人文主义者精神力主以古希腊音乐的自然音、变化音和四分之一音三大类“音阶”为基础，提出复兴古希腊音乐的理论纲要。他于1546年出版了一本五声部牧歌，通过音乐实践告诉人们运用半音阶和等音调式的风格是来自他的老师维拉尔特。1555年他出版了论文《适合于现代实践的古代音乐》（Antica musica ridotta alla moderana prattica），从理论上提出半音风格的实践应用，并设计制造了能演奏半音和微分音的羽管键琴和管风琴，这对于推广半音体系及扩大其表现作用具有重要的历史意义。16世纪末，牧歌的发展才重回到意大利人手里，虽然延续了其本国的音乐风格，但受到周围尼德兰音乐家的影响，他们在创新的同时，音乐语言也趋于国际化风格的统一中。在威尼斯，A·加布里埃利和他的侄子乔凡尼·加布里埃利将牧歌变为华丽的装饰风格，乔凡尼对声部的掌握非常好，他善于写作仪式性的牧歌，而不是纯抒情的作品。十二声部牧歌（Sacri di giove augei）既奢华，又突出和声的色彩，偶尔也运用蒙特威尔第那样大胆的不协和音。

晚期牧歌作曲家中马伦齐奥、蒙特威尔第和杰苏阿尔多所做出的贡献可使牧歌在整个文艺复兴时期音乐发展中的地位进一步有所提高。

马伦齐奥被同时代人称为“牧歌的舒伯特”。在他的世界里没有学究式乐长的影子，他很习惯宫廷生活，并经常出访国外，促使其音乐视野得以开阔。他最值得称赞的创作特征就是熟练掌握所谓的半音化牧歌（chromatic madrigal）的写法，这体现了现代概念的和声转调。在他的牧歌中不仅描写了可触知的外部世界，还有内部的感情世界。作品中融入蒙特威尔第般的戏剧风格，但更为保守和严谨，他从不允许音乐中有突然爆发的热情。马伦齐奥早期牧歌的旋律与和声倾向于简朴，有时甚至呈现出文雅的感觉和女人气质；晚期的创作风格变得更具能量，第五本六声部牧歌集展现了华丽的色彩和节奏，带有非常灵活的触感，他能表现出鱼急冲入反光水面的状态，以及落日，或春天的芳香，音乐中能包含最为细致的色调。

杰苏阿尔多的音乐创作中由“破坏”所导致的建设性似乎应属于20世纪的特征，而不是16世纪晚期。他与意大利大贵族家庭有密切的关联，这使得他在各方面都具有发展优势。由于受到人文主义者关于古代音乐的讨论和维森蒂诺理论的影响，他创作了一些三声部维拉内拉和大量使用对位风格的牧歌。之后尝试运用不协和音和半音体系（他不当之为一种手段，而是作为一个结果）创作牧歌，他在各个声部内部使用半音手法，使和声失去调性感，并非常喜欢保持音与快速跑句之间的对比。

牧歌化的象征意义在杰苏阿尔多的音乐中被最大程度的表现出来，他的作品包含某种自觉性和智慧因素，同时也具有华丽的旋律概念，使某些悲剧性乐句可以形成“浪漫”的悲壮。蒙特威尔第热烈的艺术手法与马伦齐奥纯净且经过提炼的艺术手法相比，就如同贝多芬与莫扎特艺术风格之间的比较。蒙特威尔第创作中总是带有猛烈的戏剧性，这不仅体现出他的个性，还反映了他的音乐特征。

蒙特威尔第跨越16世纪和17世纪，精通文艺复兴各种形式，同时也是17世纪创作的主要领导者，是文艺复兴晚期最后一位伟大的牧歌作曲家，同时也是巴罗克早期意大利国家的奠基者之一。可以说，牧歌艺术由于蒙特威尔第而发展到了顶峰，他的牧歌包含了现代和声语言、音乐戏剧风格和描绘性交响乐的萌芽。蒙特威尔第个人的表现力代替了15世纪从哥特式音乐家继承而来的概括形式的表现力，从某种程度上讲，他将牧歌孕育成为一种新的艺术。蒙特威尔第的早期牧歌没有超出其它人所使用的和声语言，但却有所创新，不协和音由切分音、倚音和经过音产生，有目的的使用交错关系。尽管其它人把不协和音当作经过变化音，形成对后面平静音响的期待感，而蒙特威尔第却谨慎使用这种处理方式。早期牧歌基本为声乐性格，在第四本牧歌集后，蒙特威尔第的思维中似乎存在器乐的构思，有的作品甚至对于当时最技艺精湛的歌手也是十分困难的。蒙特威尔第的晚期牧歌已具有明显的和声改革迹象，本能地实践出调性和弦进行的整个技术，第一次在终止处使用没有预备地属七和弦和属九和弦，在转调中使用属七和弦，这方面在后来拉莫的《和声学自然原理》中有系统化的论述。

意大利牧歌各种形式的音乐创作提供了丰富的技巧和表情资源，它漫射出无数的象征和格式，被同时代和后来的音乐家所使用，对器乐音乐、经文歌和法国复调尚松等宗教音乐和世俗音乐的发展都有直接的影响。

2. 西方音乐发展史上的巴洛克时期通常是指1700年至1850年

大约从1600年到1750年之间的150年。

巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之后开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600年到1750年之间的150年。

巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展。于是复调的和声性越来越明显。复调在J.S.巴赫时代发展到极致。

通奏低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，并且管弦乐团编制尚未标准化。

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音乐创作

巴洛克音乐创作的发展中心以贵族的宫廷、私人组织的学会以及天主教教会为主，其中又以宫廷最具影响力。此时期的音乐创作除了适合在宫廷里演奏的大协奏曲（concerto grosso）以外，还有贵族沙龙里带有私密气氛的小规模乐器奏鸣曲（Sonata）；

弥撒、神剧、受难曲以及丰富的管风琴曲目，令教堂充满了圣神的光彩；在巴洛克晚期时出现了交响乐的雏形即意大利语“Sinfonia ”，是一种三乐章题材的音乐；另外，歌剧在威尼斯快速兴起，借着音乐和戏剧的结合将情感抒发到最高点。音乐创作从此步入了一个蓬勃发展的阶段。

3. 意大利民歌特点是什么

意大利人是喜爱歌唱的民族。意大利民歌的起源可以追溯到14世纪的牧歌。作曲者常采用知名作家的词来谱曲，所以单单歌词就有很高的文学价值。意大利牧歌的内容都是以爱情为主题或描写对田园的喜爱。经过两个世纪的演变，牧歌越来越倾向精美的表现，到16世纪后半期，充满了“世纪末”的实验趋势。当然，也因此牧歌有了弹性空间的可能性，在意大利的那不勒斯便发展出乡村歌曲—歌曲返璞归真，以声乐来表现富有诗意的书画，接近于独唱声乐精品的崭新风格——这就是今日的那不勒斯民歌。

4. 14世纪意大利牧歌与16世纪意大利牧歌有什么区别

很棒！你确实发现了问题14世纪的牧歌属于中世纪的复调音乐体裁，这一时期的音乐被称之为“新艺术”时期音乐，这一时期的牧歌一般是两至三个声部，在创作上总体还是遵循中世纪的作曲原则，所以，其音乐思维也反映了中世纪的音乐思维特征。但16世纪的牧歌指的是文艺复兴时期的复调音乐，初期是3至4个声部，后期有5至6个声部；当然，它也是文艺复兴时期的世俗音乐；在创作上突出使用“词意描绘”（word painting）手法（即用音乐对一个句子或一个词进行音画式描绘）；在音乐思维上主要突显文艺复兴时期的音乐思维特质，也折射出16世纪文艺复兴时期的时代特征和人文内涵。

5. 什么是"新艺术"意大利牧歌清唱剧喜歌剧

新艺术运动（Art Nouveau）开始在19世纪80年代，在1890年至1910年达到顶峰。“新艺术运动”的名字源于萨穆尔·宾（设计师兼艺术品商人）1895年在巴黎开设的一间名为“新艺术之家”(La Maison Art Nouveau)的商店，他在那里陈列的都是按这种风格所设计的产品。 准确的说新艺术是一场运动，是工艺美术运动在法国的继续深化和发展，而不是单一的一种风格，可分为直线风格和曲线风格，装饰上的风格和平面艺术的风格，并以其对流畅、婀娜的线条的运用、有机的外形和充满美感的女性形象着称。 这种风格影响了建筑、家具、产品和服装设计，以及图案和字体设计。
萨穆尔·宾与一些同行朋友合作，决心改变产品设计现状。他们推崇艺术与技术紧密结合的设计，推崇精工制作的手工艺，要求设计、制作出的产品美观实用，他们对建筑、家具、室内装潢、日用品、服装、书籍装帧、插图、海报等进行全面设计，力求创造一种新的时代风格。他们在形式设计上的口号是“回归自然”，以植物、花卉和昆虫等自然事物作为装饰图案的素材，但又不完全写实，多以象征有机形态的抽象曲线作为装饰纹样，呈现出曲线错综复杂、富于动感韵律、细腻而优雅的审美情趣。1900年的巴黎国际博览会上，萨穆尔·宾的精美作品引起世界广泛关注，在欧美各国引起广泛响应，并使“新艺术之家”的名称不胫而走，故以“新艺术”命名其运动。所以，法国(比利时)自然成为新艺术运动的发源地和中心。